El CriticKong (2026)

08/09/2025

Weekly Review! Darren Aronofsky. Un cineasta que no tiende a sutilezas, que no se entretiene con delicadezas, que no se anda con complacencias y enfoques comerciales. Su zona de confort son los rincones negros y vacíos de la miseria ("Requiem for a dream"), apocalipsis bíblicos de espeluznante índole ("Noah", "Mother!"), y atormentados individuos combatiendo al olvido y corriendo detrás de duelos irresueltos ("The Fountain", "The Wrestler", "The Whale"). Aunque hay temas y tropos típicamemte "Aronofskyanos" en juego en su más reciente esfuerzo, ésta vez el nacido en Brooklyn se decanta en favor de un frenético, hilarante y desfachatado (usado como cumplido) thriller ubicado en su eterna Gran Manzana y que juguetea con descaro pero con fortuna y acierto con los tonos y mundos de Scorsese, Tarantino y Ritchie. Siendo que se trata del arquitecto de la suprema "Pi", la "diversión" no encaja con los convencionales y comunes modos de similares cintas, mas bien se trata de una estresante comedia con claras inspiraciones de locuras urbanas previas como "After Hours" o la reciente y trepidante "Uncut Gems". Pesadillescas apuestas y mortíferas consecuencias son el eje y motor de éste bienvenido cuento criminal donde Darren se muestra con desenfreno, soltura y una evidente relajación directiva, sin ningún anhelo mas que g***r del placer que le brinda la creación fílmica. Sus habituales, excéntricas, traumatizadas y entrañables criaturas humanas, sello de la casa, son particularmente destacables, sombríos, culposos o malvados, pero también sufridos seres con los que el celebrado realizador crea un vínculo y empatía. Austin Butler, viniendo de encarnar nada mas que a Elvis Presley y ser dirigido por Villeneuve en la épica "Dune:Part 2", demuestra lo aprendido encabezando al elenco coral más solvente que Aronofsky haya dirigido desde su cuarteto de adictos hace ya lejanos veinticinco años. Con su característico toque y ferocidad narrativa, nos lanza a un frenesí visual, un popurrí de anécdotas y momentos, de los cuales algunos, podrían contarse dentro de lo mejor de su filmografía. Si bien ciertos personajes desentonan, restan mas que alimentar, y par de secuencias resultan sobradas, la lente de su habitual colaborador, Matthew Libatique, consigue pasar de eso creando ricas y frescas vistas (sumamente difícil después de tanto registro cinematográfico que existe sobre la mítica urbe) del submundo neoyorkino y dotan a la obra de un sabor diferente y arriesgado. "Caught Stealing", ahora en cartelera, es la película más accesible de su creador desde "Black Swan", pero no por eso se desecha y desprecia, al contrario, es justamente éste distanciamiento a su anterior labor lo que permite a tan resonante director reubicarse, reencontrarse y relanzarse a por nuevos bríos y objetivos. Dejémonos de dudas y sigamos su ejemplo. Un 8. 🎬❤️

