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03/07/2025

💢Dio y «The Last in Line»: a 41 años de una obra maestra💢

El segundo álbum de la banda de Ronnie James Dio, lanzado el 02 de julio de 1984, es una de las grandes producciones del heavy metal.

El nombre del segundo LP de Dio bien podría haber hecho referencia a la larga espera del líder Ronnie James Dio por el estrellato en solitario después de décadas de servicio como el mejor jugador de equipo.

El éxito del año anterior, «Holy Diver«, había sido un disco debut solo de nombre. Entre sus hazañas recientes con Black Sabbath (cuya carrera Dio ayudó a salvar del olvido), su servicio anterior con Rainbow de Ritchie Blackmore, la banda Elf e innumerables grupos olvidados que datan de finales de los años 50, Ronald James Padavona había sido preparándose para su primer plano durante mucho, mucho tiempo.

🎧 Dio "The Last in Line" 👇

https://youtu.be/360xvnsduDg

Dio volvió a producir «The Last in Line», grabado en los primeros meses de 1984 en el mismo Caribou Ranch Studio que se hizo famoso por el LP de Elton John con ese nombre. La banda dio la bienvenida al mismo trío principal de músicos. El guitarrista Vivian Campbell, el bajista Jimmy Bain y el baterista Vinny Appice. Los mismos que tan competentemente tocaron para Ronnie en «Holy Diver». Contribuyendo con excelentes ideas para las canciones, así como con su talento.

🎧 Dio "We Rock" 👇

https://youtu.be/KT5AvKlPWA0

La incorporación del ex tecladista de Rough Cutt, Claude Schnell, también dio nuevas dimensiones a sus esfuerzos, que llegaron el 2 de julio de 1984. Los resultados finales, como podría haber dicho el propio Dio, fueron mágicos.

«We Rock» le aseguró a «The Last in Line» salir por las puertas a toda potencia y a una velocidad vertiginosa, allanando así el camino para la canción homónima y rockeros como «Breathless», «One Night in the City» y «Eat Your Heart Out» que eran tan heavy como llenos de ganchos. Espolvoreados entre estos hubo más muestras de golpes de cabeza de pedal a metal («I Speed at Night», «Evil Eyes»), «Mystery» y un cierre épico plagado de misterio y grandeza en «Egypt (The Chains Are On ).»

Una historia de éxito instantáneo en el mundo entero, «The Last in Line» alcanzó el número 4 en la lista del Reino Unido y el número 24 en los EE. UU.. El álbum obtuvo una certificación de oro dentro de los dos meses posteriores a su lanzamiento. El álbum había alcanzado las ventas de platino al año siguiente. Se convirtió en el primer LP de Dio en obtener esa distinción.

Para entonces, la banda de Dio se había convertido en una máquina haciendo giras. Recorrieron los EE. UU., el Reino Unido y Europa entre junio y fines de 1984. Todo antes de regresar a Niorteamérica para una etapa final que terminó el 27 de enero de 1985. En total, tocaron más de 100 shows con artistas como Whitesnake, Twisted Sister, Queensryche y Dokken como teloneros.

El tour significó quizás el apogeo de la popularidad del grupo. Lo que ayudó a que «The Last in Line» fuera el primero entre los álbumes de Dio para muchos fans.

30/06/2025

A punto ya de su retiro definitivo,junto a Black Sabbath, Ozzy Ousborne produjo discos emblemáticos para la escena musical de los 80 y 90s, que temas conocen?...

30/06/2025

Todo un referente en el mundo del Rock y el Metal!!!!

26/06/2025

Simplemente complicado...

26/06/2025

Un recorrido por los clásicos del terror del cine, un excelente disco!!!

🎧🎧🎧 UN DÍA COMO HOY 🎧🎧🎧

💢El 26 de junio de 2001 se publicó el álbum "Horror Show" de la banda estadounidense Iced Earth. Cumple 24 años💢

Horror Show es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense de heavy metal, Iced Earth.

