Krínomai, Milan (2026)

25/08/2026

«Non sono un uomo, sono dinamite».

Di Pamela Blago, vicedirettrice di Krínomai.

Friedrich Nietzsche affidava a queste parole l'immagine di un pensiero destinato a scuotere dalle fondamenta la cultura occidentale. Ma quando le scriveva, non poteva immaginare quanto sarebbe stato drammatico il tramonto della sua stessa vita.
Il 25 agosto 1900, a Weimar, moriva uno dei filosofi più radicali e controversi dell'Ottocento. Aveva appena 55 anni, ma da oltre un decennio la sua esistenza era stata segnata dal crollo delle facoltà mentali.

La parabola era iniziata nel segno del talento: a soli 25 anni Nietzsche era diventato professore di filologia classica all'Università di Basilea. Poi erano arrivati gli anni dell'isolamento, della malattia e di una vita sempre più errante, fino al drammatico episodio di Torino del gennaio 1889, quando, dopo aver assistito al maltrattamento di un cavallo, gli si sarebbe gettato al collo. Poco dopo cominciò a inviare lettere deliranti, firmandosi anche «Dioniso» o «il Crocifisso».

Da quel momento, la sua mente precipitò in un buio dal quale non sarebbe più tornata. Gli ultimi undici anni della sua vita trascorsero lontano dalla scena pubblica, mentre la sua opera iniziava lentamente a conquistare quella fama che in vita gli era mancata.
Nietzsche rimase a lungo un outsider, spesso frainteso e, nel Novecento, strumentalizzato. La lettura della sua filosofia venne pesantemente condizionata anche dalle interpretazioni legate al nazismo, nonostante il rapporto tra il suo pensiero e l'ideologia nazista sia molto più complesso e controverso di quanto una semplice associazione lasci intendere.

Solo dopo la morte la sua voce avrebbe raggiunto una forza straordinaria, trasformandolo in una delle figure più influenti della filosofia moderna.
Un pensatore che voleva essere «dinamite» e che, ancora oggi, continua a far esplodere certezze, idee e convenzioni.

06/08/2026

Addio a Francesco Guccini, il poeta delle canzoni che ha raccontato l'anima dell'Italia

Di Pamela Blago, vicedirettrice di Krínomai

L'Italia perde una delle sue voci più autorevoli e amate. È morto oggi, 6 agosto 2026, Francesco Guccini. Aveva 86 anni. La notizia della sua scomparsa è stata comunicata dalla famiglia, che ha reso noto come il cantautore si sia spento nella sua casa di Pavana, circondato dall'affetto dei suoi cari. Le esequie si svolgeranno in forma privata, nel rispetto delle sue volontà.

Con Guccini se ne va molto più di un cantautore. Se ne va un intellettuale, uno scrittore, un narratore capace di trasformare la musica in letteratura e la quotidianità in poesia. Per oltre cinquant'anni ha raccontato l'Italia delle speranze, delle delusioni, delle montagne, delle osterie, delle amicizie, dell'amore e della politica, lasciando un patrimonio culturale che continuerà a vivere attraverso le sue opere.

Il cantautore che ha dato voce a una generazione

Nato a Modena il 14 giugno 1940 e cresciuto tra la città e il paese appenninico di Pavana, Guccini esordì discograficamente nel 1967 con Folk Beat n. 1. Da quel momento iniziò una carriera straordinaria che lo avrebbe consacrato come uno dei più grandi protagonisti della canzone d'autore italiana.
Le sue canzoni non cercavano il successo facile. Erano racconti, riflessioni, romanzi in musica. I suoi testi affrontavano temi universali: il tempo che passa, la memoria, la libertà, la giustizia sociale, il senso della vita, il disincanto e la nostalgia.

Le canzoni che hanno fatto la storia

Molti dei suoi brani sono diventati autentici classici della musica italiana.

"La locomotiva" è rimasta uno dei più potenti inni alla ribellione e alla dignità umana.

"L'avvelenata" è ancora oggi uno dei più celebri sfoghi artistici mai scritti nella musica italiana.

"Amerigo" racconta il sogno dell'emigrazione e il rapporto tra due mondi lontani.

"Don Chisciotte" è una riflessione poetica sugli ideali e sulla loro difficile sopravvivenza.

