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Um Metal Por Dia, São Paulo (2025)

23/10/2025

“Defectum Omnium” (2024), marca mais um passo firme na retomada definitiva do Exhorder — banda lendária de Nova Orleans que, desde o retorno com “Mourn the Southern Skies” (2019), reafirma sua importância no metal pesado. "Defectum..." segue a trilha do antecessor com uma produção vigorosa, repleta de peso e groove, mas fiel às raízes thrash que consagraram o grupo. É um trabalho denso e agressivo, em doze faixas que mostram a banda em plena forma.

Logo de início, “Wrath of Prophecies” abre de forma avassaladora, com alternâncias rítmicas e um refrão marcante, enquanto “Under the Gaslight” se destaca pela união entre melodia e brutalidade, com um groove irresistível. A presença de Pat O’Brien (ex-Cannibal Co**se) nos solos traz técnica e ferocidade, mas o peso do álbum repousa sobre Kyle Thomas, vocalista e guitarrista que entrega riffs encorpados e vocais intensos. “Forever and Beyond Despair” surpreende ao mesclar punk, thrash e groove com blast beats de Sasha Horn, numa aula de energia e criatividade. Já “The Tale of Unsound Minds” é arrastada, densa e esmagadora, enquanto “Divide and Conquer” aposta na velocidade e lembra o Testament mais recente.

“Year of the Goat”, um dos singles, é puro groove e brutalidade, evocando a fúria do Pantera, enquanto “Taken by Flames” alterna calmaria e destruição em um ataque thrash digno do Exodus. A faixa-título, cantada em latim, introduz “Stolen Hope”, de clima sombrio e baixo ensurdecedor de Jason Viebrook, lembrando o Down, mas ainda mais pesado. “Three Stages of Truth – Lacing the Well” começa com um dedilhado sereno antes de mergulhar em caos total, unindo referências de Pantera e Exodus em um dos momentos mais intensos do disco.

“Sedition” traz um lado mais experimental, com nuances punk e passagens quase jazzísticas, e “Desensitized” é o tipo de faixa feita para destruir pescoços ao vivo. O fechamento com “Your Six” mistura o peso do southern ao thrash metal, com Kyle alcançando notas altíssimas. “Defectum Omnium” é brutal, técnico e honesto — um retrato da fúria humana e da decadência moderna, mostrando que o Exhorder segue relevante, criativo e implacável como nunca.

22/10/2025

“Headless Cross”, de 1989, marcou uma das fases mais sombrias e subestimadas do Black Sabbath. Foi o segundo álbum com Tony Martin nos vocais e o primeiro pela I.R.S. Records, em um período de reconstrução após anos de instabilidade e mudanças de formação. Com Tony Iommi como único membro original, a banda contava ainda com Cozy Powell (bateria), Geoff Nicholls (teclados) e Laurence Cottle (baixo). O resultado foi um disco com produção moderna, atmosfera gótica e letras mergulhadas em misticismo, mitologia e fé — um verdadeiro renascimento para o Sabbath no fim dos anos 80.

“Headless Cross” resgatou a essência obscura e teatral dos primórdios da banda, mas com um toque refinado e épico. A entrada de Powell, veterano de Rainbow e Whitesnake, trouxe peso e precisão, enquanto Iommi entregou riffs inspirados, cheios de melodia e intensidade. A faixa-título, “Headless Cross”, é um hino sombrio sobre um vilarejo amaldiçoado pela fé cega — uma metáfora poderosa sobre o fanatismo humano e a manipulação religiosa. Logo depois, “Devil & Daughter” mistura o hard oitentista ao peso britânico com refrão marcante; “When Death Calls”, com participação de Brian May (Queen), mergulha em melancolia e grandiosidade; e “Kill in the Spirit World” exibe um clima quase cinematográfico, com coros e teclados intensos.

“Call of the Wild” e “Black Moon” mostram o equilíbrio entre agressividade e melodia, reforçando o talento de Martin, um dos vocalistas mais injustiçados da história do metal. Suas letras exploram espiritualidade, ocultismo e moralidade sem cair em clichês, mantendo a aura sombria característica do Sabbath, mas com um lirismo mais poético e introspectivo.

Apesar da ótima recepção da crítica e dos fãs mais atentos, o disco não teve o impacto comercial merecido. O metal vivia a explosão do thrash e do glam, e “Headless Cross” acabou ofuscado por novas tendências. Décadas depois, é lembrado como um clássico esquecido, reverenciado por músicos e colecionadores como um dos momentos mais inspirados da era Tony Martin.