07/09/2025

Sunday Review! "Penélope, tristeza a fuerza de esperar, tus ojos parecen brillar, si un tren silba a lo lejos. Penélope, uno tras otro los ve pasar, mira sus caras, les oye hablar, para ella son muñecos." El hogar, razón, causa y destino. Raíces impulsoras de sortilegios, anécdotas, elecciones, formas, suertes y tragedias. Ansia de devolverse a sus maternales brazos, a su cálida seguridad, al beneplácito de simplemente vislumbrar sus puertas de magnificencia, de paz. Al lugar donde fuiste feliz deberías volver, cueste lo que cueste... Uberto Pasolini, discreta y sutil voz, con escazas pero sólidas y notables obras en su haber, reimagina los emocionales finales de "La Odisea", los desmitifica, les resta lo fastuoso y el espectáculo, convirtiendo el pasaje en un maduro y potente estudio que explota el núcleo emocional de la épica de Homero. No hay fantástica aventura, no hay resistencia al canto de las sirenas, no se ciega al imponente cíclope, no hay transformaciones a cerdos de la mano de Circe, en su lugar se erige un minimalista análisis que versa sobre la cruel espera, encarar la existencia desde el anonimato, sólida reflexión que atiende la indomabilidad del tiempo. Renunciando a la fabulosa empresa, no solo permite al sobrino del legendario Luchino Visconti dotar a su visión de realismo y mesura, estableciéndola en un contexto desprovisto de fantasía o entelequia, sino también le da la libertad de colocar la psicología de sus sujetos al centro del ruedo. Filmada en locaciones que depositan en el alma de Grecia, la velada, delicada y refinada fotografía de Marius Panduru alimenta las búsquedas de ésta sencilla, pero no por eso simplista, y portentosa versión, ayudando a su cuadro histriónico a mostrar una humanidad inusitada en éstas producciones modernas que "osan" adaptar obras cumbres y milenarias de la literatura mundial. Significando un emotivo y celebrado reencuentro entre Juliette Binoche y Ralph Fiennes (quienes brillan en exquisitas interpretaciones, con dejos de teatralidad e infinitamente penetrantes), tres décadas después de la deslumbrante "The English Patient", del desaparecido Anthony Minghella, construyen a los personajes que han sido dibujados, descritos, referenciados, analizados, de mil y un maneras, con apasionado porte, consiguiendo que resurgan con una nueva identidad, complejos y fascinantes. Dos gigantes representantes de la actuación en total dominio de su arte. Si bien las limitantes presupuestales impiden imaginería impactante y resonante (y esas no son aquí las pretensiones, dejemos eso para Christopher Nolan y su próxima monumental adaptación), y la siempre cobarde decisión de no arriesgarse y aventurarse a realizar la cinta en el idioma original de su fuente (mágico sería ver una adaptación internacional en griego antiguo), niegan al regreso de Odiseo a su amada Ítaca de mayores alcances, "The Return", ahora en cartelera, es un meritorio esfuerzo, sobrado de clase y gracia. Retornemos a lo básico, a lo ideal, a lo de verdadera importancia, a la esencia primigenia, y también hagámoslo a la sala de cine, que para tantas y tantos es un segundo hogar. Un 8. 🎥❤️

01/09/2025

Express Review! La película que te conmovió hasta las lágrimas. La canción que resumía tus propios pasos y tu anhelada eternidad. Aquél impreciso pero enérgico y embriagado baile lleno de arrebato y alegría. Las lecciones inmortales que conducen tu andar, de origen improbable e impensado. Amores fugaces de apariencia perpetua, transformados en piezas del interno e intrincado rompecabezas que nos compone. La familia que te forma, la que eliges, aquél formativo grupo del que cargas virtuosas enseñanzas y bizarras ocurrencias y desenlaces. Los maestros del camino, las semillas sembradas y resonantes aportaciones que te inundan, te definen, te inspiran, te orientan y te otorgan tus excentricidades y tus nombres. Tu manera de sentir, de percibir los momentos, apreciar las cambiantes mareas, celebrar los comienzos y aceptar las inevitables conclusiones, el final del juego, el término de la partida. Las multitudes que habitan dentro de tus entrañas, el universo mismo resplandeciendo hasta en tus huesos, la infancia definitoria que no abandona tus adentros, aún jugando y soñando con magia venidera. Las quimeras vividas y aún en persecución, hambrientas y deseosas de vencerte, tú en un esfuerzo cotidiano por impedir su dominio y sometimiento. Basta de existir preocupados por posesiones burdas que nos afligen, limitan, atropellan e impiden alcanzar nuestro divino potencial, nuestro alcance infinito. Dejemos de ser distraídos por razones vagas, ideales bajos y repetitivos que atentan contra nuestra inalcanzable naturaleza. Atender al llamado, entender los motivos, enfocarse en lo oculto para inspirar todo lo externo. El tiempo es limitado, las fechas se acortan, hay que darse cuenta que los instantes ya difuntos convertidos en recuerdos no volverán. Vislumbrar la línea del horizonte, no sólo enfocarse en aquello delante. Permitirse el respiro antes del clavado, sopesar los duelos y honrar los errores. Divertirse y disfrutar es la clave, el núcleo, la esencia básica y absoluta del todo, la respuesta a cuanta inquietud y duda pueda darse y suceder. Ser conscientes de nuestro efímero paso por las calles que tanto recorrimos, los sitios que tanto visitamos, todo eso seguirá y nosotros solamente seremos nuevamente polvo, rememoranzas y memorias ahora compartidas por otros. Souvenirs del inclemente tiempo. Lo anterior encapsulado brillantemente en dos horas de metraje. Mike Flanagan, nuevo depositario de la obra del enorme Stephen King, y creador de dos de las mejores miniseries de Netflix en su historia ("The Haunting of Hill House" y "The fall of the house of Usher"), adapta una short-story del estadounidense y captura la vida, ensoñaciones, la inmensidad y el asombro que produce el cosmos que llevamos con nosotros. Vital relato, deliciosa oda a la existencia, irradia belleza, produce bienestar, otorga luz y satisfacción. Alegoría motivacional, lúdica y conmovedora a más no poder. El cine siendo un viaje de atudescubrimiento, maravilloso. Recordemos que "lo más difícil es la espera", por ello, mientras nuestro punto final aparece en nuestra historia, hagamos que sea una llena de sorpresa, deseo y necesaria felicidad. "The Life of Chuck", ahora en cartelera, de lo mejor del año. Ya era hora. Un 9. 🎬❤️

