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10 Películas/24 Horas, Guadalupe (2026)

13/07/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

Stille Freundin (El amigo silencioso, 2025) de Ildikó Enyedi.

Los ginkgos constituyen una especie de árbol única dentro de su familia. Considerados fósiles vivientes, han conservado sus principales características durante millones de años. Originarios de China, pueden vivir durante siglos y convertirse así en testigos capaces de trascender la fugaz existencia de los seres humanos.

Uno de estos árboles sirve como punto referencia para la directora húngara Ildikó Enyedi. La veterana realizadora dirige y escribe esta película, compuesta por tres historias ambientadas en distintos momentos del siglo XX y comienzos del XXI. Cada periodo es filmado de manera diferente, de acuerdo con su contexto histórico y su sensibilidad particular.

1908, Grete (Luna Wedler) es una joven que comienza sus estudios en la Universidad de Marburgo. Es una de las primeras mujeres en acceder a la educación superior en ese lugar. Sin embargo, pese a la apertura institucional, debe enfrentarse a numerosos cuestionamientos, prejuicios y muestras de rechazo, pues todavía no es aceptada en este espacio. Con el tiempo, Grete encuentra en la fotografía un medio para profundizar en sus investigaciones sobre el mundo vegetal.

-1972, en medio de un mundo cambiante, marcado por las protestas políticas, las transformaciones sociales y el despertar sexual de la juventud, aparece Hannes (Enzo Brumm), procedente de una zona rural, se siente desubicado frente a una realidad que no parece compatible con su personalidad tranquila y reservada. Entonces conoce a Gundula (Marlene Burow), una joven que estudia las reacciones de una planta ante su interacción con los seres humanos, entre ambos comienza a formarse un nexo donde él también se acercará a esta planta.

-2020, Tony (Tony Leung Chiu-Wai) es un neurocientífico hongkonés que llega a la Universidad de Marburgo como profesor invitado. Su intención es presentar sus investigaciones sobre la actividad cerebral de los bebés. Sin embargo, el inicio de la pandemia lo obliga a permanecer solo y aislado en una ciudad extranjera. Durante el confinamiento conoce, mediante videollamadas, a Alice (Léa Seydoux), una botánica francesa.

Tony comienza a interesarse por el antiguo ginkgo del jardín universitario y busca aplicar a este árbol algunos de los métodos utilizados en sus investigaciones científicas. Se trata del mismo ginkgo que fue testigo de los primeros pasos de Grete en la Universidad a comienzos del siglo XX y que también estuvo presente durante la experiencia de Hannes en los turbulentos años setenta. Un testigo silencioso, un amigo silencioso.

Enyedi entrelaza las tres historias de manera progresiva, alternando los relatos sin perder la claridad narrativa. Filma con sobriedad y logra reconstruir con precisión la época de cada período, mientras todo se desarrolla de forma coherente. Una obra atractiva que mezcla los avances científicos más profundos con lo más sencillo, la relación humana con la naturaleza que nos rodea.

28/06/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

Elu ja armastus (Vida y amor, 2024) de Helen Takkin.

Largometraje basado en la novela homónima (1934) de Anton Hansen Tammsaare, considerado el escritor estonio más importante. Tammsaare es autor, entre muchas otras obras, de Tode ja oigus (Verdad y justicia, 1926-1933), texto fundamental de la literatura estonia y una de sus obras más reconocidas tanto a nivel nacional como internacional.

La película se centra en Irma (Karolin Jürise), una joven de campo que llega a la ciudad en busca de mejores oportunidades y con el deseo de convertirse en escritora. Allí es recibida por su prima Lonni (Loviise Kapper), quien la ayuda a adaptarse a su nuevo entorno. Pronto consigue trabajo en una imprenta, aunque este empleo le dura poco, pues Rudolf (Mait Malmsten), el dueño del lugar, la contrata como sirvienta en su casa.

Como era de esperar, entre ambos comienza una historia de amor marcada por las diferencias sociales, económicas y emocionales. Rudolf es un hombre acomodado, divorciado, con experiencia y acostumbrado a vivir con lujos, se aprovechara de su posición para conquista a Irma, que en cambio, es joven, idealista y apenas empieza a enfrentarse una realidad distinta de la que conocía. En medio de esa relación, ella se debate entre seguir sus sentimientos o escuchar a la razón, mientras los problemas entre ambos aparecen de inmediato.