"Cyrano", "Incontro", "Autogrill", "Il vecchio e il bambino", "Canzone per un'amica" e "Auschwitz" sono entrate stabilmente nella memoria collettiva di generazioni di italiani.

Anche "Dio è morto", portata al successo dai Nomadi, divenne uno dei manifesti musicali di un'intera epoca.

Molto più di un musicista

Guccini non è stato soltanto un cantautore.

È stato scrittore di romanzi e racconti, autore di libri autobiografici, appassionato di storia, dialetti e linguistica. Ha collaborato con Loriano Macchiavelli nella scrittura di numerosi romanzi gialli ed è stato un punto di riferimento culturale ben oltre il mondo della musica.

Negli ultimi anni aveva scelto una vita più riservata, lontano dalle scene, continuando però a scrivere libri e a partecipare solo occasionalmente a eventi pubblici.

Un'eredità destinata a restare

Francesco Guccini appartiene a quella ristretta cerchia di artisti che hanno saputo raccontare il proprio tempo senza inseguire le mode.

Le sue canzoni hanno accompagnato studenti, lavoratori, insegnanti, intellettuali e semplici appassionati, diventando colonne sonore della vita di milioni di persone.

Il suo linguaggio, ricco di riferimenti letterari e filosofici, non ha mai rinunciato alla semplicità del racconto umano. Nei suoi versi convivono ironia e malinconia, speranza e disillusione, memoria e futuro.

Con la sua scomparsa si chiude una pagina fondamentale della cultura italiana, ma il suo patrimonio artistico continuerà a parlare alle nuove generazioni.

Perché Francesco Guccini non è stato soltanto un cantante: è stato un narratore dell'Italia, un poeta moderno e una delle coscienze più lucide del nostro Paese.

Le sue canzoni continueranno a vivere, ricordandoci che la musica può essere molto più di un intrattenimento: può diventare memoria, pensiero e identità collettiva.

03/08/2026

Il nostro caro Professor Francesco Lenoci , dalla splendida Martina Franca, ci saluta con il terzo numero di Krínomai tra le mani.
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02/08/2026

2 agosto 1980: la strage di Bologna, una ferita che il tempo non cancella

Di Pamela Blago, vicedirettrice di Krínomai.

Il 2 agosto è una data che occupa un posto indelebile nella memoria italiana. Alle 10:25 del mattino del 1980, una bomba esplose nella sala d'aspetto di seconda classe della stazione di Bologna, provocando il più grave attentato terroristico dell'Italia repubblicana. L'esplosione causò la morte di 85 persone e il ferimento di oltre 200, colpendo viaggiatori, famiglie, lavoratori e turisti in partenza per le vacanze.
La violenza dell'attentato devastò parte dell'edificio della stazione e lasciò una città e un Paese intero sotto shock. Nei minuti successivi, soccorritori, ferrovieri, forze dell'ordine e numerosi cittadini intervennero spontaneamente per estrarre i feriti dalle macerie, dando prova di un grande spirito di solidarietà.
Le indagini e i processi che seguirono furono lunghi e complessi, segnati anche da depistaggi. Nel corso degli anni, la magistratura ha emesso diverse sentenze che hanno individuato gli esecutori materiali e accertato responsabilità legate ai depistaggi, rendendo la vicenda uno dei casi giudiziari più rilevanti della storia italiana.
A distanza di decenni, ogni 2 agosto Bologna si raccoglie nel ricordo delle vittime con cerimonie, cortei e un minuto di silenzio alle 10:25, l'ora esatta dell'esplosione. Le commemorazioni rappresentano un momento di memoria collettiva e di riflessione sull'importanza della democrazia, della giustizia e del rifiuto di ogni forma di violenza politica.
Ricordare la strage di Bologna significa mantenere viva la memoria di 85 vite spezzate e ribadire l'impegno affinché tragedie simili non si ripetano. La memoria storica resta uno strumento fondamentale per comprendere il passato e difendere i valori democratici su cui si fonda la convivenza civile.

