Fragal Communications

Fragal Communications Nos manejamos en el area de la comunicacion, queremos perfeccionar tus gustos de teatro, cine y tv FRAGAL Communications Press Estamos enfocados en alimentar el gusto por las ARTES, tenemos talleres de Maquillaje de efectos especiales, Teatro, Musica, Danza, Cine y escritura.

Operating as usual

Evento imperdible. No falten
08/02/2021

Evento imperdible. No falten

Evento imperdible. No falten

¿SABÍA QUE MARLON BRANDO NUNCA TOMÓ CLASES CON LEE STRASBERG EN EL ACTOR´S STUDIO?Marlon Brando fue siempre una figura c...
01/16/2021

¿SABÍA QUE MARLON BRANDO NUNCA TOMÓ CLASES CON LEE STRASBERG EN EL ACTOR´S STUDIO?

Marlon Brando fue siempre una figura controvertida y polémica en el mundo del espectáculo.
En la ceremonia de los Premios Oscar de 1973, fue galardonado en la categoría de mejor actor por su papel de Vito Corleone en "El Padrino", pero rechazó el premio debido a que estaba en desacuerdo con el tratamiento que Hollywood le daba a los indígenas nativos americanos (en ese entonces, el actor era un activista del Movimiento Indígena Estadounidense).
Sin embargo, el desprecio de Marlon Brando por los Premios Oscar y su símbolo, la estatuilla dorada, probablemente venía de algún tiempo atrás. Si bien rechazó el premio por su actuación en El Padrino, muchos años antes había aceptado el mismo premio y en la misma categoría por su papel protagónico en el film "On the Waterfront" (“Nido de ratas” en Argentina), llevándose la estatuilla a su casa.
Pero en el año 1971, se presentó ante la Academia para pedir otra estatuilla, ya que la otra le había sido robada de su casa.
La estatuilla fue robada en realidad, porque el actor la utilizaba como tope para mantener la puerta abierta.
Pero más allá de esto, que no dejan de ser anécdotas, hubo otro hecho mucho más significativo en la vida de Brando.
Según el libro “El método del Actor´s Sudio de Lee Strasberg” (el cual podría confundirse con que el método era el del propio Strasberg, en lugar del correspondiente a Stanislavsky), figura en la tapa como efecto de promoción que allí estudiaron James Dean, Marilyn Monroe, Paul Newman, Montgomery Clift y Marlon Brando, entre muchos otros. Hecho técnicamente cierto, pero no exacto, ya que no tuvieron los mismos maestros. La verdadera maestra de Brando fue Stella Adler.
Fue la única actriz estadounidense que recibió clases de interpretación de Konstantín Stanislavsky. Fue un miembro importante del Group Theatre, pero diferencias de opinión con Lee Strasberg sobre la correcta enseñanza del sistema Stanislavsky (más adelante conocido como el Método Stanislavsky), contribuyeron a la posterior disolución del grupo. La mayor controversia de Adler con Strasberg se refería a si un actor debía usar la memoria emocional (defendida por Strasberg), recordando la experiencia personal para lograr un resultado creíble o, por el contrario, vivir el momento (mediante la imaginación), usando al compañero y el espacio para crear una actuación convincente.
Desmitificando en cierta medida lo expresado en el libro mencionado del Actor´s Studio, Brando escribió su propio libro de memorias y en él fue contundente:
“Después de que tuve un poco de éxito, Lee Strasberg intentó tomar crédito de enseñarme cómo actuar. Él nunca me enseñó nada. Hubiera reclamado ese crédito por el sol y por la luna si hubiese creído que podía haberse salido con la suya. Intentó proyectarse a sí mismo como un oráculo de la actuación y un gurú. Alguna gente le adoraba pero yo nunca supe por qué. Algunos sábados por la mañana yo iba al Actor´s Studio porque Elia Kazan estaba dando clases y allí había -de vez en cuando- días fuertes, pero Strasberg nunca me enseñó a actuar. Stella lo hizo y después Kazan.”

Siempre sostuve y estoy convencido que -a través de mi experiencia dando clases de teatro durante más de treinta años-, nunca es el maestro el que enseña sino el alumno el que aprende. De los peores aún se puede aprender mucho y hasta de los mejores puede que no se aprenda nada. Uno podrá estar muy agradecido a todas las técnicas que le puedan haber enseñado, pero el mérito en definitiva, será siempre del alumno.
“Quod natura non dat, Salmantica non præstat” (que en castellano significa: Lo que la naturaleza no da, Salamanca no lo otorga), es un proverbio latino que significa que una universidad no puede darle a nadie lo que la naturaleza le ha negado. De este modo, ni la inteligencia, ni la memoria ni la capacidad de aprendizaje son cosas que una universidad o un maestro puedan ofrecer a sus alumnos.
Y lo afirma no solo ese refrán, sino también quien tuvo la suerte de tomar clases con algunos de los más grandes maestros de teatro como Carlos Gandolfo, Lorenzo Quinteros, Ariel Bufano, Jorge H. Alvarez, Alfredo Suarez Serrano, Camilo da Passano, y de maestros de pantomima como Sarah Bianchi, Roberto Escobar e Igon Lerchundi entre muchos otros... y de los que obviamente (a diferencia de Brando con los suyos), no aprendió nada!
H.D.M.

