Between The Lines

08/04/2025

New Release: April 25.04.2025:
Christy Doran | Izumi Kimura: Glacial Voyage
(German Version see bottom)..... Witness the real creation of soundscapes in 10 songs. Without rules, guidelines or restrictions... er-em online

An Irishman from Switzerland – a Japanese woman from Ireland. Both stand for openness, a creative spirit that flouts conventions and improvisational creativity. Guitarist Christy Doran and pianist Izumi Kimura, both on their own musical paths for many years, had only met for the first time a few weeks before these recordings. Doran had recently returned to his old homeland for a three-month stay to "refresh his roots". These included musical encounters such as with Kimura, but also an in-depth study of Irish musical traditions.
"Glacial Voyage" is the result of a freely improvised coexistence. This was only preceded by a meeting playing music to get to know each other. Izumi Kimura, at home in Ireland for around three decades, had heard Christy Doran at a concert with Irish bassist Ronan Guilfoyle and US drummer Gerry Hemingway and asked the experienced guitarist then and there if he was interested in a duo encounter. Doran was already familiar with Kimura's recordings, including the video document of a concert by the pianist with Hemingway and the English bassist and composer legend Barry Guy. The first musical exchange between the two felt so good that they immediately arranged a studio production.
The location of this recording meant for Christy Doran an unexpected return home to a familiar place from his childhood. Doran had grown up in Greystones, County Wicklow, about 30 kilometers south of Dublin. Delgany is just a bit more than two kilometers from there. At the place where "Glacial Voyage" was created, there used to be a pharmacy where, among other things, the children of the region were vaccinated. "If I had known as a small child that I would record music like that!" Doran shakes his head, laughing. "Unbelievable!"
Such music … The album starts off brittle, even a little harsh. And yet the piece "Breakwater" immediately draws you into the scenarios and landscapes that Doran and Kimura create. There were no specifications or previous agreements; it was a selection of first takes from the material that the two recorded in a short time. "Inishkea Islands" unfolds an enormous poetic power, and "High Tide" seems mysteriously ominous. In "Whale Tea Party", the sound of the guitar played with a bow is reminiscent, of course, of whale singing. And there are also deeply romantic moods in the course of this intense, visually powerful listening adventure. The mix was done by Gerry Hemingway, who has lived in Switzerland for some time and is friends with both Doran and Kimura.
The titles of the tracks signal a common thread: Sea and rugged coastline, the tides, and the interplay of the elements: the fascination of the indomitable forces that are an eternal inspiration. In fact, these titles were only chosen later. Some of them,e.g., "Belmullet", "Blacksod Lighthouse", etc., are places and points in County Mayo on Ireland's northwest coast. Christy Doran spent a whole month there during his longer stay in Ireland, far from the greater region around Dublin. Although they didn’t intend for the improvisations to reflect all this, the music and titles fit together in an almost striking way to form a coherent whole that breathes complete freedom on one hand and seems to have a kind of "Irish soul" at its core on the other hand.
A special feature is found in the form of improvisations. No one takes a course that drifts into the approximate, into the aimless. All pieces have their own distinctive character. In addition to paying attention to each other, Doran is sure that this is very much related to Kimura's musical style. "She has classical music training. When improvising, you notice the sense of the compositional. She always checks how she can develop a shape." With a view to himself and so many other improvisers who have been shaped by jazz, he adds: "Many are tempted to play too much and not stay in one place for very long. This increases the risk of it becoming arbitrary. She could always get me back down on solid footing, guide me where we were supposed to go. That is a rare gift. I have the feeling that we have created genuine, small pieces that are self-contained."
Izumi Kimura was born in Yokohama in 1973. She studied at a prestigious university near Tokyo, followed by training at the Royal Irish Academy of Music. She became increasingly interested in contemporary music and the possibilities of improvisation. Over the years, she has worked with countless jazz musicians and related border crossers, including Hemingway and Guy, Dominique Pifarely, Julian Arguelles, Ramon Lopez, and Benoit Delbecq. Christy Doran was born in 1949. He became internationally known with the progressive Swiss jazz quartet OM, followed by a multifaceted career across all possible styles including a popular Jimi Hendrix project and his longtime regular band New Bag. The first album of his magical trio Morpheus Trance, "In Trance We Trust" (Double Moon Records), was released last year. Improvisational encounters like these are a continuous part of his work. "Everything I do is done in parallel. Everything is in the flow.”
Christy Doran has listened to the recordings with Izumi Kimura again and again. And he always found: "It's fun every time; I always enjoy them. It’s happening!“
.. Werden Sie Zeuge einer echten Entstehung von Klanglandschaften in 10 Songs. Ohne Regeln, Vorgaben oder Grenzen...
German Version:
Ein Ire aus der Schweiz – eine Japanerin aus Irland. Beide stehen für Offenheit, für einen kreativen Geist jenseits von Konventionen und für improvisatorische Gestaltungslust. Gitarrist Christy Doran und Pianistin Izumi Kimura, beide seit vielen Jahren auf eigenen musikalischen Pfaden unterwegs, waren sich erst wenige Wochen vor diesen Aufnahmen zum ersten Mal begegnet. Doran war kurz zuvor für einen dreimonatigen Aufenthalt in seine alte Heimat zurückgekehrt, um „die Wurzeln aufzufrischen“. Dazu gehörten musikalische Begegnungen wie die mit Kimura, aber auch eine in die Tiefe gehende Beschäftigung mit irischen Musiktraditionen.
„Glacial Voyage“ ist das Resultat eines frei improvisierten Miteinanders. Voraus ging dem lediglich ein musikalisches Treffen zum Kennenlernen. Izumi Kimura, seit rund drei Jahrzehnten in Irland zuhause, hatte Christy Doran bei einem Konzert mit dem irischen Bassisten Ronan Guilfoyle und dem US-amerikanischen Schlagzeuger Gerry Hemingway gehört – und den erfahrenen Gitarristen noch dort gefragt, ob er an einer Duo-Begegnung interessiert sei. Doran kannte bereits Aufnahmen Kimuras, darunter das Video-Dokument eines Konzertes der Pianistin mit Hemingway sowie der englischen Bassisten- und Komponisten-Legende Barry Guy. Der erste musikalische Austausch der beiden fühlte sich derart gut an, dass sie sofort eine Studioproduktion verabredeten.
Der Ort dieser Aufnahme bedeutete für Christy Doran eine unverhoffte Heimkehr an einen vertrauten Platz seiner Kindheit. Doran war in Greystones im County Wicklow aufgewachsen, etwa 30 Kilometer südlich von Dublin. Gut zwei Kilometer entfernt davon liegt Delgany. An der Stelle, wo „Glacial Voyage“ entstand, befand sich früher eine Apotheke, in der unter anderem die Kinder der Region geimpft wurden. „Wenn ich als kleines Kind gewusst hätte, dass ich da mal solche Musik aufnehmen würde!“, schüttelt Doran lachend den Kopf. „Unglaublich!“
Solche Musik … Das Album beginnt spröde, sogar ein Bisschen schroff. Und doch zieht das Stück „Breakwater“ sofort hinein in die Szenarien und Landschaften, die Doran und Kimura erschaffen. Vorgaben oder Absprachen gab es keine es handelt sich um eine Auswahl von First Takes aus jenem Material, das die beiden in kurzer Zeit einspielten. „Inishkea Islands“ entfaltet eine enorme poetische Kraft, „High Tide“ erscheint mysteriös dräuend. In „Whale Tea Party“ erinnert der Sound der mit Bogen gestrichenen Gitarre an, natürlich, Walgesang. Und auch zutiefst romantische Stimmungen gibt es im Verlauf dieses intensiven bildstarken Hör-Abenteuers. Den Mix übernahm Gerry Hemingway, der seit geraumer Zeit in der Schweiz lebt und sowohl mit Doran, als auch mit Kimura befreundet ist.
Einen roten Faden signalisieren die Titel der Tracks: Meer und raue Küste, die Gezeiten, das Zusammenspiel der Elemente - die Faszination der unzähmbaren Kräfte, die eine ewige Inspiration sind. Tatsächlich wurden diese Titel erst nachträglich gewählt. Einige davon – „Belmullet“, „Blacksod Lighthouse“ usw. - sind Orte und Punkte im County Mayo an der irischen Nordwestküste. Dort, fernab von der Großregion um Dublin, verbrachte Christy Doran im Zuge seines längeren Irland-Aufenthalts einen ganzen Monat. Obwohl nicht beabsichtigt war, dass die Improvisationen all dies reflektieren sollen, fügen sich Musik und Titel auf geradezu frappierende Weise zu einem schlüssigen Ganzen, das einerseits völlige Freiheit atmet, andererseits im Kern eine Art „irische Seele“ zu haben scheint.
Eine Besonderheit findet sich in der Form der Improvisationen. Keine nimmt einen Verlauf, der ins Ungefähre, ins Ziellose driftet. Alle Stücke haben einen eigenen markanten Charakter. Das hängt, da ist sich Doran sicher, neben der Aufmerksamkeit füreinander ganz wesentlich mit Kimuras musikalischer Vorprägung zusammen. „Sie ist klassisch ausgebildet. Beim Improvisieren merkt man den Sinn für das Kompositorische. Sie checkt immer, wie sie eine Form entwickeln kann.“ Mit Blick auf sich selbst und so viele andere Improvisatoren, die vom Jazz geprägt wurden, ergänzt er: „Viele werden verleitet, zuviel zu spielen und nicht lange an einer Stelle zu bleiben. Das erhöht die Gefahr, dass es beliebig wird. Sie konnte mich immer runterholen, mich dorthin leiten, wo wir hin sollten. Das ist selten. Ich habe das Gefühl, wir haben richtige kleine Stücke entstehen lassen, die in sich abgeschlossen sind.“
Izumi Kimura ist Jahrgang 1973, geboren in Yokohama. Studiert hatte sie an einer renommierten Hochschule nahe Tokyo, gefolgt von einer Ausbildung an der Royal Irish Academy of Music. Ihr Interesse galt zunehmend der zeitgenössischen Musik und den Möglichkeiten der Improvisation. Über die Jahre hat sie mit zahllosen Jazz-Musikern und geistesverwandten Grenzgängern zusammengearbeitet, darunter Hemingway und Guy, Dominique Pifarely, Julian Arguelles, Ramon Lopez, Benoit Delbecq. Christy Doran ist Jahrgang 1949. International bekannt wurde er mit dem progressiven Schweizer Jazz-Quartett OM, gefolgt von einer facettenreichen Karriere quer durch alle möglichen Stilbereiche einschließlich einem populären Jimi Hendrix-Projekt und seiner langjährigen Stammband New Bag. Im vergangenen Jahr erschien das erste Album seines magischen Trios Morpheus Trance, „In Trance We Trust“ (Double Moon Records). Improvisatorische Begegnungen wie diese sind ein kontinuierlicher Teil seines Schaffens. „Bei mir läuft Alles, was ich mache, parallel. Es ist alles im Fluss“.
Die Aufnahmen mit Izumi Kimura hat Christy Doran über die Zeit immer mal wieder gehört. Und stets befunden: „Es macht jedesmal Spaß, ich hab‘ immer Freude daran. It’s happening!“