Se trata de un álbum temático sobre la base de los monstruos clásicos y los iconos de películas de terror, incluyendo Drácula, Frankenstein, The Phantom of the Opera. Fue el primer álbum de Iced Earth con el baterista, Richard Christy, y el único álbum que cuentan con Steve DiGiorgio en el bajo, a pesar de que no salió de gira con la banda. Horror Show se considera generalmente como power metal de liberación, tan poco de las influencias de thrash metal de las obras anteriores de la banda está presente. Este álbum también incluyó el uso más prominente de varios tipos de voces de Matt Barlow, voces como un punto central para las canciones.

Hubo un especial de edición limitada de 2CD conjunto. El segundo disco aparece el tema instrumental "Transylvania" (un cover de Iron Maiden) junto con una entrevista con el guitarrista líder de la banda, el guitarrista rítmico; Jon Schaffer. También hay una versión de un solo disco con "Transylvania", pero sin la entrevista. La canción "Dracula", incluye la línea de "The blood is the life", una cita de Deuteronomio 12:23. Sin embargo, es probable que levantó de la versión de 1992 de Nosferatu, el vampiro, que también cuenta con la línea. Al igual que en "Drácula", muchas de las letras se sacan directamente de las películas que se inspiraron en él. A diferencia de otras versiones, que cuenta con mucho más y por escrito de Matt Barlow.

Al final de la canción de "Damien" hay una sección donde la voz de Matt invierte o repite el mensaje de que también está en la sección central, el silencio de la canción. Por lo tanto, si la canción es tocada al revés, el verdadero mensaje se puede escuchar. Este tipo de voz invertido también fue hecha por Iron Maiden en el principio de su canción "Still Life" de su cuarto álbum de estudio "Piece of Mind".

💢 Tracklist

01) «Wolf»
02) «Damien»
03) «Jack»
04) «Ghost of Freedom»
05) «Im-Ho-Tep (Pharaoh's Curse)»
06) «Jekyll & Hyde»
07) «Dragon's Child»
08) «Transylvania»
09) «Frankenstein»
10) «Dracula»
11) «The Phantom Opera Ghost»

💢 Integrantes

▪︎Jon Schaffer - Guitarra rítmica, Lead, guitarra acústica, voz, teclados
▪︎Matt Barlow - Voz principal
▪︎Larry Tarnowski - Solos de guitarra en todas las canciones excepto "Ghost of Freedom"
▪︎Richard Christy - Batería
▪︎Steve DiGiorgio - Bajo (acreditado como "músico invitado")

🎧 Iced Earth "Horror Show" Full álbum 👇

https://youtu.be/a1qwmWdsisQ?si=VGhpAuusGWBKtseG

25/06/2025

Recuerdan ese clásico?

🎙️ MEN AT WORK: LOS HOMBRES QUE VINIERON DEL SUR
Por un instante, conquistaron el mundo. Luego, se desvanecen como humo sobre el océano Pacífico.

A principios de los años 80, mientras el mundo giraba al ritmo del pop sintético, del new wave elegante y las guitarras brillantes de la MTV, un grupo de cinco australianos con cara de chicos normales rompió todas las expectativas.

Eran Men at Work, y llegaron con algo que nadie había escuchado: una mezcla irreverente de reggae, rock y melodías casi infantiles. Y una flauta. Una flauta que se volvió inmortal.

Con “Down Under”, la canción que olía a eucalipto, desierto rojo y sandwiches de Vegemite, le dieron al planeta su primera gran postal musical de Australia. Parecía una broma, pero no lo era: vendieron millones, estuvieron 15 semanas en el #1 del Billboard, y ganaron un Grammy. Desde Melbourne al Madison Square Garden. Como si nada.

Colin Hay, el líder con voz nasal y mirada irónica, escribía letras que hablaban del absurdo de la guerra, del miedo a la adultez, del sinsentido de la rutina. Y Greg Ham, el multiinstrumentista que soplaba esa flauta mágica, se volvió ícono sin quererlo.

Pero como toda historia brillante, duró poco. Las peleas internas, las giras, el ego, los contratos. En tres años, el grupo ya era historia. Como una estrella fugaz que deja rastro pero no sombra.

Décadas después, “Down Under” sigue sonando en estadios, playlists nostálgicas y películas. Greg Ham murió en 2012, envuelto en la amargura de un juicio por plagio que ensombreció su legado.