21/08/2025

Weekly Review! "En lo profundo de aquella oscuridad, contemplando, mucho tiempo estuve allí, preguntándome, temiendo, dudando, soñando sueños que ningún mortal jamás se atrevió a soñar antes." F.W.Murnau, Tod Browning, Terence Fisher, John Badham, Werner Herzog, Francis Ford Coppola y, recientemente, Robert Eggers, depositaron sus ópticas y sensibilidades dentro de un ataúd y desde sus ángulos y trincheras se adentraron en la terrorífica eternidad descrita por "el padre de la ficción vampírica", Abraham Stoker, en su opus literaria de 1897 adaptada ad nauseam. Max Schreck, Bela Lugosi, Christopher Lee, Frank Langella, Klaus Kinski, Gary Oldman y Bill Skarsgard han encarnado al sobrenatural conde transilvano, incrustándolo en la médula iconografica de la cultura popular, efigie y estandarte del horror romántico. 128 años después y ésta figura continúa provocando temor y asombro, haciendo que infinidad de voces lo utilicen como punto de partida, materia prima, para explorar la punzante interrogante: ¿Qué valor posee la inmortalidad? Luc Besson, autor detrás de una ecléctica e irregular filmografía, responsable de clásicos modernos como "Le Grand Bleu", "Nikita", "The Professional", "The Fifth Element" y la reciente e ignorada "Dogman" (cinta que le devolvió algo de credibilidad artística y vigencia cultural), hace lo propio y viaja a los inhóspitos Cárpatos, a la agreste Rumania, al cambiante acelere social parisino del siglo diecinueve. Ésta versión supone combinar una mística leyenda con amor trágico, apostando por una supuesta renovada aproximación a la clásica historia. Sin embargo, y pese a un deseo personal de lo contrario, no funciona. Besson intenta modernizar el mito del vampiro, hacerlo más dramático, reflexivo, inclusive más sentimental, pero lo conseguido es deficiente, un producto aparatoso y vistoso sí, pero inconcluso, paródico inclusive, que sencillamente no sabe lo que quiere ser. Carente de energía dramática, sin un ápice de lo que debería ser un cuento gótico de ésta envergadura. Es un caos formulaico temeroso de alguna idea atrevida, sin bravura y desganado. Atisbos de las antiguas habilidades fílmicas del también firmante de la minimizada épica "Joan of Ark" o la inclasificable "Angel-a" pueden apreciarse por aquí y por allá pero palidecen ante el descuido narrativo y lo repetitivo de la obra en general. Descaradamente, la monumental labor de Coppola es calcada, decorados, vestuarios, maquillaje y score (por un Danny Elfman muy en su zona de confort, insistiendo en las mismas composiciones fúnebres y corales que realiza para su inseparable Tim Burton) son obvias reminiscencias de la exquisita y superior iteración de 1992. La actuación clave, en manos de Caleb Landry Jones, aquella que debe dotar de fuerza y presencia el relato, se muestra blanda, una indigna revoltura de magistrales interpretaciones previas. No intriga, no perturba, no cautiva. Solamente es. Y esto es sumamente grave cuando se representa a uno de los monstruos más célebres de la literatura moderna. Situar la mayoría de su extensión en Francia, con la Belle Epoque como telón de fondo, debería permitirle a Besson otorgar a su película de un estilo propio, de una esencia diferente, pero esto solo cae en la gratuito, un añadido sin mayor razón que ser llamativo. Alguna vez un innovador en técnica y expresión, hoy pareciera que se esfuerza mínimamente por algo "funcional" y complaciente. No hay una verdadera identidad visual. El filme rebosa de un "been there, done that", ya visto y hecho de manera mucho más trascendente y logrado en otras propuestas. Lo peor de todo es recordar que Luc Besson alguna vez fue un gran director, un hombre que creó magia y ahora solo asociado a simplones y desairados experimentos (exceptuando su mencionado anterior esfuerzo). Quizás dentro de él aún esté ese tan particular, característico, ambicioso y excesivo toque. Ojalá. "Dracula: A Love Tale", ahora en cartelera, no ejemplifica ni revela los alcances de tan sagaz cineasta. Puede ser que tiempos futuros conduzcan a un resurgimiento de la presente tumba. Mientras tanto, ajos y una puntiaguda estaca. Rehuirle como a la peste. Un 5.