Mais de trinta anos depois, segue como um dos trabalhos mais atmosféricos e elegantes da banda — sombrio, épico e atemporal.

21/10/2025

“Metalhead”, lançado em 1999, marcou o início de uma nova era para o lendário Saxon — uma das bandas que moldaram o som e a atitude do Heavy Metal britânico. Enquanto o final dos anos 90 via o metal tradicional ser ofuscado por tendências como o nu metal e o rock alternativo, Biff Byford e companhia se recusaram a ceder às modas e lançaram um disco pesado, moderno e orgulhosamente fiel às raízes da NWOBHM. O 14º álbum de estúdio do grupo e o primeiro com o baterista Fritz Randow, abre com a faixa-título “Metalhead”, um verdadeiro manifesto da alma metálica: riffs densos, refrão poderoso e uma energia que transborda convicção. Na sequência, faixas como “Are We Travellers in Time”, “Song of Evil” e “All Guns Blazing” revelam um Saxon afiado, criativo e ciente de seu papel como guardião do metal tradicional. “Conquistador” surge como um dos grandes momentos do disco — épico, histórico e envolvente, com aquele clima que faz lembrar os tempos áureos de "Crusader" e "Strong Arm of the Law". Já “Prisoner” e “Piss Off” mostram a faceta mais crua e rebelde da banda, pura atitude de estrada.

Encerrando o álbum, “Sea of Life” traz um tom quase melancólico, com uma melodia intensa e letras que flertam com a reflexão existencial — uma prova de que o Saxon não apenas sobreviveu ao tempo, mas evoluiu com ele. A voz de Biff Byford soa imponente, madura, mas ainda com a garra juvenil de quem vive o metal com devoção total. Liricamente, “Metalhead” é uma ode à resistência, à liberdade e à irmandade que une gerações de headbangers pelo mundo.

Apesar de não ter recebido o mesmo destaque comercial de clássicos anteriores, “Metalhead” é um disco essencial — um marco da transição entre o som clássico e o peso moderno que definiria a fase 2000 do Saxon. Ele abriu caminho para obras como “Killing Ground” (2001) e “Lionheart” (2004), consolidando a banda como uma força eterna dentro do heavy metal.

É um álbum de alma verdadeira, feito por e para metalheads, sem concessões, sem modismos — puro aço britânico forjado no fogo da paixão e da lealdade ao gênero. 🤘

21/10/2025

“Down to Earth” (2001) marcou o retorno de Ozzy Osbourne ao estúdio após um hiato de seis anos desde Ozzmosis (1995). O álbum surgiu em um momento decisivo da carreira do “Madman”: aos 52 anos, ele já era uma lenda consolidada, mas precisava reafirmar sua relevância em um cenário musical que havia mudado drasticamente com o auge do nu metal e do hard rock alternativo. O resultado foi um disco moderno, pesado e acessível, que equilibra a identidade sombria e melódica de Ozzy com uma sonoridade contemporânea e radiofônica.

A formação que gravou Down to Earth é, por si só, um dos grandes trunfos do álbum. Além do vocal inconfundível de Ozzy, o disco conta com Zakk Wylde na guitarra — em uma de suas performances mais intensas e emotivas —, Robert Trujillo (futuro baixista do Metallica) no baixo, Mike Bordin (Faith No More) na bateria e Tim Palmer na produção, com mixagem de Chris Lord-Alge. O resultado é um som denso, limpo e poderoso, com riffs marcantes e refrães memoráveis.

As faixas ficam entre introspecção e força. “Gets Me Through”, é quase uma declaração de amor aos fãs. Já o petardo “Facing Hell” e a modernosa “Junkie” mergulham em temas sombrios, explorando dilemas pessoais, vícios e a luta interna do vocalista com seus próprios demônios. “Dreamer”, uma das canções mais icônicas de sua carreira solo, revela o lado mais vulnerável e reflexivo de Ozzy, com uma letra que ecoa preocupações ambientais e um piano melancólico que remete aos tempos de Changes. A música, inclusive, tornou-se uma das mais tocadas de sua discografia e um hino para gerações posteriores.