Colin Hay, por su parte, siguió adelante. Más maduro, más sabio, más solo. A veces canta aquellas canciones, otras no. Pero todos recuerdan el momento en que cinco tipos, sin look de estrellas ni aspiraciones de eternidad, pusieron al mundo entero a bailar con el sonido del otro lado del planeta.

Men at Work duraron poco. Pero mientras estuvieron, lo hicieron todo bien.

25/06/2025

Inigualable artista sudamericano...para el mundo!!!

25/06/2025

Un Maestro alabando a otro!!!

💢Brian May habla maravillas de Eddie Van Halen: «Fue como ver a Hendrix por primera vez»💢

El legendario guitarrista de Queen evocó cuando vio en vivo a Van Halen, además de indicar las cosas que hacen tan especial a Eddie.

La historia del rock tiene su propio panteón de los mejores músicos que han habitado este planeta. La discusión al respecto casi siempre resulta airada, pero al mismo tiempo, es posible encontrar varias certezas.

Si hablamos de guitarristas, las elecciones más comunes seguro son Jimmy Page (Led Zeppelin) o Jimi Hendrix. Sin embargo, hay otros dos que suelen aparecer en los debates, y estos son Brian May y Eddie Van Halen. Y debemos decir que tienen méritos de sobra.

Fuera del talento y virtusismo que tiene uno y llegó a tener el otro, ambos han tenido y tuvieron la capacidad de reconocer a sus colegas desde la humildad. Y en ese sentido, el integrante de Queen recientemente se ha vuelto a referir a su difunto colega.

💢 Brian May y su recuerdo de Eddie Van Halen

En una nueva entrevista, el Dr. May trajo a cuento la vez en la que vio por primera vez a Van Halen. «Llegué allí temprano, pensando: ¿Me pregunto quiénes son estos de Van Halen? Me pregunto cómo serán«. Y su sorpresa fue épica.

«Me senté a verlos y quedé boquiabierto. Ver a Ed fue como ver a Jimi Hendrix por primera vez. Me quedé boquiabierto».

Al mismo tiempo, Brian recuerda también cómo acabó trabajando con Van Halen en el mini álbum Star Fleet Project. «Fue un paso hacia lo desconocido para mí. Pero fue una oportunidad para divertirme, tocar con tipos que conocía y me gustaban. Y por fin tener la oportunidad de tocar con Ed».

No obstante, la admiración del doctor en física no se limita a eso. Es tanto el respeto que le llegó a tener a Eddie, que sabe muy bien las cosas que lo hicieron especial.

Al mismo tiempo, Brian recuerda también cómo acabó trabajando con Van Halen en el mini álbum Star Fleet Project. «Fue un paso hacia lo desconocido para mí. Pero fue una oportunidad para divertirme, tocar con tipos que conocía y me gustaban. Y por fin tener la oportunidad de tocar con Ed».

«En primer lugar, su espíritu. Era increíblemente optimista, nada era un problema para él», dice para Louder Sound. Agregando que «en todo el tiempo que estuve con él, nunca vi que Ed se sintiera derrotado por nada, nunca vi que ese espíritu flaqueara».

Por otro parte, destaca su increíble destreza. May menciona que Eddie «llevaba a la guitarra las técnicas de un teclista. Alguien como Rick Wakeman puede mover los dedos así de rápido en un teclado. Ed podía hacer eso en la guitarra».

Y por último, el músico puntualiza el «verdadero sentido lírico» que tenía el fundador de Van Halen. «Incluso cuando estaba tocando a esta velocidad increíble, siempre se podía escuchar la melodía. Cantaba a través de la guitarra, como hacía Jimi Hendrix. Y esa combinación de ser capaz de hacer las cosas de una manera muy rápida sin perder el sentido del humor era única», cerró.

🎧 Star Fleet Sessions "Brian May & Friends" 👇

https://youtu.be/xVrX-NHJkz0

23/06/2025

La historia tras un tema que ya es todo un clásico de la cultura mundial!!