09/10/2024

New Release: September 20.09.2024:
Scott Fields String Feartet: Throws
(German Version see bottom)...
One thing is certain: this complex work is also based on deep respect and unrestricted veneration for the original works. Fields: “They're perfect! That's why I try to distance myself as much as possible from the source in all projects of this kind. If I didn't do that, I would ruin it." And again to the titles of his pieces: “They don't reflect the music in any way. They only really matter to me.” Sumo is the only sport that interests him. He has been following the sport for 25 years. Many of his favorite wrestlers come from Mongolia. "Japanese often push and shove themselves out of the ring. The tradition of the Mongols is that they often try throws. I particularly like that."
Scott Fields, born in 1952 (an incorrect year is cited in various sources), has lived in Cologne for more than 20 years. A city where he knows many musicians who can play everything he composed and who can improvise equally well. It is usually different in the USA, where he occasionally spends time. The lineup of Feartet changes from project to project. Incidentally, the name of the group is easier to explain than you might think: Fields unceremoniously derived it from the German word "vier", i.e., reinterpreted it on the basis of phonetics.

The American had composed the two earlier pieces for the Feartet for electric guitar and string trio. The declared goal was a consistent quartet sound in which the sound possibilities of the electric guitar are combined with the string sound. This time Fields opted for a Western guitar with steel strings. "The tones are integrated, but it sounds more like guitar plus string trio in the sense of classical piano trios." The process of "re-imagination" is complex. Scott Fields chose fragments of the original composition such as certain phrases that are also oriented toward individual harmonic developments, but he also took the liberty of modifying the material in different ways and structuring it according to his own ideas. “There are little jokes in some of the adaptations, but only I know where they are.” He is convinced that a deeper knowledge of the original scores is needed to find out where each element of the compositions comes from. At the same time, Fields emphasized: "Every single movement of the quartets is represented in one way or another." Some are completely composed, while others have different improvisational parts. There are guidelines for the improvisations. At no point do all those involved improvise, but there are flexible handovers from musician to musician, inspired by "Game pieces" of the New York avant-garde jack-of-all-trades John Zorn.