Este es el primer largometraje de la realizadora Helen Takkin, quien también firma el guion junto con Martin Algus, experimentado guionista estonio. Ambos construyen una historia que avanza con claridad y fluidez. Desde temprano se percibe el rumbo de la obra: una relación inquietante, atravesada por actitudes tóxicas y por una evidente desigualdad de poder.

Hay sobresaltos, infidelidades, intento de rupturas, regresos, perdones, reiteración de patrones, y mucho llanto en un matrimonio que apenas logra sostenerse. Takkin consigue ambientar muy bien la película en la época en que fue escrita la novela, y las actuaciones cumplen con solvencia. Destaca especialmente Karolin Jürise, quien carga con el peso emocional y actoral del filme.

Elu ja armastus es un drama de época al que hay que rescatarle que no es meloso, no vende una idea romántica que luego se rompe, por el contrario, desde el inicio de la relación se siente un aire tenso e incorrecto, que solo se confirma con el pasar del metraje, es una propuesta agradable con buen cierre, correcta, sin deslumbrar.

17/06/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

À bras-le-corps (Rebelión silenciosa, 2025) de Marie-Elsa Sgualdo.

Suiza, 1943. Emma (Lila Gueneau) es una joven que trabaja como sirvienta de la acaudalada familia de su amiga Colette (Sasha Gravat), ella es contendiente a ganar un premio que le ayudará a llevar sus estudios de enfermería. Durante un paseo de campo, Louis (Cyril Metzger) , un joven burgués amigo de la familia abusa de ella y queda embarazada, Emma deberá afrontar su estado en un contexto social que inevitablemente la va a señalar.

Se trata de un pequeño pueblo donde todos se conocen, conservador y regido por la normas morales de hace 80 años, con un marcado énfasis en la familia, el matrimonio y los hijos, las buenas costumbres. Donde la situación de Emma es una clara afrenta a todo ese ideal, lo que resulta más fácil es atacar a la mujer y señalarla por “su problema.”

De ahí que Emma tenga múltiples dudas por su condición, más aún porque vive bajo la sombra de su madre que abandonó a su familia tiempo atrás, dejándola sola junto con su padre e hijos, ella convertida en una eventual madre adolescente y soltera la deja en una condición sumamente vulnerable, con sus sueños de superación y estudio quedando en el olvido.

Más que afrontar su situación como una víctima, el guion escrito por Nadine Lamari y la propia directora, decide establecer en Emma unos ideales de fuerza e irreverencia ante la tempestad, buscando afrontar su problema bajo las condicionantes que pueda, de ahí el título del filme, esa frase de luchar de frente con el cuerpo a pesar de lo complejo de su situación.

À bras-le-corps está muy bien interpretada, Gueneau debe contener mil emociones y se muestra sobria, mientras el resto del elenco se presenta falto de expresiones, construidos bajo una máscara social que los hace actuar de esa forma. Buen desarrollo y buen estado de culpa, el filme padece con un final muy abrupto que corta rápida y fácilmente la línea manejada por el argumento.

06/06/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

Maria's Silence (2024) de Davis Simanis Jr.

Película letona que sigue a la veterana actriz Maria Leiko (Olga Sepicka), una interprete consagrada al teatro y ligada al cine mudo alemán, en su llegada a la Unión Soviética. Al arribar, debe hacerse cargo de su nieta recién nacida tras al fallecimiento de su hija durante el parto. Sin embargo, debido a las presiones estatales, no puede salir del país, por lo que termina instalándose en Moscú y comienza a trabajar en una compañía de teatro letona en ese país.

En ese espacio se prepara la puesta en escena de una obra, pero pronto surgen dificultades en sus presentaciones. Las autoridades soviéticas, encabezadas principalmente por el oficial Jekabs Peterss (Arturs Skrastins), comienzan a ejercer presión sobre el grupo teatral y, en particular, sobre Maria. La persecución se intensifica hasta su capturar, tortura y silencio, dando pleno sentido al título del largometraje.

Nuevo largometraje del director Davis Simanis Jr., uno de los realizadores letones contemporáneos más reconocidos. Su filmografía de ficción suele moverse en épocas cercanas a las guerras mundiales, o directamente dentro de ellas, con historias centradas en personas que, de una u otra forma, quedaron atrapadas por los grandes procesos políticos del siglo XX. El guion fue escrito por el propio director en conjunto con Magali Negroni y Tabita Rudzate.