31/07/2026

L'essenziale è invisibile agli occhi. L'insegnamento del Piccolo Principe

di Francesco Danieli, direttore di "Krínomai"

Il 31 luglio 1944, Antoine de Saint-Exupéry spariva nel nulla a bordo del suo Lightning P-38, precipitando nel Mediterraneo durante una missione di ricognizione alleata. La sua opera più conosciuta era stata pubblicata per la prima volta nel 1943, appena un anno prima.
"Il Piccolo Principe" ("Le Petit Prince") il suo titolo. Apparentemente una favola per i più piccini. In realtà un denso trattato filosofico ed esistenziale in cui l'autore mette in scena una radicale critica alla società borghese e utilitaristica del Novecento, contrapponendo alla logica degli adulti lo sguardo dei bambini. Il capolavoro di Saint-Exupéry non è però un invito all'ingenuità. Piuttosto attua una profonda riflessione sulla responsabilità emotiva, sul valore del tempo e sulla natura stessa dei legami infraumani.
Il nucleo filosofico del racconto risiede nella transizione drammatica dall'infanzia all'età adulta, descritta fin dalle prime pagine con il celebre aneddoto del disegno del boa che digerisce un elefante. Gli adulti, incapaci di vedere oltre la superficie delle cose, scambiano il disegno per un cappello. Questa cecità metaforica introduce quello che si può definire come il "limite strutturale" dello sguardo adulto: una percezione del reale ridotta esclusivamente a ciò che è utile, misurabile e controllabile.
Il viaggio del Piccolo Principe attraverso i diversi asteroidi offre poi un catalogo delle nevrosi moderne. Ogni personaggio incontrato rappresenta un'iperbole del vuoto esistenziale adulto: il re incarna il potere fine a se stesso; il vanitoso l'egocentrismo privo di contenuto; l'ubriacone il circolo vizioso del senso di colpa; l'uomo d'affari la mercificazione della natura e l'ossessione per il possesso numerico. Questi personaggi non "vivono", ma "funzionano". L'accumulo di ricchezze o la catalogazione delle stelle sostituiscono l'esperienza diretta del mondo, mostrando come l'utilitarismo moderno separi l'essere umano dalla bellezza e dal senso profondo della realtà.
Il superamento dell'alienazione avviene attraverso la riscoperta della relazione, il cui culmine si realizza negli incontri con la Rosa e con la Volpe. La Rosa, vanitosa e fragile, rappresenta l'archetipo dell'amore nella sua complessità. Il Piccolo Principe impara che il valore del suo fiore non risiede in una superiorità oggettiva (sulla Terra scoprirà un intero giardino di rose identiche), ma nel tempo e nelle cure che le ha dedicato.
Il segreto svelato dalla Volpe («Non si vede che col cuore. L'essenziale è invisibile agli occhi») sintetizza la gnoseologia di Saint-Exupéry: conoscere non significa catalogare geometricamente o possedere, ma "addomesticare", termine che nel testo assume il valore sacro di "creare legami". L'atto di addomesticare richiede pazienza, la costanza del rito e l'accettazione della vulnerabilità. La responsabilità diventa così il prezzo della vicinanza. In una società dominata dalla fretta e dal consumo rapido anche dei rapporti umani, la Volpe rammenta che il tempo sottratto alla produttività e dedicato all'altro è l'unica fonte di autentico valore.
Il deserto del Sahara, in cui si svolge l'incontro tra il pilota e il bambino biondo, potrebbe sembrare una cornice geografica legata alle reali esperienze biografiche dell'autore. In realtà è uno spazio mitico ed esistenziale. Il deserto rappresenta il silenzio, l'isolamento dalle distrazioni della civiltà e la spoliazione del superfluo. È solo in questa condizione di radicale nudità e di pericolo di vita che il pilota può ritrovare il proprio "bambino interiore" e comprendere la verità del Piccolo Principe. Per questo, anche la ricerca del pozzo d'acqua nel deserto si carica di una forte valenza simbolica e spirituale. L'acqua non è un semplice elemento chimico atto a placare la sete biologica, ma un dono che «nasce dalla marcia sotto le stelle, dal canto della carrucola, dallo sforzo delle braccia». Il miracolo del pozzo dimostra che la felicità non risiede nell'oggetto in sé, ma nel percorso compiuto per raggiungerlo e nel significato interiore di cui viene rivestito.
Il finale del racconto, con il morso del serpente e il ritorno del Piccolo Principe al suo asteroide B-612, sigilla l'opera con una nota di struggente poesia. Il corpo del bambino viene abbandonato sulla Terra perché «troppo pesante», suggerendo come l'ascesi verso l'essenziale richieda il distacco dalla materia.
"Il Piccolo Principe" rimarrà un testo immortale perché ricorda all'uomo di ogni epoca che la vera ricchezza non si misura in base a ciò che si possiede, ma risiede nella capacità di guardare il mondo con stupore.