14/08/2025

Weekly Review! Esfumarse. Evaporarse. Disiparse. Ausentarse. Impensable destino. Caso inaudito. Zach Cregger, novel y sagaz "enfant terrible" quien va tras los pasos de Hitchcock, Carpenter, Raimi, Craven, el cine Giallo y el mejor Shyamalan, sucede a su brutal e inclasificable debut, "Barbarian", con una inquietante, oscura, espeluznante y aguda mirada hacia la supuestamente idílica vida suburbana estadounidense. Una cinta de horror que, interesantemente, durante considerable tiempo de su metraje no se comporta como tal. Se convoca a no confundir el macabro misterio con un retorcido cuento de hadas, al contrario, sorpresivamente resulta dulce, cómico y, ocasionalmente, inclusive elegíaco, elementos atípicos para éste tipo de proyectos. Su inusual estructura episódica (inevitable las comparativas a Kurosawa, Haneke, Kieślowski, Villeneuve o Tarantino) dotan al perturbador relato de una frescura, ritmo y genuina incertidumbre que se celebra y agradece. Los elementos metafísicos, surrealistas y netamente bizarros elevan la trama por encima de la media y, si a esto se le suma lo fascinante que es descubrir las múltiples capas que posee (podría interpretarse, entre tanto más, como la historia de una comunidad en luto buscando claridad y sanar la pérdida de una inocencia compartida), la experiencia se transforma en algo único, rica en imágenes y subtexto de variadas índoles. "Weapons", ahora en cartelera, escarba en la mentira, en la falsa fachada de la sociedad contemporánea, expone lo peculiar, lo fétido, la prodedumbre que yace detrás del telón doméstico. Una sesuda ilusión de dos horas donde las cortinas de una fingida felicidad se abren y permiten ver hacia dentro, dándonos la incómoda sensación de que alguien, o algo, devuelve la mirada. Al igual que su anterior esfuerzo, la segunda cinta de Cregger es una revoltura tonal resuelta con confianza, madura complejidad y gracia artística. Thriller "gourmet" que demanda paciencia de su audiencia para desarrollar sus arcos y conllevar a insospechadas resoluciones de aproximación novelísticas que nunca dejan de ser vívidas y violentamente atmosféricas y cautivantes. Si ésta es sólo una probada más, una segunda ración, de los alcances de ésta promesa fílmica, es de suma satisfacción saberlo y aguardar el camino venidero. Si bien abusa de exposición y algunas subtramas son intrascendentes y poco aportativas, la sutil malicia que permea de cada encuadre y la minimalista astucia con la que se desenvuelve todo, hacen de ésta "hora de la desaparición" una que quisieras durara más y más. Una extrañeza, no para todos, llena de sorpresa y terror. Un 8. 🎬❤️