"Throws" documents Fields' third work of the re-imagination of classical masterpieces. The starting point for this approach was a processing of Johann Sebastian Bach's "Suites for Violoncello". The equally unconventional approach to the scores of Haydn's "Sonnenquartette" was based on a composition commission from the renowned Haydn Festival. The pieces of "Throws" were also composed as a result of a composition commission, directly from the Beethoven city of Bonn on the occasion of his 250th birthday in 2020. The late string quartets were among three different projects that Fields had proposed on request.
How did he decide on this? Connoisseurs of the extensive work of Scott Fields, the American from Cologne, will not really be surprised. Although the rather bold decision to move so radically away from the musical source in the title might be a bit surprising, it is a good, consistent decision that should prevent false expectations and classifications. When the recording of corresponding re-imaginations of Joseph Haydn's six "Sonnenquartette" appeared on Between The Lines 10 years ago, the album title "Haydn" had generally caused confusion to say the least, as Fields remembered with a smile. "Not too much of the originals remained” at the end of the composing process this time, he conceded frankly. "So I decided to drop the Beethoven reference completely."
Beethoven and Sumo rings – how can they fit together? No problem for Scott Fields. The energetic guitarist and composer, who cavorts carefree between jazz, classical, rock, improvised and contemporary music, has recently processed the five late string quartets of Ludwig van Beethoven for his string Feartet—"re-imagined" as he describes the process of highly creative transformation he has developed. He named the results, the recording of which now appears on "Throws", after terms from traditional Japanese sumo ring art: the titles of the pieces are names of certain throws with which sumo fighters throw their opponents onto the mat. Scott Fields chose five of his personal favorite throws.