Outros destaques incluem “No Easy Way Out”, com pegada hard rock, e “That I Never Had”, com riffs inspirados e uma energia contagiante. Down to Earth mostra um equilíbrio raro entre peso e emoção, mantendo a aura obscura característica de Ozzy, mas com uma produção moderna e um senso melódico refinado.

Até hoje permanece como um de seus discos mais sólidos e autênticos — um testemunho de sua maturidade artística e da força de sua essência soando como um retrato definitivo de um artista que enfrentou todas as mudanças, excessos e modas sem perder sua identidade.

17/10/2025

Não é metal propriamente dito, mas o Kiss é uma das bandas-base de tudo. E dentro dessa história monumental, um dos personagens mais carismáticos e influentes foi Ace Frehley — o “Spaceman”, guitarrista original do grupo, cuja forma de tocar inspirou gerações inteiras de roqueiros. Em 1978, no auge da fama do Kiss, cada integrante lançou seu próprio álbum solo — mas foi o disco de Ace Frehley que mais surpreendeu fãs e críticos, tornando-se o mais bem-sucedido entre os quatro.

Simplesmente intitulado "Ace Frehley", o álbum mostrou que o guitarrista não era apenas o cara das faíscas no palco ou o sujeito de risada fácil nas entrevistas. Ali, ele provou ser um músico completo, capaz de compor, cantar e comandar o estúdio com personalidade. O disco traz uma sonoridade crua, vibrante e com uma pegada hard rock que antecipava o que muitos anos depois seria reconhecido como influência direta para o metal oitentista.

O maior sucesso do álbum, “New York Groove”, uma regravação da banda Hello, virou hit instantâneo e é até hoje um hino obrigatório em qualquer celebração ligada ao Kiss. Mas além dela, faixas como “Rip It Out”, “Speedin’ Back to My Baby” e “Ozone” mostravam uma musicalidade vigorosa e honesta, traduzindo a alma rebelde de Ace — aquele espírito livre que sempre parecia estar um passo fora das convenções do grupo.

Com o passar do tempo, “Ace Frehley” se tornou um marco, não só na discografia do Kiss, mas na história do rock em geral. Foi um retrato fiel de um artista que buscava autonomia, que queria soar como ele mesmo — e conseguiu. O álbum alcançou o topo das paradas, conquistou fãs de diferentes vertentes e, mais importante, revelou o quanto o Spaceman tinha luz própria.

Agora, com a notícia triste de sua morte, o disco ganha ainda mais peso emocional. O som de “Rip It Out” ecoa como um grito de liberdade, “New York Groove” como um brinde à vida, e cada solo de guitarra carrega a energia de alguém que viveu intensamente, dentro e fora do palco. Ace Frehley pode ter deixado este plano, mas sua arte continua brilhando como uma estrela — uma daquelas que, mesmo distante, segue iluminando o caminho de quem ama o rock.

16/10/2025

Mais de uma década após sua formação, o Ashes Of Ares mostra que não está aqui para viver de passado. Com “New Messiahs”, quarto álbum de estúdio, Matthew Barlow e Freddie Vidales, ambos ex-Iced Earth, reafirmam sua relevância no metal contemporâneo, entregando uma obra sólida, intensa e cheia de emoção — sem precisar reinventar a roda para soar atual e poderosa.

A produção equilibra peso, clareza e profundidade, e já nos primeiros acordes de “Novus Ordo” sentimos que a banda pisa fundo no acelerador: introdução épica, guitarras acústicas, teclados sinfônicos e bateria crescente criam o clima grandioso que permeia todo o disco. Em seguida, “Wake Of Vultures” e “Two Graves” mostram riffs vigorosos e vocais de Barlow em plena forma — alternando naturalmente entre agressividade e melodia. A faixa-título é direta, poderosa e dona de um refrão memorável.

Sim, o Ashes Of Ares não é o Iced Earth — e comparar as duas bandas é injusto. Apesar da voz marcante de Barlow remeter à antiga casa, o som aqui é mais melódico, sensível e harmonioso, lembrando Queensrÿche, Savatage e Sanctuary, com ecos de Judas Priest, Iron Maiden e Nevermore.

“Where You Go” brilha como balada emocionante, enquanto “Atrophy” e “Lust To Feed” reforçam o peso e o senso de urgência. “The Hawk And The Dove” adiciona introspecção e profundidade, e “Keep On Walkin’”, inspirada na paternidade de Barlow, emociona com sua honestidade. Já “From Hell He Rides” encerra o álbum em tom épico, com riffs cinematográficos e vocais intensos. As faixas bônus “And The House Fell Down” (Elton John) e “Infection Deception” ampliam a versatilidade sem quebrar a coesão.