23/07/2026

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22/07/2026

22 luglio: Santa Maria Maddalena, la donna che la storia ha imparato a guardare con occhi nuovi

Di Pamela Blago, vicedirettrice di Krínomai.

Il 22 luglio la Chiesa celebra Santa Maria Maddalena, una delle figure femminili più affascinanti e complesse del Vangelo. Per secoli è stata identificata, erroneamente, con la peccatrice pentita, mentre oggi gli studi biblici restituiscono un'immagine molto diversa: quella di una discepola fedele di Gesù, presente sotto la croce quando molti erano fuggiti e prima testimone della Risurrezione.
Per questo viene chiamata anche "l'apostola degli apostoli": è a lei, infatti, che Cristo risorto affida il primo annuncio della Pasqua.
Tra le opere che meglio raccontano il fascino e il mistero di questa donna c'è la "Maddalena in estasi" attribuita a Caravaggio. Il pittore abbandona ogni elemento narrativo e concentra tutta l'attenzione sul volto e sul corpo della santa, sospesa in un momento di intensa esperienza spirituale. Gli occhi chiusi, il capo reclinato e la luce che accarezza il volto sembrano raccontare un'estasi che coinvolge anima e corpo, in perfetto stile caravaggesco.
Attorno a questo dipinto sono nate nel tempo diverse interpretazioni. Alcuni osservatori hanno proposto una lettura simbolica secondo cui le forme morbide del ventre potrebbero suggerire una gravidanza. Si tratta però di un'ipotesi interpretativa, non condivisa dalla maggior parte degli storici dell'arte e priva di riscontri storici o documentari. Più probabilmente, quella rotondità appartiene al naturalismo di Caravaggio, che dipinge corpi veri, lontani dagli ideali di perfezione dell'epoca.
La figura di Maria Maddalena continua comunque ad alimentare interrogativi e suggestioni. Dai Vangeli apocrifi ai romanzi contemporanei, fino al cinema, la sua storia è stata spesso reinterpretata, talvolta intrecciandola con ipotesi di un rapporto speciale con Gesù. Sono racconti che appartengono alla tradizione letteraria e simbolica, ma che non trovano conferma nei testi canonici.
Al di là delle leggende, la grandezza di Maria Maddalena risiede nel suo ruolo autentico: una donna che ha seguito Gesù fino alla fine, che ha assistito alla sua morte e che, all'alba di Pasqua, è stata la prima a incontrare il Risorto. È una figura di coraggio, di fedeltà e di speranza, capace ancora oggi di parlare a credenti e non credenti.
Forse è proprio questo il motivo per cui continua ad affascinare artisti, scrittori e studiosi. Perché Maria Maddalena rappresenta una donna libera dagli stereotipi, la cui storia è ancora oggi capace di suscitare domande, emozioni e nuove letture.

In foto: Maddalena in estasi di Caravaggio.

20/07/2026

La "Madonna dei Palafrenieri". Un Caravaggio ri-fiutato.

di Francesco Danieli, storico e iconologo, direttore di "Krínomai"