EL DURO OFICIO DEL ACTOR EN EL IMPERIO ROMANO(“Nada ha cambiado y sin embargo todo existe de otra manera”  Jean Paul Sar...
01/10/2021

EL DURO OFICIO DEL ACTOR EN EL IMPERIO ROMANO
(“Nada ha cambiado y sin embargo todo existe de otra manera” Jean Paul Sartre)

Conjuntamente con Roma, apareció también en aquel entonces la figura del empresario, que pagaba a los actores y autores, y que cobraba una entrada al público.
Sólo cuando el Estado se hacía cargo de los espectáculos teatrales, pasaba a ser gratuito (para el público).
(Comenzamos con las similitudes con la actualidad)
Recibían dinero por sus actuaciones, pero los salarios variaban sustancialmente en función de la fama de cada uno de ellos y muchos apenas si lograban sobrevivir con su trabajo. (¿Les suena conocido?)
¿Qué se esperaba de un buen actor en aquel momento? Pues, al tener el rostro cubierto por la máscara, no interesaba como hoy, lo relacionado con la expresión facial. Lo importante era la expresión corporal. El actor debía ser un gran bailarín que siguiese el ritmo de la música, pero por sobre todo, que utilizase un latín claro disponiendo de una gran fuerza vocal, para que lo que decía, llegase perfectamente a oídos del numeroso público.
A pesar de todo ello y de estos requerimientos indispensables, en la época del imperio romano el actor perdía dignidad y no estaba considerado como un ciudadano de primer orden.
En Roma, desde el principio, la actuación era un trabajo de profesionales.
Pero el oficio de actor estaba mal considerado ya que únicamente los esclavos o los libertos solían trabajar en el mundo del teatro, incluyendo el oficio de escritor de dramas y comedias (nada nuevo bajo el sol).
La ley determinaba que el ser actor era causal de limitación de la capacidad jurídica de un individuo y por eso los actores carecían de derechos civiles. (Llámese hoy en día “trabajador esencial”, porque para algunos gobernantes, parece que la cultura -y sobre todo el teatro- no lo es)
La palabra “histrión” era el término de origen etrusco con el que los romanos denominaban a los actores y que siempre fue utilizado con un sentido despectivo.
La condición propia de los actores no inspiraba demasiado respeto, porque como dijimos, generalmente se trataba de esclavos o de libertos y constituían un grupo marginal y mal considerado. En su descargo y en el de sus amos hay que decir que tenían una formación y una educación esmeradas. Durante el bajo imperio, se dio como novedad la aparición de las actrices (pero solo en el mimo).

El público se comportaba, muchas veces, de forma tumultuosa y grosera: prefería, por lo general, los espectáculos picantes y subidos de tono a las obras literarias.
A menudo también ocurrían incidentes, donde los actores que no gustaban, eran bajados de escena y hasta golpeados.
Tácito cuenta que durante el mandato de Tiberio, se votaron multitud de medidas sobre el salario de los actores y sobre la represión de los excesos de sus partidarios. Se prohibió por ejemplo a los senadores, que llevasen a sus casas a algunas pantomimas (¿Les suena conocido también?), o que se las escoltase en la calle, o que se les permitiese actuar fuera del teatro, y se autorizó a los pretores a castigar con el exilio la conducta escandalosa de los espectadores.
En Roma, se sabe por el historiador Salustio, que durante determinadas fiestas, quien encontrara un actor por la calle podía matarlo impunemente, y que también un actor fue condenado a muerte por señalar desde el escenario la grada donde estaba un patricio.
Del mismo modo, ya que mencionamos excesos, Suetonio relata un hecho que sucedió con uno de los actores de la “atelana” (una farsa popular satírica, muy popular de la época), y es que éste criticó duramente a Calígula.
Se hizo un silencio sepulcral y luego de una breve pausa, el emperador como castigo, lo hizo quemar vivo en el anfiteatro. (Tal vez no recordó que había que tenerle miedo a Dios… y también un poquito a Calígula).
Hubo también, notables excepciones, como por ejemplo Nerón, quien no sólo amaba a los actores -en todo sentido- sino que además participó en unas cuantas representaciones en calidad de mimo, pero a diferencia de lo que muchos creen, él prefería la cítara. (La que le tocaba la lira era Popea, su mujer.)
Sin embargo, y a pesar de todas estas consideraciones adversas que sufrían la gran mayoría de los profesionales del arte, algunos actores se encontraban protegidos por el emperador de turno llegando a tener fama y mucho dinero.
Como escribí alguna vez en la comedia "Lotería": "Nada nuevo bajo el destellar de los astros")
A veces parece -al menos con respecto a los actores-, que la historia siempre se repite y que del Imperio Romano para acá, casi nada ha cambiado!!!
H.D.M.