German version:
Beethoven und Sumō-Ringen – wie kann das zusammen gehen? Für Scott Fields kein Problem. Der rührige Gitarrist und Komponist, der sich unbekümmert zwischen, Jazz, Klassik, Rock, Improvisierter und Zeitgenössischer Musik tummelt, hat für sein String Feartet jüngst die fünf späten Streichquartette von Ludwig van Beethoven verarbeitet - „re-imaginiert“, wie er den von ihm entwickelten Prozess einer höchst kreativen Transformation bezeichnet. Benannt hat er die Ergebnisse, deren Aufnahme nun auf „Throws“ erscheint, nach Begriffen aus der traditionsreichen japanischen Sumō-Ringkunst: die Werktitel sind Namen bestimmter Würfe („throws“), mit denen Sumō-Kämpfer ihre Gegner auf die Matte befördern. Scott Fields wählte dafür fünf seiner persönlichen Lieblingswürfe aus.
Wie kommt er dazu? Kenner des umfangreichen Werkes von Scott Fields, des Amerikaners aus Köln, wird das nicht wirklich wundern. Wobei die recht kühn anmutende Entscheidung, sich in der Betitelung derart radikal von der musikalischen Quelle zu entfernen, selbst sie ein wenig überraschen dürfte. Eine gute, konsequente Entscheidung, die falschen Erwartungen und Einordnungen vorbeugen soll. Als vor 10 Jahren auf Between The Lines die Aufnahme entsprechender Re-imaginationen der sechs „Sonnenquartette“ Joseph Haydns erschien, hatte der pauschale Albumtitel „Haydn“ allgemein für - gelinde gesagt - Verwirrung gesorgt, wie sich Fields lächelnd erinnert. Diesmal war am Ende des Kompositionsprozesses „von den Vorlagen nicht mehr allzu viel übriggeblieben“, räumt er freimütig ein. „Da habe ich beschlossen, den Beethoven-Bezug komplett fallen zu lassen“.
„Throws“ dokumentiert Fields‘ dritte Arbeit der Re-imagination klassischer Meisterwerke. Ausgangspunkt dieses Ansatzes war eine Verarbeitung von Johann Sebastian Bachs „Suiten für Violoncello“. Die ebenso unkonventionelle Herangehensweise an die Partituren von Haydns „Sonnenquartette“ ging auf einen Kompositionsauftrag der renommierten Haydn Festspiele zurück. Auch die Stücke von „Throws“ entstanden als Resultat eines Kompositionsauftrages, und zwar direkt aus der Beethoven-Stadt Bonn anlässlich von dessen 250. Geburtstag im Jahr 2020. Die späten Streichquartette zählten zu drei verschiedenen Projekten, die Fields auf Anfrage vorgeschlagen hatte.
Die beiden früheren Kompositionen für das Feartet hatte der Amerikaner für elektrische Gitarre und Streichtrio geschrieben. Erklärtes Ziel war ein geschlossener Quartett-Sound, in dem sich die Klangmöglichkeiten der E-Gitarre mit dem Streicherklang verbinden. Dieses Mal entschied sich Fields für eine Western-Gitarre mit Stahlsaiten. „Die Stimmen sind zwar integriert, aber es klingt eher nach Gitarre plus Streichtrio im Sinne klassischer Piano-Trios.“ Der Prozess der „Re-imagination“ ist komplex. Scott Fields wählt Fragmente der Originalkomposition wie bestimmte Phrasen, orientiert sich auch an einzelnen harmonischen Entwicklungen, nimmt sich aber die Freiheit, das Material auf verschiedene Weise zu modifizieren und nach eigenen Ideen zu strukturieren. „In einigen Bearbeitungen stecken kleine Scherze, von denen nur ich weiß, wo sie sind“. Überhaupt bedarf es, da ist er überzeugt, schon einer tieferen Kenntnis der Originalpartituren, um herauszufinden, woher welches Element der Kompositionen stammt. Zugleich betont Fields: „Jeder einzelne Satz der Quartette ist auf die ein oder andere Weise repräsentiert.“ Manches ist vollständig komponiert, Anderes wiederum hat unterschiedliche improvisatorische Anteile. Für die Improvisationen gibt es Orientierungslinien. An keiner Stelle improvisieren alle Beteiligten, aber es gibt flexible Übergaben von Akteur zu Akteur, inspiriert von den „Game pieces“ des New Yorker Avantgarde-Tausendsassas John Zorn.
Scott Fields, Jahrgang 1952 (in verschiedenen Quellen wird eine falsche Jahreszahl angegeben), lebt seit gut 20 Jahren in Köln. Eine Stadt, in der er viele Musiker und Musikerinnen kennt, die Alles zu spielen vermögen, was er schreibt, und die gleichermaßen improvisieren können. In den USA, wo er immer mal wieder Zeit verbringt, sei das meist anders. Die Besetzung des Feartet wechselt von Projekt zu Projekt. Der Name der Gruppe ist übrigens leichter erklärt als man denken sollte: Fields hat ihn kurzerhand von dem deutschen Wort „vier“ abgeleitet, also anhand der Phonetik umgedeutet.
Eines steht fest: auch dieser komplexen Arbeit liegt ein tiefer Respekt, eine uneingeschränkte Verehrung für die Originalwerke zugrunde. Fields: „Sie sind perfekt! Deshalb versuche ich bei allen Projekten dieser Art, mich so weit wie möglich von der Quelle zu entfernen. Täte ich das nicht, würde ich es ruinieren.“ Und noch einmal zu den Titeln seiner Stücke: „Sie reflektieren in keinster Weise die Musik. Sie haben eigentlich nur für mich Bedeutung.“ Sumō ist die einzige Sportart, die ihn interessiert. Seit 25 Jahren verfolgt er das Geschehen. Viele seiner Lieblingsringer kommen aus der Mongolei. „Japaner schieben und drängen sich oft aus dem Ring. Zur Tradition der Mongolen gehört, dass sie häufig Würfe versuchen. Das mag ich besonders.“

26/04/2024

New Release: April 26.04.2024:
Philipp Gerschlauer | Gebhard Ullmann: Twelve + 1 Murals
(German Version see bottom)...