Il 20 luglio 1606 la Madonna dei Palafrenieri di Caravaggio è acquisita nella collezione del cardinale Scipione Borghese. Destinata all'altare della ca****la confraternale dei Palafrenieri pontifici nella Basilica Vaticana, l'opera era stata quasi subito rifiutata dai committenti, che pure avevano saldato il conto col Merisi. Un prezzo basso, a dir la verità, giustificabile probabilmente con l'ambizione del pittore a piazzarsi con un suo dipinto nella nuova Basilica di San Pietro.
Quali le ragioni del rifiuto? Risiedevano in un problema logistico? Nell'audacia teologica? Nel crudo realismo della rappresentazione?
Qualcuno si era accorto che i tratti della procace Vergine Maria corrispondevano a quelli arcinoti della discussa modella romana Lena Antognetti, tanto cara al Caravaggio?
Indubbiamente i sembianti della Madonna e di Sant'Anna (patrona della confraternita) erano modellati su donne del popolo e totalmente privi di idealizzazione sacrale. Gesù Bambino veniva mostrato completamente n**o e già cresciuto, dettaglio sconveniente per un altare.
Eppure l'iconologia che anima il dipinto è carica di densità teologica straordinaria, focalizzata sul dogma del Peccato Originale e sul ruolo di Maria nella Redenzione. Maria sorregge Gesù e, guidando il suo piede, lo aiuta a schiacciare la testa del serpente genesiaco, simbolo del maligno. Questo gesto rappresenta la cooperazione tra la Grazia divina (Cristo) e la Chiesa (Maria) nella sconfitta del male. Sant'Anna, madre di Maria, assiste alla scena da una posizione arretrata. Una figura anziana, severa e distaccata, personificazione della Legge antica, della Sinagoga, che osserva il compimento dei tempi e l'avvento della Nuova Alleanza senza compenetrarsi nel mistero della Redenzione. Che anche questo particolare abbia indispettito i Palafrenieri, devotissimi a Sant'Anna?
Resta il fatto che Scipione Borghese, cardinale nipote di papa Paolo V e collezionista tra i più famelici e illuminati dell'epoca, intuì immediatamente il valore inestimabile del dipinto. Approfittando del rifiuto, il cardinale Borghese acquistò senza esitazione la tela per la modica cifra di 100 scudi, trasferendola subito nella sua villa di Porta Pinciana.
Ebbe fiuto davanti a un rifiuto. E dove altri videro mancanza di decoro e scandalo, seppe riconoscere la nascita di un nuovo linguaggio visivo, fatto di carne, luce e verità.

In foto: Caravaggio, "Madonna dei Palafrenieri" o "del serpe" (1606). Olio su tela. Roma, Galleria Borghese.

19/07/2026

Francesco Petrarca. Il letterato che visse e morì tra i libri.

di Francesco Danieli, direttore di "Krínomai"

Nell'anniversario della sua scomparsa, avvenuta nella notte tra il 18 e il 19 luglio 1374, ricordiamo Francesco Petrarca attraverso ciò che ne ha definito l'esistenza e la fine: una viscerale, quasi ossessiva bibliomania, culminata nel morire letteralmente reclinato su un libro. La tradizione vuole infatti che la morte lo abbia colto nel suo studio ad Arquà mentre chiosava un codice di Virgilio, sigillando nel modo più consono a lui una vita interamente spesa al servizio della parola scritta.
A differenza dei suoi contemporanei, Petrarca non considerava i volumi antichi come semplici scatole di nozioni, ma come interlocutori in carne e ossa. Questa sua eccezionale sensibilità si manifestava in tre aspetti unici:
la corrispondenza con gli antichi, visto che nelle sue Epistole, Petrarca scrive direttamente ad autori del passato come Cicerone, Seneca o Virgilio, trattandoli come amici contemporanei a cui confidare i propri tormenti interiori;
la caccia ai manoscritti, giacché trascorse la vita a scovare codici dimenticati nelle biblioteche monastiche d'Europa, salvando dall'oblio capolavori della latinità (come le Lettere di Cicerone Ad Atticum) e inventando, di fatto, la filologia moderna;
il distacco fisico e lo sdoppiamento, così che mentre la sua mente vagava nei secoli passati, il suo corpo viveva il dramma della modernità.
La sua perenne tensione tra il richiamo del divino e l'amore terreno trovava pace solo nella materialità della pagina scritta. Nella sensorialità della carta manoscritta, che nessuna creazione digitale potrà mai equiparare.
"I libri ci offrono un godimento molto profondo, ci parlano, ci danno consigli e si congiungono a noi con una loro viva e penetrante familiarità", ebbe a dire nelle sue Epistole, tanto per capirci.
Al di là dei capolavori letterari che ci ha consegnato, dunque, la vera modernità di Petrarca sta nell'aver compreso che la cultura non è accumulo, non erudizione spicciola, ma cura e dialogo interiore. Perciò oggi in particolare vogliamo ricordarlo come il primo vero uomo moderno: un intellettuale che ha cercato nei libri la bussola per orientarsi nel caos dell'anima umana.