06/08/2025

Express Review! "Y en la calle, codo a codo, somos mucho más que dos." "Body horror", tan sonado, tan presente, su resonancia fílmica se restablece, no se frena, permanece. Por definición lidia con el miedo fundamental y primigenio de todo ser humano: una identidad consumida, el trágico desenlace que implica perderse a uno mismo. No sólo analiza la muerte física propiciada por brutales mutilaciones, sino la erosión psicológica, espiritual y existencial. La humanidad asesinada en pos de ambición científica ("The Fly"), surrealismo macabro que versa sobre obsesiones y tecnología ("Videodrome"), o el sacrificio de la piel en el altar de los estándares de belleza modernos ("The Substance"), son algunas de las inquietantes propuestas que el género ha ofrecido. Ahora el concepto es llevado a su más íntima posibilidad: desvanecerse en una relación romántica. La libertad creativa del subgénero mencionado, con atisbos de Carpenter y su insuperable "The Thing", permiten al novato Michael Shanks concebir una metáfora visualmente grotesca sobre el ya descontrolado tema, casi base narrativa de hoy, la "toxicidad" en las parejas. La totalidad de una unión, el definitivo enlace, la individualidad que se extingue, todo aquello que se asume al involucrarse con otro, al sumarse y dejar de ser solo uno, los múltiples factores que hacen para muchos que el compromiso sea algo aterrador, es materia prima de ésta exploración. Ésta vez la maldición no es una fuerza demoníaca o fantasmagórica, ahora detona consecuencias como ansiedad por separación, peligrosa codependencia, una que además implica mutua destrucción."Together", ahora en cartelera, posee elogiables intenciones e ingeniosas propuestas, el problema radica en su débil y desatinada ejecución. Los simbolismos y analogías nunca son desarrolladas y se limitan a permanecer en la superficie, sin adentrarse o profundizar. Se insinúan traumas del pasado pero estos no enriquecen o proveen una clara conclusión. Una vez que lo fantástico comienza, el guión y las actuaciones (Alison Brie y Dave Franco funcionales) se inclinan por un humor negro limitado deseoso de ser gracioso pero que solo opaca, banaliza y empobrece el impacto del horror. Ésta aproximación hace de éste debut una entretenida pero superflua ilustración de lo que a muchos "enamorados" les puede llevar años de terapia entender y/o resolver. El resultado es una mezcolanza de ideas que no justifica su aclamación y ser catalogada como de "lo mejor del año". Una vez más, lo medianamente decente muta extrañamente en la mente de los espectadores en algo magistral a falta de lo verdaderamente grandioso o superior. Un esfuerzo valiente pero que se estanca en el limbo de pasajero entretenimiento. Mejor utilizar protección. Un 6.

31/07/2025

Late night review. Solamente perdura incómoda quietud en la plaza. Ahogados gritos aún claman en un rompecabezas desarmado. La justicia se apropia de nombres extintos y ahora se recurre a seudónimos. 56 años y todo lo demás es silencio, fantasmas vacilantes en pasillos destruidos por desvaídos recuerdos, la razón es víctima y el perpetuador finge ignorancia o, peor aún, está tan desahuciado que ya es delirante, cómplice evidente del olvido. 2 de Octubre no se olvida. ¿O sí? Pierre Saint Martin Castellanos enciende las alarmas, atiende las aristas, hurga en la podredumbre y osa desenmarañar odios y rencores curtidos en vinagre con casi seis décadas de edad. El egresado de la ENAC, antes CUEC, debuta con una indagación en el ruin abandono, la miserable obsesión, el inclemente tránsito del tiempo, la erosión del cuerpo, la inevitable pérdida, la improbable redención que se ruega y, al igual que Godot, jamás llega. Encabezada por una muy destacable Luisa Huertas, disparando todos los cañones de su genio actoral, y recordando a la audiencia el dominio y experiencia que posee sobre las tablas y frente a la cámara, Saint Martin la acompaña haciendo desfilar a una pléyade de personajes que juguetean, danzan, entre la oscuridad moral, el surrealismo implícito del pueblo, arquetipos caricaturescos y cómicos, pero de igual forma aterradores por su factibilidad. Tlatelolco como telón de fondo funge como una mordaz alegoría sobre las prisiones que edificamos a nuestro alrededor. La paloma blanca y pura de la paz es devorada por la sombra del totalitarismo, de lo incierto, de lo vano, y la venganza se fragua desde la trinchera de la vejez y el vacío. El esfuerzo como ópera prima es claro, conciso y notable. Evocativas imágenes, capturadas por el dotado ojo de César Gutiérrez Miranda, entre grises, negros y claroscuros, resaltan los contrastes de la identidad mexicana; los espacios retratados resultan genuinos, una realidad auténtica y vivida. Lamentablemente los peros invaden y dañan el mérito. La obra cae en los mismos clichés y vicios del "cine de arte" nacional (entrecomillado pues todo cine surge de la expresión artística, la invención de ese término es absurda y ridícula), tomas desprovistas de un significado aportativo, que vaya más allá de lo pretencioso, de aquello que sólo existe por su supuesta cualidad pintoresca o preciosista. Subtramas que hacen por el núcleo del relato poco o nulo efecto y su aparición, mas que empujar las motivaciones o nutrir lo planteado, resulta gratuito relleno que revela una falta de clara dirección. Lo que debería ser un intrigante y absorbente cuento detectivesco, se limita a ser un aceptable pero insustancial híbrido de elementos que han sido mejor abordados en cintas como "Temporada de Patos" o "Güeros", por mencionar algunas, haciendo que lo visto se perciba como un deja vu visual, restándole resonancia y trascendencia. "No nos moverán", ahora en cartelera, es un recordatorio de los actuales momentos de escasez creativa, donde algo medianamente correcto, es celebrado como "una de las mejores películas mexicanas de los últimos tiempos". Se agradece su propositivo enfoque y los riesgos estilísticos que corre, sin embargo, al igual que "Tótem" el año pasado, las sendas nominaciones al Ariel 2025 no son un reflejo de la calidad fílmica de la pieza, sino de la impresionable percepción de la crítica de hoy. Funcional, pero nada más allá de esto. 2 de Octubre no se olvida. Ésta película, aunque quizá gane la máxima presea a mejor película, sí. Un 6.