É um disco de energia consistente, equilibrando peso e melodia com maestria. Matt Barlow segue impecável — intenso, expressivo e dono de uma das vozes mais emocionais do metal.

Para fãs de heavy e power metal, especialmente Iced Earth, Sanctuary e Queensrÿche, este álbum é obrigatório e mostra o Ashes Of Ares em sua melhor forma — autêntico, pesado e inspirador, daqueles que conquistam na primeira audição e se tornam ainda maiores a cada vez que você aperta o play.

15/10/2025

Lançado em 2002, "Crimson Thunder" marcou um ponto alto na trajetória do HammerFall, consolidando a banda sueca como um dos pilares do power metal moderno. Depois de três álbuns que ajudaram a reacender a chama do heavy metal tradicional nos anos 90, o grupo chegou ao quarto trabalho com mais confiança, peso e uma produção refinada que realçou ainda mais o equilíbrio entre melodia e agressividade — duas marcas registradas da banda.

Gravado em parte nos lendários Wisseloord Studios, na Holanda, e com mixagem assinada por Charlie Bauerfeind, "Crimson Thunder" trouxe um som mais robusto e épico, sem abrir mão das raízes old school que sempre definiram o quinteto liderado por Joacim Cans e Oscar Dronjak. O álbum abre com "Riders of the Storm", um convite direto à batalha, mostrando a banda em plena forma, com riffs galopantes e refrão poderoso. Mas é em faixas como "Hearts on Fire" — um dos maiores hinos do HammerFall — que o disco atinge seu auge, com uma energia contagiante e coro perfeito para arenas lotadas.

Outros destaques incluem a faixa-título "Crimson Thunder", com sua pegada mais sombria e atmosfera heróica, e "Angel of Mercy", cover do Chastain que reafirma o respeito da banda por suas influências clássicas. O álbum ainda traz canções como "On the Edge of Honour" e "Trailblazers", que reforçam a habilidade do grupo em equilibrar velocidade, melodias inspiradoras e letras que celebram bravura, irmandade e resistência.

"Crimson Thunder" representou uma maturidade musical e consolidou o HammerFall como uma das principais forças do metal europeu do início dos anos 2000. Mais do que um simples disco, ele capturou o espírito de uma época em que o metal melódico voltava a dominar os palcos e corações dos fãs ao redor do mundo. Até hoje, é lembrado como um dos trabalhos mais completos e carismáticos da banda — um verdadeiro tributo à crença inabalável no poder do Heavy Metal.

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14/10/2025

"Wrath and Ruin" lançado cinco anos após "Weapons of Tomorrow", reafirma o Warbringer como um dos nomes mais relevantes do thrash metal moderno. O sétimo álbum da banda equilibra agressividade e técnica com uma proposta conceitual mais elaborada, abordando desigualdade, poder e decadência social.

John Kevill conduz o disco com letras que falam sobre “tecno-feudalismo” e alienação, trazendo inspiração de Tolkien para criar uma obra de fúria e reflexão. A capa, com sua torre de marfim flutuante derramando destruição sobre os que estão abaixo, reforça a narrativa de opressão e desequilíbrio social. A produção de Mark Lewis garante clareza e impacto, permitindo que cada instrumento brilhe sem perder a brutalidade característica da banda.

O álbum conta com oito faixas e cerca de 40 minutos de duração. "The Sword and the Cross" abre com riffs cortantes e um clima épico, enquanto "A Better World" e "Neuromancer" mantêm o thrash direto e energético. "Through a Glass, Darkly" traz momentos mais sombrios e introspectivos, quase flertando com elementos de black metal, e "Cage of Air" se destaca por unir peso e melodia de forma magistral. "Strike from the Sky" reforça a agressividade clássica, e "The Last of My Kind" encerra o disco com uma proposta épica, fechando o conceito de maneira grandiosa, ainda que pudesse ser mais concisa.

"Wrath and Ruin" mostra um Warbringer maduro, consciente de seu legado e disposto a expandi-lo. É um álbum que combina força, melodia e reflexão, traduzindo os tempos atuais em thrash metal de alto nível. Entre riffs devastadores e letras densas, a banda entrega uma obra poderosa, autêntica e cheia de personalidade. Aumenta o som e bate cabeça!