11/07/2020

La óptica teatral del director.

La palabra óptica es relativo a la visión, proviene de "ver" , el adjetivo teatral que comporta las ideas de mirar, contemplar.
El juego escénico, el movimiento está sujeto a una serie de convenciones reactualizadas por Diderot. No está de más recordar que, en el supuesto del teatro va el supuesto de la contemplación de algo que ocurre. Por eso el teatro dejó de ser lectura antigua, sino reconocimiento de los hechos, ligada a las convenciones personales, es una mirada de ver, una manera propia cuyo punto de partida es la aceptación de un mundo ficticio que es la expresión del artista, multidimensional sujeto a la temporalidad de lo real.
La óptica teatral debe convertir lo representado en una forma convencional de ver y escuchar.
La esencia del teatro radica en la presencia y presente actualización de los elementos expresivos en el movimiento y ha de añadirse la razón de esencia como existencia y el convencionalismo como una filosofía del teatro. A veces estas posturas tradicionales son un atentado contra la realidad, pero sostienen la ilusión teatral. El teatro es siempre espejo deformante. Su única fuente de vida eterna es la vida, el traslado directo que sueña un autor no basta para plasmar estéticamente el hecho teatral.
Dice Jean Vilar, que la escuela del teatro es la vida, pero es preciso no olvidar, al estudiar la vida para el teatro, que tal espejo deforma cuanto refleja. El actor en la armoniosa mecanicidad de su juego artístico se acerca a la gracia del arte del bailarín a veces porque ofrece algo con su cuerpo que la actuación natural no consigue mostrar de manera directa.
El padre del naturalismo literario, Emilio Zola, al intentar acercar la literatura a los dominios de Moliere en su ensayo "El naturalismo en el teatro". En ese testimonio intenta explicar los antecedentes filosóficos y científicos del naturalismo; avanzó en la novela de Balzac, Stendhal y Flaubert. Zola encuentra un retardo frente a la novela, un retardo en el triunfo del naturalismo. ¿Como es eso? La razón es la siguiente: el teatro ha sido siempre la ciudadela de lo convencional. Para Zola lo convencional es toda aquella manera acertada de ser la escena, pose e inverosimilitud traída de la escuela declamatoria: las formas de la falsedad. Para los tiempos actuales(virtud, vicio, maldad), carente de valor como expresión humana. No queremos que nos cuenten más historias inaceptables, que sea pura ilusión y se distraiga la verdad con incidencias románticas. Que logre el teatro poseer la suprema naturalidad de lo verdadero y sincero. Hay que trabajar para que el teatro se inspire en las fuentes de la ciencia y del arte moderno, en el estudio de la naturaleza, en la anatomía del hombre, en la pintura de la vida original, poderoso retrato fiel del instante, como nadie se ha atrevido a ponerlo en escena. La aparición de nuevas dramaturgias que enfatizan cada vez más a los protagonistas colectivos sobre el protagonista absoluto y pretenden diluir la oposición público actor, han logrado que en los últimos decenios el ámbito teatral se alejara cada vez màs notoriamente del modelo renacentista; ahora el rito dramático se celebra en espacios parateatrales en el que nada subsiste de la vieja estructura espacial. El lenguaje teatral no es meramente verbal. Al texto se suman los gestos, los movimientos del actor, que enfatizan a le quita peso a la palabra, que no se constituyen en en mensajes autónomos, que corresponden a las indicaciones escénicas del autor y a la interpretación del director.Los espectáculos llamados de vanguardia proponen un lenguaje corporal del actor que responda a la nueva realidad, que es la obra en sí misma: una materialidad artística, autónoma, independiente de los modelos que ofrecen la vida, constituida unicamente por materiales escénicos: líneas, formas y volúmenes en el espacio.. No procede de esa manera la pintura anticonvencional cuando privilegia no ya lo anecdótico o la copia fiel del modelo, sino lo elementos privativos de lo pictórico: línea, color. Para descifrar el nuevo lenguaje del cuerpo del actor, es inevitable comentar la obra de algunos directores y teóricos desparecidos cuyas propuestas dominan el panorama del teatro moderno. Meyerhold rechaza totalmente la gestualidad natural que responde a la psicología del personaje, pero sistematiza intensamente los gestos hasta independizarlo del proceso interior: el cuerpo del actor crea líneas y formas que se articulan armónica y racionalmente con la escenografía, el espacio escénico, la luz, etc. Copia formas de la estatuaria; compone cuerpos escultóricos en movimiento con otros cuerpos de otros actores; se mueve ritmicamente con la música en escena y crea cada gesto con todos los músculos de su cuerpo. En la obra de Artaud se compone el gesto del actor alejado de la realidad cotidiana, no solo se despoja de las convenciones culturales de la mayoría de nuestros gestos, sino que en un salto hacia atrás vuelve a la etapa primitiva del hombre y desde allí expresa visceralmente sus sensaciones con la misma espontaneidad con que el hombre descubrió el mundo, cumplió el rito propiciatorio, temió al rayo, expresó su sentido mágico y religioso de la existencia. Grotowski , del Teatro Laboratorio de Wroclaw, establece un lenguaje gestual diferente: destruye lo que él llama máscara física , o sea todo mecanismo expresivo que corresponda a los resortes habituales del cuerpo. El actor, ya sin memoria corpórea, va a tener que representar los gestos que perdió. Y el resultado es un remedo de la realidad, una visión irónica, y en el fondo, una crítica. Con el lenguaje corporal nacido de lo que llama el maestro polaco transiluminación- éxtasis del actor; el estado en que las potencialidades plásticas del cuerpo adquieren una expresión límite.Bob Wilson, director estadounidense, utilizan el escenario un lenguaje compuesto de gestos que se desarrollan minuciosamente de una manera lentísima y que contrastan con otros que se hacen velozmente. La lentitud, el desmenuzamiento de cada gesto y el contraste, ponen de manifiesto la riqueza de posibilidades que cada gesto movimiento encierra: se hace un movimiento en curva para que el espectador piense en lo extraño y perenne vínculo que unirá a ambos, piense en el destino e invente.