28/07/2025

DE LAS QUE NADIE HABLA. El pulso de una ciudad. El más significativo y épico sonido que hayas escuchado. Las brillantes y doradas luces de la marquesina. Miles de voces entonando entrañable himno que desborda iconicidad. Más que un intérprete, el guardián de recuerdos y memorias. El puente conector entre épocas, generaciones, lo que se fue y ahora se es. Un tono que provoca un eco retumbante a través de las venas de la misma Nueva York. Todo lo que existe en su mirar, en esos expresivos ojos inundados de vida, que ha visto mucho más que vítores y aplausos. Pupilas que han contemplado al tiempo desdoblarse, ritmos cambiantes, a la juventud desvanecerse entre efímeras melodías, finitas tonalidades. Sus composiciones no solo resultan majestuosos ejemplos de genialidad creativa, son rituales sonoros, latidos donde yacen vivencias convertidas en palabras doctas en el más puro y complejo sentimentalismo. Una vez adentrado en su universo se viaja en extraña y hermosa máquina del tiempo, sin fechas, dándose un sentir atemporal. William Martin Joel, conocido mundialmente como Billy Joel, depositario de la identidad neoyorkina, mayúsculo poeta de la balada rockpop, a lo largo de bendito medio siglo que ha sido privilegiado por su presencia, su "pianística" eternidad, es la siguiente figura musical en recibir el tratamiento cinematográfico con un documental, divido en dos partes, cercano a las cinco horas de duración y que roza la grandeza, haciéndole justicia a su enormidad. Miedos, traumas, amores extraviados, deseos infructuosos, brutales éxitos, los precios de los caprichos, las consecuencias de las adicciones, los errores con los que se ha de vivir, nostalgias, episodios malvividos, segundas oportunidades, quizás terceras y cuartas, traiciones, redención y perdón... Todo y tanto tiene cabida en éste exquisito trabajo, principalmente dirigido a fans, firmado por las brillantes Susan Lacy y Jessica Levin quienes hacen una vastísima investigación, analizando cada elemento que envuelve a una estrella de tales proporciones. Con respeto, sin amarillismo, objetividad, tacto, sutileza, finura y eficaz curaduría y edición, el par de narradoras realizan un recorrido por 76 años que se fueron en un instante. ¿En dónde se encuentran ahora? La crónica lo resuelve y no sólo enfatiza lo escrito por el nacido en Long Island, también revela la textura del período, pareciera que nada ha cambiado, pero todo lo ha hecho... Resulta fácil olvidar que detrás del legado interpretativo de Joel hay un hombre que aún se maravilla ante la magnificencia de la existencia, que encuentra felicidad en el rugido de una multitud conformada por desconocidos coreando "New York State of Mind" o "Scenes from an Italian Restaurant", como si se tratase de su evangelio personal. El poder de Billy no solo reside exclusivamente en las armonías, en las partituras o en las letras, también se haya en la comunión que crea entre su inigualable estilo y el corazón del escucha, afortunados encuentros. En un mundo que se percibe tan fugaz, tan fracturado, tan ruidoso, sus creaciones resultan un respiro urgente y necesitado, un rezo petitorio contestado, un enamoramiento correspondido. Después de conmovedoras y reflexivas horas de no ficción, que parecieran todo lo contrario por lo dramático del relato, llega el final, pero no la despedida. Mas bien se interpreta como un telón descendente que funge como un recordatorio que las leyendas también son humanas y eso es lo que vuelve sus viajes tan magnéticos, el saber que estamos en la misma lucha, sin una clara dirección, buscándola hasta el término de nuestros días. El triunfo de Billy Joel no yace en los récords que ha roto o los temas que nunca olvidaremos, sino en la verdad de que, pese a la grandiosidad, aún es un muchacho de Hicksville que sigue sin creer lo lejos que un piano y su voz lo han llevado. En "Billy Joel: And so it goes", ahora disponible en HBOMAX, queda más que claro. Sigues siendo tú, el que vamos a ver y escuchar para olvidarnos de la vida por un rato. Amado Piano Man... Un 10. ❤️🎬❤️