"Intermediate tones are only cramps in class struggle," the folksinger/songwriter with left-wing politics Franz-Josef Degenhardt once criticized.
The two saxophonists Philipp Gerschlauer and Gebhard Ullmann see this very differently. They even deal in detail with the realm of microtones on "Twelve + 1 Murals". Gerschlauer entered the cosmos of microtones in 2017 on the album "Mikrojazz" with David Fiuczynski, Jack DeJohnette, Giorgi Mikadze and Matt Garrison, and Gebhard Ullmann plays in the band Mikropuls with Hans Lüdemann, Oliver Potratz and Eric Schaefer; the album under the same name was released in 2019. The common musical interests of Gerschlauer and Ullmann led to a collaboration that began a few years ago, however was slightly slowed down by Corona. "For me, Philipp is one of the best alto saxophonists in Berlin," Ullmann states enthusiastically about his co-musician. "During the first Covid year we tried out microphones and positions to achieve an optimal recording result for a saxophone duo." Thus an album was produced, and when mastering the sound engineer said: ‘This is one of the best recordings I ever heard’.

We can now listen to it in the 13 pieces of "Twelve + 1 Murals", which obviously have something to do with murals. "This is an association aid," says Ullmann, "not only for us, but also for the audience. Because at our concerts, we don't just talk about music, but also about philosophy, history and art."

Many people do not know that there are other tones between the tones of the scale we know (in other music cultures this is of course different – a wide field). The duo focuses on this among other things.

Although it is easy to understand that there is still space between the frets on the finger-board of a string instrument, it is more difficult for saxophonists. "You actually choose an instrument by feeling because you love the sound," Ullmann explains. "Then you get taught which keys to press to produce the different notes. However, Philipp can also se-lectively control many tones between 'c' and 'c #'. We have both developed fi*****ng charts for this, and many instrument makers can modify the saxophones accordingly to-day.
Originally I wanted to find different sounds on the tenor saxophone, more colors. For Mikropuls, I combined this with the normal functional harmony. For example there is a microtonal version of 'Freedom Jazz Dance'."

Nevertheless, this advanced duo project sounds very accessible on "Twelve + 1 Murals"; the music is of a peculiar beauty and exudes a mysterious charm. It has nothing to do with an intellectual mind game. "For many organizers in jazz and also for some audienc-es, brainy music is pretty much the worst thing you can say about music," Gebhard Ullmann states. "For us, however, the concept is not intellectual at all. Instead it comes directly from what we feel. For me, first it was simply the desire to find my own sound on tenor by playing some notes a little higher or lower. The sounds change with different harmonics, lip pressure or alternate fi*****ngs or by working with bended tones."

The intuitive approach that their music has is very important to Philipp and Gebhard. It is not aimed at supposed know-it-alls, but at an audience that is open to music by a listen and feel approach.
"The music is directly accessible through listening, you don't have to know anything about microtonality," Gebhard Ullmann says "If you want to deal with the topic more de-tailed, you are free to do so."

The only thing a well-disposed listener needs for "Twelve + 1 Murals" are open ears.
Perhaps even Franz-Josef Degenhardt, who was by no means as coarse as the opening quotation sounds, would have liked it.