💢¿Cómo llegó «You Could Be Mine» de Guns N’ Roses a «Terminator 2»?💢

El single que se lanzó en junio de 1991 se inscribió para siempre en la cultura popular con la cinta protagonizada por Arnold Schwarzenegger.

Si alguien en algún lugar debajo de una roca no estaba seguro de si Guns N’ Roses era una de las bandas más grande del mundo a comienzos de los 90, su asociación con la película más grande del mundo ofrecía la evidencia.

«Terminator 2: Judgment Day» estaba camino a convertirse en un éxito mucho antes de su fecha de estreno. Y la estrella Arnold Schwarzenegger sabía que quería la participación de GNR. Estaba tan decidido que invitó a la banda a cenar con él. Ahí, personalmente hizo un trato con Axl Rose y sus compañeros de banda para usar «You Could Be Mine». La canción se reprodujo durante los créditos finales de la película. Y también sonó durante algunas escenas de acción tempranas.

La producción de la secuela de «Terminator» de 1984 sufrió retrasos en parte porque la tecnología para hacerlo aún estaba en desarrollo. Y de la misma manera que «T2» tuvo sus raíces en los 80, «You Could Be Mine» existía en parte incluso antes de que Guns N’ Roses lanzara su álbum debut de 1987, el indispensable «Appetite for Destruction«.

Durante el primer ensayo de preproducción del disco, los miembros de la banda se sintieron tan cómodos que accidentalmente se les ocurrió una nueva canción. En sus inicios, tenía un título diferente. Y era nada menos que «Cocaine Talking».

En una entrevista de 1988, el bajista Duff McKagan explicó el significado de aquel rótulo, justo después de que alegara que la banda no tenía conexión con las dr**as. «Muchos de los rumores de dr**as sobre nosotros comenzaron porque tenemos una canción llamada ‘Cocaine Talking’ en el álbum. Pero esa canción no es sobre nosotros. Si escuchas la letra, se trata de cómo todas estas agradables jovencitas de Los Ángeles no pueden hacer nada antes de tomar la coca. La canción definitivamente no es una canción a favor de la co***na. Se trata de cómo la mi**da realmente te jode la cabeza».

En 2011, el guitarrista Slash recordó que, excepto por el título el tema no cambió mucho durante sus años en la estantería. «‘You Could Be Mine’ era uno de los riffs de Izzy [Stradlin], y como siempre con Izzy, él tocaba algo y me llamaba la atención. Y yo le seguía el juego, pero con mi propio estilo».

Aunque la canción no llegó al corte final del álbum, la letra «With your bitch-slap rappin ‘and your co***ne tongue, you get nothing’ done», apareció en la portada de «Appetite for Destruction», como un presagio del futuro. Cuando «You Could Be Mine» se convirtió en parte de la futura «T2», Matt Sorum, quien había reemplazado a Steven Adler quien tocaba la batería.

«‘You Could Be Mine’ se destaca porque representa mi entrada en Guns N’ Roses. Recuerdo que tenía este ritmo punk-rock en la parte superior, y por accidente puse ese relleno. Me atreví porque era un gran admirador de Terry Bozzio y él hizo ese relleno, pero unas 10 millones de veces más rápido», dijo Sorum en 2009.

De hecho, en Guns N’ Roses estaba tan entusiasmados con la energía de la creatividad que Rose luego se dio cuenta de que se había puesto las cosas difíciles a sí mismo con más de la cantidad habitual de gritos de estiramiento de rango. «La primera vez que tuve que tocar ‘You Could Be Mine’, mi mente pensó: ‘¿Qué he hecho? ¡Tengo que cantar esto ahora!'», le dijo al presentador de radio Eddie Trunk en 2011.

El video que lo acompaña no escala las alturas presupuestarias que acostumbraban los Guns, pero con la aparición de Schwarzenegger en el personaje del T-800 Terminator, no era necesario. Si bien la mayoría de las escenas se filmaron en un concierto, los momentos finales mostraron a los miembros de la banda saliendo del lugar mientras el cyborg los identificaba como objetivos antes de concluir que eran un «desperdicio de munición». (El guitarrista Stradlin estuvo notablemente ausente de la escena; dejó GNR más tarde ese año).