22/07/2025

🎬"Uno de los errores más comunes dentro de la prensa cinematográfica es analizar las películas que se ven, únicamente en función de lo que pasa en ellas, de la historia que se cuenta en ellas, como si el cine fuera solo relato o como si no existiera diferencia entre conocer una historia a través de un libro, una obra de teatro o de una película. El cine es un lenguaje artístico y como todo lenguaje tiene sus propias formas, sus propios signos, su propia semántica. La historia que va adentro (de la película) es importantisima por supuesto, pero para entender el cine y disfrutarlo en plena medida, no se trata de ver solo lo que te cuentan, si no de fijarte en como te lo cuentan".🎬

-Alejandro G. Calvo, crítico de cine-

14/07/2025

Express Review! Los martirios del espíritu. El ineludible escape a los cuestionamientos de la fe. Huellas de dolor arraigadas, enraizadas en las palpitaciones mismas de un corazón roto y herido que no resuelve, que no olvida, que anhela sanación a través de negación. Temores encarados con permisivo fracaso, deseoso de evitar en los que siguen, en los que heredan, las carencias sentidas y habitadas. Debacle social, confrontación ética, moral y espiritual. Los alcances del perdón y la aceptación del posible y pacífico amor venidero. Más que realidades banas, obvias y evidentes, notar aquellas que obren por prometedores desenlaces y esperanzadoras resoluciones. Tim Mielants, discreto cineasta de procedencia belga, poseedor de sensibilidades sobrias y sutil enfoque, se adentra en lo dicho, en polémico territorio, para explorar infancias rescatadas, bajeza religiosa y bondad desnudada en un íntimo relato repleto de terroríficas conclusiones pero también de luminosas decisiones. La dureza de la ruralidad irlandesa, contrastando con la ternura de un hombre que debe esconder sus grietas ante un mundo que demanda cruda masculinidad, sirven como contexto de un fresco e inusual análisis cinematográfico. Pequeña pieza que versa sobre abusos cometidos por una iglesia católica cuya perversidad yace en lo institucional, las críticas y preguntas que erige y plantea sólo pueden ser respondidas por el espectador. La examinación sobre la esencia humana que realiza se convierte también en una invitación para hacerlo con uno mismo. Meditativo, contemplativo y minimalista recorrido por vivencias de comprensión universal, cercanas y, trágicamente, comunes, todo aderezado con delicada teatralidad que evidencia sus orígenes literarios (adaptación de la novela escrita por Claire Keegan). Cillian Murphy, ya establecido como una fuerza actoral desbordante de intensidad y ferocidad, protagoniza con un control preciso de su arte, puntual, frío y cálido a la vez, cada mirada, cada acción por más diminuta, resulta poética, grácil, imposible despegar la vista. Fotografía sombría, por parte de Frank van den Eeden, con destellos de simbólica luz, como el mundo descompuesto que establece, diseño de producción clásico que captura los contrastes entre lo áspero del paisaje y la nobleza de su figura central, y una aparición breve pero enorme de la brillante Emily Watson, hacen de "Small things like these", ahora en cartelera en salas selectas y disponible en compra/renta en Amazon Prime Video, un pedazo de carbón que, pese a su abrupto desenlace e insuficiente desarrollo de ciertos aspectos, es tan pulido y trabajado que consigue aparentar ser hermoso brillante. Sobresaliente alternativa fílmica en ésta temporada "superheróica" donde el alma se difumina y olvida en pos del espectáculo, donde todos consumen el mismo fugaz entretenimiento. Simples pasajeros en éste planeta, no olvidemos que hay fuerzas poderosas e infinitas. Atendámoslas. Un 7.

El CriticKong

08/09/2025

07/09/2025

01/09/2025

21/08/2025

14/08/2025

06/08/2025

31/07/2025

28/07/2025

22/07/2025

14/07/2025

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