German Version:
„Zwischentöne sind nur Krampf im Klassenkampf“, polterte einst Polit-Barde Franz-Josef Degenhardt. Das sehen die beiden Saxofonisten Philipp Gerschlauer und Gebhard Ullmann ganz anders. Auf „Twelve + 1 Murals“ beschäftigen sie sich sogar ausführlich mit dem Reich der Mikrotöne. Gerschlauer hat sich auf dem Album „Mikrojazz“ mit David Fiuczynski, Jack DeJohnette, Giorgi Mikadze und Matt Garrison 2017 ins Reich der Zwischentöne begeben, Gebhard Ullmann betreibt die Band Mikropuls mit Hans Lüdemann, Oliver Potratz und Eric Schaefer, das gleichnamige Album erschien 2019. Die gemein-samen musikalischen Interessen resultierten bei Gerschlauer und Ullmann dann in einer Zusammenarbeit, die schon vor einigen Jahren begann - leicht gebremst durch Corona. „Für mich ist Philipp einer der besten Berliner Altsaxofonisten“, schwärmt Ullmann über seinen Kollegen „Wir haben ein Jahr lang Mikrofone und Aufstellungen ausprobiert, um zu einem optimalen Aufnahme-Ergebnis für ein Saxofon-Duo zu kommen.“ Also musste ein Album her, ein befreundeter Toningenieur befand die von den beiden Musikern verantworteten Aufnahmen für nicht mehr verbesserungsfähig. Diese Aufnahmen hören wir nun in den 13 Stücken auf „Twelve + 1 Murals“, die durchaus auch etwas mit Wandgemälden zu tun haben sollen. „Das ist eine Assoziationshilfe“, erzählt Ullmann, „und zwar nicht nur für uns, sondern auch fürs Publikum. Denn bei unseren Konzerten reden wir nicht nur über Musik, sondern auch über Philosophie, Geschichte und Kunst.“ Viele Leute wissen gar nicht, dass es zwischen den Tönen der bei uns bekannten Tonleiter noch weitere Töne gibt (in anderen Musikkulturen ist das selbstverständlich - ein weites Feld) und auch darauf will das Duo aufmerksam machen. Nun ist es bei einem Saiteninstrument leicht nachzuvollziehen, dass zwischen den Fingern auf dem Griffbrett noch Platz ist, Saxofonisten haben es da schwerer. „Man entscheidet sich für ein Instrument eigentlich über den Bauch, weil man den Klang gut findet“, führt Ullmann aus. „Also kriegt man beigebracht, wie man die Töne greift. Philipp kann aber auch viele Töne zwischen ‚c‘ und ‚cis‘ gezielt ansteuern. Wir haben beide auch Grifftabellen dafür entwickelt, viele Instrumentenbauer können die Saxofone heute entsprechend modifizieren. Mir ging es darum, andere Klänge auf dem Tenorsaxofon zu finden, mehr Farben. Bei Mikropuls habe ich das mit der normalen Funktionsharmonik kombiniert - auf der Platte zum Beispiel mit einer mikrotonalen Fassung des ‚Freedom Jazz Dance‘.“ Das abenteuerlich erscheinende Duo-Projekt klingt auf „Twelve + 1 Murals“ allerdings sehr zugänglich - die Musik ist von einer eigentümlichen Schönheit und strahlt einen mysteriösen Reiz aus. Mit einer rein intellektuellen Kopfgeburt hat sie nichts zu tun. „Kopfig ist für viele Veranstalter und auch für das Publikum so ziemlich das Schlimmste, was man Musikern nach-sagen kann“, weiß auch Gebhard Ullmann. „Für uns ist das Konzept aber gar nicht kopfig, sondern es kommt eben auch aus dem Bauch. Zumindest bei mir war es einfach der Wunsch, auf dem Tenorsaxofon einen eigenen Sound zu finden, indem ich manche Töne etwas höher oder tiefer gespielt, über Obertöne, Ansatz oder Griffe laufen den Klang verändert oder mit gezogenen Tönen gearbeitet habe.“ Das gutturale Gefühl aus dem Bauch, das ihre Musik haben soll, ist dem Duo sehr wichtig. Sie richtet sich nicht an die Oberschlaumeier, die immer nur das Allerneuste gelten lassen, sondern an ein Publikum, das sich unvoreingenommen auf Musik einlässt. „Die Musik erschließt sich unmittelbar über das Hören - über Mikrotonalität muss man gar nichts wissen“, findet auch Gebhard Ullmann. „Wenn man sich dann eingehender mit dem Thema beschäftigen will, kann man das ja tun.“ Das einzige, was der geneigte Hörer also für „Twelve + 1 Murals“ braucht, sind offene Ohren. Vielleicht hätte die Musik Franz-Josef Degenhardt, der bei weitem nicht so grob war, wie das Eingangszitat klingt, sogar gefallen.

18/05/2022

BEADY BEAST / Christy Doran / Franz Hellmüller ON THE GO
bei qatar airlines... https://www.qatarairways.com/en-in/ife-homepage/audio.html

26/04/2022

https://www.lufthansa-inflightentertainment.com/de/audio/details/4469?id=29&type=&orderBy=titleasc&page=1&pageSize=20&previousPageId=&bucketWidgetId=9256
Für jeden Anlass die passende Band, keine feste Liaison, mehrere Affären, die je nach Bedarf auflodern oder auf Sparflamme glimmen...
Christy Doran/ Franz Hellmüller 'Beady Beast' bei der Lufthansa
Lufthansa In-flight Entertainment | On The Go

Das Schweizer Duo besteht aus Christy Doran, schon lange eine Jazzlegende Europas, und Franz Hellmüller, ein nachgefragter, innovativer Gitarrist der letzten 10 Jahre. Hier spielen sie ungewöhnlicherweise auf akustischen Gitarren.