09/10/2025

Surgida em São Paulo em março de 2024, a Valahala chegou como uma verdadeira descarga de energia no underground. Formada por Thiago Soares (vocal), Pedro Terra (guitarra) e Elton Nunes (bateria), o trio traduz angústia, raiva e reflexão em um som brutalmente honesto, onde peso e emoção caminham juntos. O EP de estreia, “Desgosto”, é um manifesto sonoro que condensa toda a intensidade que a banda vem mostrando nos palcos.

Difícil de rotular, a sonoridade da Valahala transita entre o Heavy Metal, Thrash, Grindcore, Crust, Punk, Hardcore e até nuances de Nu Metal, sempre com letras em português e uma produção que privilegia a crueza. É um som que pulsa, atinge e incomoda — com riffs cortantes, vocais rasgados e uma bateria que explode como um desabafo coletivo. Nada soa artificial. Cada faixa é uma ferida aberta, um grito de quem encara o caos de frente.

O EP traz cinco faixas: “Estamos Em Paz?”, “Desgosto”, “Vazio”, “Olhos Abertos No Chão A Me Olhar” e “Leilão de Pessoas”. “Vazio” é claustrofóbica, construída sobre uma base densa que cresce em desespero e retrata o vício humano em repetir erros. “Leilão de Pessoas” é mais direta e furiosa, com uma pegada quase industrial e letras que denunciam a transformação das pessoas em mercadoria. “Olhos Abertos No Chão A Me Olhar” é sufocante, introspectiva, e carrega um peso emocional que beira o desespero. “Desgosto”, curta e explosiva, é puro ódio concentrado, enquanto “Estamos Em Paz?” mistura ironia e agressividade para questionar a hipocrisia social e política que nos cerca.

O resultado é um trabalho intenso, pesado e autêntico — onde cada batida e cada verso soam como um grito de resistência. “Desgosto” é o tipo de EP que não pede passagem, ele atropela. É o retrato cru de um tempo doente, feito por uma banda que transforma angústia em arte e ruído em verdade. Valahala é som, é desconforto e é real — uma nova força do underground paulista que merece ser ouvida no volume máximo.

08/10/2025

Lançado em fevereiro de 2025, logo após o excelente álbum “Killing Machine” de 2023, “Let’s Thrash” marca o retorno explosivo do Sacrifix com um EP curto, direto e brutal que reafirma o poder do thrash metal brasileiro old school. Com seis faixas e pouco menos de meia hora de duração, o disco é um soco certeiro, um manifesto de fúria e fidelidade às raízes do gênero, equilibrando produção encorpada e potente com a sujeira e a crueza que o estilo pede.

A faixa-título é o grande destaque: veloz, contagiante e com um refrão que funciona como um chamado à destruição. É o tipo de música feita para o mosh pit, com riffs cortantes e energia que remete à era de ouro do thrash. O EP alterna gravações de estúdio e versões ao vivo em gravadas em estúdio, trazendo uma atmosfera autêntica que coloca o ouvinte dentro da sala de ensaio — o som real, sem filtros, sem retoques, puro e agressivo como deve ser. Faixas como "R***d Democracy", "Rotten" e "Mundo Nojento" mostram que a banda está afiadíssima e de olho no futuro promissor que vêm pela frente.

As influências são nítidas — Slayer, Exodus, S***m e Kreator — mas o Sacrifix imprime sua identidade, transformando o clássico em atual. O vocal de Frank Gasparotto soa furioso e sincero, enquanto guitarras afiadas e uma base rítmica precisa sustentam o massacre sonoro. As letras abordam caos, revolta e resistência, mantendo viva a essência rebelde e contestadora do thrash.

“Let’s Thrash” não tenta reinventar nada — e é exatamente por isso que funciona. É autêntico, pesado e cheio de atitude. Um grito de guerra que mostra que o thrash brasileiro continua firme, pulsante e sem concessões. Curto, intenso e devastador, o EP consolida o Sacrifix como um dos nomes mais promissores do metal nacional e prova que o verdadeiro espírito do gênero ainda vive — suado, barulhento e indestrutível.

