JLP Mastering

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Escuela de audio Online

04/08/2026

Hay herramientas que no cambian una mezcla por sí solas, pero sí pueden hacer mucho más ágil la forma en que trabajamos.

Esta fue una de esas para mí. Me permite contrastar decisiones en tiempo real desde uno de los dispositivos donde más escuchamos música, sin interrumpir el flujo de trabajo.

Quise preparar una guía rápida con el enlace de descarga y la instalación paso a paso para compartirla con quienes hacen parte de esta comunidad.

Si te interesa, déjame cualquier comentario y con mucho gusto te la envío por mensaje directo.

28/07/2026

Cada instrumento tiene una función dentro de un arreglo, y entenderla cambia por completo la forma de mezclarlo.

En este caso, el acordeón no era solo una pista más. Antes de abrir un plugin, intenté entender qué debía conservar de su interpretación y qué podía mejorar para que encontrara su lugar dentro de la mezcla.

La cadena de procesamiento fue bastante sencilla: un LA-2A, un par de channel strips analógicos, un poco de ambiente, algunas automatizaciones… y eso fue todo.

¿Qué instrumento te gustaría que analizara en un próximo video?
¿Que habrías hecho distinto?

23/07/2026

Antes de este reel, te recomiendo pasar por la primera parte, donde explico los 5 patrones que encontré tras analizar varias referencias de Melodic Techno.

La intención de este ejercicio no es copiar canciones ni presets. Es aprender a identificar patrones de ritmo, melodías, diseño de sonido, espectro y evolución del arreglo para entender cómo se construye el lenguaje de un género.

Este tipo de análisis es especialmente útil cuando estás empezando a producir un estilo musical. Te ayuda a reducir la incertidumbre y a tomar decisiones con más criterio durante la producción.

Con el tiempo y la experiencia, muchos de estos patrones dejan de analizarse de forma consciente, porque el productor aprende a reconocerlos de manera natural al escuchar nuevas referencias.

¿Qué otro comportamiento crees que caracteriza al Melodic Techno y debería formar parte de este análisis?

21/07/2026

La mezcla puede potenciar una producción, pero difícilmente corregirá un track que todavía no habla el lenguaje del género.

En este ejercicio analicé varias referencias de Melodic Techno para identificar comportamientos que aparecen repetidamente entre diferentes producciones. No buscaba melodías, presets o arreglos específicos; buscaba patrones que pudieran convertirse en un criterio de producción.

En la segunda parte pondré a prueba ese análisis construyendo una maqueta basada únicamente en esas observaciones.

Pregunta: ¿Qué otro patrón consideras que define al Melodic Techno moderno y que valdría la pena incluir en este análisis?

16/07/2026

Segunda parte. 🎙️

El objetivo de este ejercicio no es decir que esta sea la única forma de construir un coro grande.

Es simplemente ilustrar uno de los muchos recursos que existen dentro de la producción vocal.

En este caso utilizamos varias interpretaciones de la misma línea para reforzar la voz principal y mostrar cómo cambia la sensación del coro.

¿Se podría haber utilizado un Doubler digital? Claro.

¿Se podrían haber escrito armonías o nuevas líneas vocales? También.

Cada recurso genera una sensación distinta y esa elección hace parte del criterio del productor, del artista y de la emoción que busca transmitir la canción.

Ese era el propósito de este ejercicio: centrar la atención en el recurso de producción, no en la mezcla.

14/07/2026

Este reel no busca analizar la mezcla de Sweet Disposition ni replicar exactamente su sonido.

La intención es mucho más simple: mostrar uno de los recursos de producción vocal que puede hacer que un coro se perciba más grande.

Antes de pensar en plugins o procesamiento, muchas veces la sensación de tamaño nace de decisiones que se toman durante la grabación y el arreglo.

En este primer video analizamos la idea general y preparamos el contexto.

En la segunda parte veremos cómo esas capas vocales cambian la percepción del coro cuando empiezan a trabajar juntas.

¿Qué otro coro te gustaría que analizáramos desde el punto de vista de la producción?

09/07/2026

Segunda parte. 🎙️

Una vez terminada la afinación, el resto del trabajo consistió en tomar decisiones.

Añadí brillo y aire para acercarme a la estética de este tipo de producciones, construí el espacio con Doubler, Delay y Reverb, y cuando toda la cadena estuvo completa apareció una estridencia alrededor de los 5.7 kHz.

En ese punto preferí salir del channel strip y utilizar un EQ externo para hacer una corrección mucho más quirúrgica sin perder el color que ya había construido.

Al final, el timbre, la cantidad de efecto e incluso el nivel de procesamiento siempre dependerán del contexto del arreglo y de la visión del productor o del artista.

Este no pretende ser el método para acercarse a un sonido como el de FEID; simplemente es una forma de entender por qué cada decisión dentro de una cadena vocal tiene un propósito.

¿Qué artista te gustaría que analizáramos en el próximo video?

07/07/2026

El sonido vocal de la música urbana empieza únicamente con Auto-Tune.

En esta prueba descubrí que el orden de las decisiones importa mucho más.

Antes de pedirle al efecto Auto-Tune que hiciera su trabajo, preparé la señal, estabilicé la afinación con Melodyne y dejé una base mucho más consistente para que el algoritmo reaccionara de forma más estable.

Después empecé a construir el carácter de la voz con saturación y procesamiento dinámico.

En la segunda parte terminamos el color, los efectos y una corrección que solo apareció cuando toda la cadena estaba completa.

¿Alguna vez has sentido que el Auto-Tune hace cosas extrañas incluso estando en la tonalidad correcta?

04/07/2026

Pequeña actualización del reel anterior. 👀

Aproveché la pregunta que dejé abierta para convertirla en un pequeño ejercicio auditivo y analizar con más detalle qué estaba pasando en esa zona del espectro.

El shelf que utilicé para añadir aire no solo potenció las sibilancias, sino también algunos armónicos que terminaron haciendo esa región mucho más incisiva.

La molestia principal estaba alrededor de los 3.89 kHz y 4.39 kHz, una zona que, en este caso, me recordaba al carácter de un silbato de fútbol.

Mi primera solución fue un EQ dinámico, pero no fue suficiente por sí solo. Al final, complementé el proceso con filtros notch más quirúrgicos para conservar el aire que buscaba sin perder naturalidad.

Y creo que esa es una de las cosas más interesantes de mezclar: cada decisión tiene consecuencias, y muchas veces una mejora revela detalles que merecen una segunda revisión.

¿Lo habías encontrado en el reel anterior o te pasó desapercibido?

02/07/2026

Utiliza audífonos ‼️
Sé que el video está bastante resumido y que muchos procesos merecen una explicación más profunda, pero la idea era mostrar el criterio general detrás de cada decisión sin convertirlo en una clase de varios minutos.

Cada herramienta se utilizó de forma consciente y como consecuencia de la anterior.

Por ejemplo, el realce de aire añadió una sensación que buscaba para la voz, pero también hizo más evidentes algunas sibilancias, así que el de-esser terminó formando parte de la solución. Lo mismo ocurre con la compresión, el EQ dinámico o los efectos de envío: cada proceso responde a una necesidad específica dentro del contexto de la canción.

Mi objetivo no era transformar la interpretación, sino potenciar las características que ya hacían especial a esta voz y construir un espacio que la acompañara sin robarle protagonismo.
Al final quedó un armónico un poco molesto ¿Puedes decirme en qué zona de frecuencias está?

Y ahora la pregunta para ustedes:

¿Qué habrían hecho diferente para mantener la esencia de esta interpretación?

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