El 10 de octubre de 1856 se inauguró el teatro de La Zarzulea con una sinfonía sobre motivos de zarzuela y dos zarzuelas...
10/13/2020

El 10 de octubre de 1856 se inauguró el teatro de La Zarzulea con una sinfonía sobre motivos de zarzuela y dos zarzuelas cortas: El sonámbulo, de Olona y Arrieta, y La Zarzuela, alegoría de Gaztambide, Arrieta, Rossini, Barbieri, Hurtado y Olona. Se construyó en solo ocho meses.
#teatrozarzuela

A los 40 años Franz Kafka (1883-1924) que nunca se casó ni tenía hijos, paseaba por el parque Berlín cuando conoció a un...
06/27/2020

A los 40 años Franz Kafka (1883-1924) que nunca se casó ni tenía hijos, paseaba por el parque Berlín cuando conoció a una niña que lloraba porque había perdido su muñeca favorita. Ella y Kafka buscan la muñeca sin éxito. Kafka le dijo que se reuniera con él al día siguiente y volverían a buscarla.

Al día siguiente, cuando todavía no habían encontrado la muñeca, Kafka le dio a la niña una carta "escrita" por la muñeca que decía: "Por favor no llores.

Tuve un viaje para ver el mundo, te escribiré sobre mis aventuras."

Así comenzó una historia que continúa hasta el final de la vida de Kafka.

En sus encuentros, Kafka le leía las cartas de su muñeca cuidadosamente escritas con aventuras y conversaciones que la niña consideraba adorables.

Finalmente, Kafka le trajo la muñeca (compró una) que había vuelto a Berlín.

"No se parece en absoluto a mi muñeca", dijo la niña.

Kafka le entregó otra carta en la que la muñeca escribía: "Mis viajes me cambiaron" La niña besó a la nueva muñeca y la trajo feliz a casa.

Un año después, Kafka murió.

Varios años después, la niña adulta encontró una carta en la muñeca. En la pequeña carta firmada por Kafka decía:

"Todo lo que amas probablemente se perderá, pero al final el amor volverá de otra manera".

Address

2405 Marion Ave Suite 3L
New York, NY
10458

Opening Hours

Monday 9am - 5pm
Tuesday 9am - 5pm
Wednesday 9am - 5pm
Thursday 9am - 5pm
Friday 9am - 5pm
Saturday 9am - 5pm

Telephone

(917) 500-7795

Products

TV, periodicos, shows, entretenimiento, videos, libros, presentaciones, literatura, artistas, danza, baile, musica, pintura, escultura, teatro, restaurantes, salud, leyes, historia, tradiciones, juegos, politica, consejos, fashion, belleza, horoscopo

Alerts

Be the first to know and let us send you an email when Fragal Communications posts news and promotions. Your email address will not be used for any other purpose, and you can unsubscribe at any time.

Contact The Business

Send a message to Fragal Communications:

Videos

Nearby media companies


Other New York media companies

Show All