Maria's Silence es un filme que mantiene cierta distancia emocional con el espectador. Su fría fotografía en blanco y negro, a cargo de Andrejs Rudzats, refuerza una atmósfera seca, opresiva y casi fantasmal. Además algunas escenas incorporan un tono cerrado al documental, utilizado para contextualizar la época y situar la historia en los años del Gran Terror en la URSS, cuando el Estado soviético, movido por la paranoia política, persiguió, encarceló y ejecutó a cientos de miles de personas.

El filme se toma su tiempo para presentar el contexto histórico y el estado emocional de sus personajes. Se desarrolla lentamente, aunque con buen pulso narrativo, construyendo una atmósfera de presión constante. El cierre, eso sí, se siente abrupto, con una resolución rápida y hasta cierto punto previsible. Aún así, Maria's Silence cumple con claridad lo que propone: mostrar una parte de las injusticias provocadas por un sistema político sofocante.

03/06/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

22 Bahnen (22 largos, 2025) de Mia Maariel Meyer.

Película alemana protagonizada por Tilda (Luna Wedler), una joven que vive con su madre alcohólica (Laura Tonke) y con Ida (Zoë Baier), su hermana menor. Tilda es, en la práctica, la cabeza de la familia: su madre se pierde entre el alcohol, por lo que ella debe cuidar de Ida, trabajar en un supermercado, continuar sus estudios avanzados de matemática en la universidad y mantener su rutina de natación.

Durante uno de sus entrenamientos en la piscina ve a Viktor (Jannis Niewöhner), un joven que le despierta interés y con quien pronto comienza a relacionarse. Este encuentro funciona como detonante de un suceso ocurrido tiempo atrás, que la protagonista comienza a recordar de manera fragmentada. Poco a poco, esos recuerdos le dan al espectador mayor claridad sobre lo sucedido y sobre la forma en que ese episodio marcó a Tilda. Por ello, el recurso del flashback resulta indispensable para la construcción del relato.

El filme se desarrolla a partir de dos líneas principales. Por un lado, está la relación de Tilda con su hermana y su madre, que es la dimensión argumental con mayor peso emocional. Por otro, aparece la trama del pasado, que se va revelando poco a poco. Sin embargo, por la forma en que es presentada, esta segunda línea no siempre se siente tan fuerte ni tan integrada al entramado general de la obra. Es importante para comprender a la protagonista, pero no alcanza la misma presencia dramática que el conflicto familiar, aunque debería.

La película está basada en la novela homónima (2023) de la autora Caroline Wahl, y cuenta con guion escrito de Elena Hell. Puede verse como un coming-of-age tardío: Tilda no es una adolescente, pero atraviesa una etapa decisiva de su vida. Está cerca de dar un paso importante en sus estudios universitarios, mientras enfrenta crisis familiares, vínculos afectivos complejos y tensiones dentro de su grupo de amistades.

22 Bahnen da mucho énfasis a la introspección de su personaje principal. Esto se percibe tanto por la carga emocional que sostiene Tilda como por el uso reiterado de su voz interior, que acompaña diversas escenas y permite acceder a sus pensamientos. El elenco resulta acertado y el desarrollo de la historia mantiene un pulso sobrio, con un clímax efectivo. En conjunto, es un trabajo correcto, sensible y bien hecho.

01/06/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

Le Temps d'aimer (El tiempo de amar, 2023) de Katell Quillévéré.

Película ambientada justo al final de la Segunda Guerra Mundial, cuyo relato se extiende a lo largo de aproximadamente unos veinte años. Madeleine (Anaïs Demoustier) es una joven camarera con un pequeño hijo, Daniel (interpretado por distintos actores según la etapa de la historia), y arrastra un pasado que preferiría olvidar, aunque para su hijo ese pasado resulta esencial, pues está directamente relacionado con la identidad de su padre.

Un día, Madeleine conoce a François Delambre (Vincent Lacoste), un joven estudiante de familia adinerada con quien inicia una relación que termina en matrimonio. Pero François también carga con un pasado que desea ocultar para poder sostener su nueva vida. A la vez, debe ganarse la confianza de Daniel, quien mantiene un interés cada vez más fuerte por conocer la verdad sobre su padre biológico.

Como se ha dicho, el filme se desarrolla en varias épocas bien marcadas. Después de ciertos sucesos clave, la narración salta hacia una nueva etapa. Estas transiciones están muy bien realizadas y no le restan peso dramático a la historia; al contrario, permite percibir el desgaste de los personajes, sus transformaciones y la aparición de nuevas figuras que rápidamente ayudan a definir cada momento del relato.