Lanzado en junio de 1991, como el séptimo single general de Guns N ‘Roses, y el primero que se tomó de los dos álbumes de «Use Your Illusion», «You Could Be Mine» se convirtió en oro en los Estados Unidos. Y se convirtió en un éxito mundial, al igual que la película.

Frank Ferrer, baterista actual de Guns N’ Roses, dijo que era su canción favorita en el setlist de la gira de reunión de Axl Rose con Slash y Duff McKagan. Y señaló que «es muy divertida. Es como cambiar de marcha en un automóvil. Es muy divertido». Aún así, Slash admitió más tarde un arrepentimiento. «Fue escrita durante las sesiones de ‘Appetite’, y siempre sentí que debería haber estado en ese álbum. Es más una reminiscencia de esa época que cualquier otra cosa en los álbumes ‘Use Your Illusion'», dijo en sus memorias de 2008.

🎧 Guns N' Roses "You Could Be Mine" Official Video 👇

https://youtu.be/MXx9S2nDouY?si=-PCenu_RlHvu9x2q

21/06/2025

Lo vieron?...el Rock nacional tiene importantes hitos...

https://youtu.be/1M9ikamdraU?si=8m3K-ooVyBxgdMq4

21/06/2025

Una época espectacular, y una voz potente como pocas. Acá va algo de lo mejor de ese tiempo...
https://youtu.be/sgJASnBcwlo?si=qyDnA-_uTgRUragl

🔥 Dicen que la historia la escriben los que vencen… o los que más camisetas venden. Tony Martin no encabezó portadas, no apareció en biopics, y tampoco tiene documentales llorando su legado.

💥 Pero cuando Black Sabbath parecía una sombra de sí misma, él entró al micrófono con la elegancia de quien sabe que nadie lo espera, pero aún así se impone.

⚡️Cinco discos, un registro vocal que rozaba lo operático, letras con más peso que una cruz de plomo, y una paciencia casi divina para aguantar el eterno “pero no es Ozzy” o “Bruce es otra cosa”. Pues claro que es otra cosa, eso se llama identidad.

🦇 Tony Martin no pidió estrellato. Llegó cuando el barco tambaleaba y, sin hacer escándalo, lo mantuvo a flote. Es como ese actor de reparto que salva la película sin decir una palabra más de lo necesario.

😈 Curioso cómo a veces se recuerda más una caída que quien evitó que todo se viniera abajo.

20/06/2025

Buenos días...y que tengan una excelente jornada!!!

“No tenía nada… excepto una guitarra, hambre y el deseo de no desaparecer. 🎸🖤 Yo no nací en Londres, ni en Nueva York. Nací en Akron, Ohio. Una ciudad gris, con fábricas, donde soñar con el rock era casi una ofensa. Pero mi corazón latía por la música. Así que me fui. Me subí a un avión rumbo a Inglaterra con un par de dólares, mi cuaderno de canciones y la certeza de que allá estaba mi lugar.

La pasé mal. Muy mal.

Dormí en suelos, trabajé de lo que fuera: vendiendo ropa, limpiando. Pasé hambre. Una vez, me ofrecieron casarme solo para poder quedarme en el país. Otra vez, terminé en un pub llorando porque me habían robado todo. Pero no me quebré. Yo sabía que tenía algo que decir.

Toqué con quien se dejara. Fui parte del caos punk de Londres, vi nacer bandas como The Clash y S*x Pistols. Nadie creía en una chica solitaria con guitarra. Nadie apostaba por una mujer al frente de una banda de rock. Hasta que un día... nació The Pretenders.

Y lo demás no fue fácil. Perdí a dos compañeros de banda por sobredosis. Tuve que criar a mi hija sola, mientras giraba por el mundo. Me caí mil veces, pero siempre me levanté con la guitarra en mano.

Soy Chrissie Hynde. He tocado en estadios, he cantado con íconos, he resistido a una industria que muchas veces te quiere moldear… o borrar. Pero nunca dejé de ser yo.

Si estás sola, si estás rota, si todos te dicen que no vas a poder… recuerda esto:
el rock no necesita permiso. Solo necesita verdad". 🎤🔥