08/10/2025

Há exatos 38 anos, o Exodus lançava “Pleasures of the Flesh”, um marco decisivo na trajetória da banda e um dos capítulos mais importantes da história do thrash metal da Bay Area. O álbum, lançado em 1987, foi o segundo da carreira e o primeiro com Steve “Zetro” Souza nos vocais, substituindo Paul Baloff após o cultuado debut “Bonded by Blood”.

A entrada de Zetro trouxe uma nova identidade à sonoridade da banda — mantendo a fúria e a velocidade típicas do Exodus, mas com uma pegada mais técnica e polida. Gravado no Alpha & Omega Studios, em São Francisco, e produzido por Marc Senasac e pelos próprios integrantes, o álbum exibe uma produção mais limpa e poderosa, com as guitarras cortantes de Gary Holt e Rick Hunolt (a lendária “H-Team”) afiadas como navalhas, sustentadas pelo baixo de Rob McKillop e a bateria explosiva de Tom Hunting.

As letras exploram desde críticas sociais até temas sombrios e violentos, característica marcante do gênero. Clássicos como “Deranged”, “Parasite” e “Brain Dead” mostram o equilíbrio entre técnica e brutalidade, enquanto a faixa-título “Pleasures of the Flesh” entrega grooves pesados e passagens elaboradas que representam perfeitamente o espírito do disco. Curiosamente, músicas como “Brain Dead”, “Seeds of Hate” e “Pleasures of the Flesh” foram compostas ainda na fase de Baloff, com letras escritas por ele antes de deixar o grupo.

Outro detalhe curioso é a capa original, que mostrava os integrantes como canibais em um banquete bizarro — arte que acabou censurada e trocada por uma versão mais discreta, mas que até hoje é lembrada pelos fãs como um ícone da irreverência thrash dos anos 80.

Embora “Pleasures of the Flesh” não tenha causado o mesmo impacto imediato do debut, com o passar do tempo ganhou status de clássico subestimado, sendo reconhecido por sua maturidade e pelo equilíbrio entre agressividade e técnica. Foi o passo que consolidou o Exodus como uma das forças mais criativas e consistentes do metal extremo.

Hoje, o álbum é celebrado como um registro essencial da evolução do thrash metal, um testemunho da garra, da autenticidade e da fúria que sempre definiram o som do Exodus.

06/10/2025

“Against”, de 1998, é um divisor de águas na história do Sepultura. Foi o primeiro álbum sem Max Cavalera, uma mudança que abalou profundamente a banda e seus fãs. Muitos acreditavam que seria o fim, mas o Sepultura mostrou o contrário: renasceu com garra e atitude. Derrick Green assumiu os vocais e trouxe uma nova energia, abrindo caminho para uma fase de reinvenção e resistência.

Gravado entre o Brasil, o Japão e Londres, com produção de Howard Benson, o disco reflete exatamente o que o título sugere — estar “contra” tudo e todos. É um álbum intenso, agressivo e ao mesmo tempo experimental, mantendo o peso característico da banda, mas expandindo horizontes sonoros. As percussões tribais e influências rítmicas, herdadas de “Roots”, se misturam a novas ideias, resultando em uma sonoridade crua e global.

Músicas como “Against”, “Choke” e “Boycott” trazem toda a fúria e a determinação de quem luta para provar seu valor. Já faixas como “Tribus”, “Common Bonds” e “Kamaitachi” — esta última com participação do grupo japonês Kodo — exploram a conexão cultural e espiritual que sempre permeou o som do Sepultura. O álbum transborda energia, conflito e vontade de recomeçar.

A estreia de Derrick Green marcou uma nova identidade vocal para a banda. Seu timbre grave e poderoso deu vida a letras que falam sobre resistência, união e superação, refletindo o momento turbulento vivido pelo grupo. Mesmo sob críticas e comparações inevitáveis, o Sepultura mostrou que sua força vinha da coletividade e da crença na própria arte.

Embora “Against” tenha sido recebido de forma dividida no final dos anos 90, o tempo provou seu valor. Hoje, é reconhecido como um disco corajoso e fundamental, que registrou o renascimento do Sepultura em meio ao caos. É mais do que um simples trabalho de transição — é um manifesto de sobrevivência e autenticidade.

“Against” é o som da resistência. É o Sepultura lutando contra as expectativas, reinventando-se e mostrando que o espírito do metal brasileiro é inquebrável. Um álbum que transformou crise em força e manteve a banda como uma das mais resilientes e inovadoras do gênero.

Um Metal Por Dia

23/10/2025

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