In foto: "Francesco Petrarca nel suo studio". Affresco. Sala dei Giganti, Padova.

16/07/2026

Van Gogh e il valore che il tempo sa riconoscere.

Di Pamela Blago, vicedirettrice di Krínomai.

"Non posso cambiare il fatto che i miei quadri non vendono. Ma verrà il giorno in cui la gente riconoscerà che valgono più del valore dei colori usati nel quadro."
— Vincent van Gogh

Ci sono frasi che attraversano il tempo perché raccontano una verità universale. Questa attribuita a Vincent van Gogh è una di quelle. Non parla soltanto di pittura, ma del destino di chi crea qualcosa in cui crede profondamente, anche quando il mondo sembra ignorarlo.
Durante la sua vita, Van Gogh conobbe soprattutto difficoltà economiche, incomprensione e solitudine. Dipinse oltre duemila opere tra quadri, disegni e schizzi, ma riuscì a vendere pochissimo. La sua arte, oggi considerata rivoluzionaria, allora era vista come troppo diversa, troppo intensa, troppo lontana dai gusti del pubblico.
Eppure, non smise di dipingere.
Quella frase racchiude una straordinaria consapevolezza: il valore autentico di un'opera non dipende dal prezzo che il mercato è disposto a pagare in un determinato momento. Il valore nasce dall'originalità, dalla passione, dalla capacità di lasciare un segno.
Van Gogh sapeva che il riconoscimento può arrivare tardi. A volte troppo tardi per chi lo aspetta. Ma aveva intuito che il tempo è spesso il giudice più imparziale dell'arte.

La rivincita della storia

Oggi la storia gli ha dato ragione in modo clamoroso.
I dipinti di Van Gogh sono esposti nei musei più importanti del mondo, attirano milioni di visitatori ogni anno e sono considerati tra i capolavori assoluti della storia dell'arte. Alcune sue opere sono state vendute per decine di milioni di dollari, mentre altre sono semplicemente considerate inestimabili.
Opere come Notte stellata, I Girasoli, La camera di Arles o gli intensi autoritratti sono diventate simboli universali della pittura moderna. La sua pennellata, un tempo giudicata eccessiva, è oggi studiata nelle accademie e imitata da artisti di tutto il mondo.
Ma il valore economico, per quanto impressionante, non è il vero trionfo di Van Gogh.
La sua vittoria più grande è quella culturale ed emotiva. Le sue opere parlano ancora a milioni di persone perché raccontano emozioni autentiche: la speranza, la malinconia, la ricerca della bellezza anche nei momenti più difficili. Ogni pennellata sembra ricordarci che l'arte può trasformare il dolore in qualcosa di eterno.

Una lezione ancora attuale

La storia di Van Gogh continua a essere attuale perché viviamo in una società che spesso misura il valore attraverso i risultati immediati: il numero di vendite, i "mi piace", i follower, il successo economico.
Ma il talento non sempre viene riconosciuto subito.
Molte idee rivoluzionarie, molti artisti, scrittori, musicisti e innovatori sono stati sottovalutati nel loro tempo. Il giudizio del presente è spesso limitato dalle mode, mentre quello della storia guarda all'impatto reale che un'opera riesce ad avere.
La vicenda di Van Gogh ci ricorda che il riconoscimento non coincide necessariamente con il valore. Un'opera può essere straordinaria anche quando nessuno la compra, così come qualcosa di molto venduto non è automaticamente destinato a diventare immortale.

Il vero significato di quella frase

La celebre citazione non è soltanto una previsione che si è avverata. È un invito a credere nella qualità del proprio lavoro anche quando manca l'approvazione degli altri.
Oggi il nome di Vincent van Gogh è conosciuto in ogni parte del mondo. I suoi quadri sono tra i più ammirati e studiati della storia dell'arte, e il loro valore economico supera di gran lunga ciò che lui stesso avrebbe potuto immaginare.
Ma forse il risultato più importante è un altro: il mondo ha finalmente imparato a vedere ciò che lui vedeva già allora. Non il prezzo dei colori sulla tela, ma l'inestimabile valore dell'anima che quei colori riuscivano a raccontare.
Ed è questa, probabilmente, la sua più grande vittoria.

Krínomai

25/08/2026

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