Nuevo largometraje de la realizadora Katell Quillévéré, con guion escrito junto con Gilles Taurand, un drama romántico al que se le agradece no caer en el melodrama más evidente. El romance se aleja de los arquetipos comunes, donde los silencios, la falta de afecto y los pactos emocionales son difíciles de sostener. De hecho, la propuesta es cualquier cosa menos amable para su trío de protagonistas, cada uno lleva una carga íntima.

Las actuaciones están correctas, así como la ambientación, Quillévéré utiliza el contexto histórico a lo largo del metraje, la Segunda Guerra Mundial opera como detonante, pero el contexto sigue presente en años posteriores sin convertirse tampoco en una clase de historia. Correcto trabajo, sobre la culpa, la maternidad y el deseo reprimido.

29/05/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

Hotel P**a (2023) de Andrej Korovljev.

Guerra de los Balcanes, 1995. Cientos de refugiados bosnios son enviados a vivir a Croacia; algunos son hospedados en hoteles que funcionan como centros de desplazados, donde tendrán que esperar. Uno de ellos es el Hotel P**a, donde vive Mahir (Ermin Bravo), un hombre adulto del que poco se conoce sobre su pasado, salvo el carácter tormentoso del conflicto que se menciona al inicio del filme. Él mismo rehuye de esos recuerdos, evita enfrentarlos.

Una (Nika Grbelja) es una joven de 18 años que vive cerca del hotel. Ambos se cruzan, se conocen y, a pesar de la diferencia de edad y de sus contextos tan disímiles, entablan un vínculo. Identifican sus diferencias, se interesan el uno por el otro y, en el fondo, ambos buscan escapar de situaciones propias de sus respectivos mundos, convirtiéndose gradualmente en un apoyo mutuo.

Hotel P**a es el largometraje de ficción debut de Andrej Korovljev, realizador precisamente originario de P**a, ciudad ubicada al noroeste de Croacia, en la península de Istria. El filme está basado en la novela P**a (2010) del escritor Vladimir Stojsavljevic, mientras que el guion recae en Ivan Turkovic Krnjak.

Es evidente que el contexto del conflicto balcánico de los noventa permanece latente a lo largo del filme. De hecho, su primera secuencia resulta muy potente: sin recurrir a violencia gráfica, un testimonio enmarca la crueldad de la guerra. Conforme avanza el metraje, esta presencia se mantiene de distintas formas, como el peso emocional que arrastra el protagonista.

La película es una propuesta sencilla que se desarrolla de buena forma; su metraje es el idóneo. Salvo los protagonistas, no se profundiza demasiado en los personajes secundarios, aunque tampoco parece necesario: el centro del relato son Mahir y Una, junto con la carga emocional que ambos arrastran y que el filme explora progresivamente con el paso de los minutos. Correcta.

26/05/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

Follemente (LocaMente, 2025) de Paolo Genovese.

Piero (Edoardo Leo) y Lara (Pilar Fogliati) quedan para una cita en casa de ella. Ambos se enfrentan a las típicas dudas, torpezas y risas nerviosas de quien intenta conocer a alguien y, sobre todo, agradarle. ¿Cómo actuar ante estas situaciones? Cuatro personalidades en la mente de cada uno dialogan, debaten y toman decisiones para intentar llevar por la mejor senda las acciones de él o de ella, según sea el caso.

Con esa base argumental es inevitable pensar en Inside Out (2015) de Pete Docter y Ronaldo Del Carmen. La idea de las emociones dentro de la cabeza de los protagonistas es demasiado evidente. Bien puede verse Follemente como una versión para adultos de aquella propuesta, una comedia romántica donde sus personajes se plantean asuntos propios de la adultez: tener s**o o no, pasar la noche juntos o no, exponerse emocionalmente o mantener una distancia prudente.

Paolo Genovese dirige esta propuesta. El realizador italiano ha mantenido una marca bastante reconocible durante la última década, incluso con éxito fuera de Italia: películas de elencos amplios donde, generalmente, explora las relaciones humanas desde el ámbito de la comedia. Son trabajos sencillos, pensados para conectar con un público amplio, sin demasiadas complicaciones formales.

Follemente calza a la perfección dentro de su línea fílmica. Genovese también participa en el guion junto con dos nombres acostumbrados a acompañarlo en esta departamento: Isabella Aguilar y Paolo Costella, además de dos incorporaciones nuevas: Lucia Calamaro y Flaminia Gressi. Es también una costumbre en buena parte de sus películas contar con un cuerpo de guionistas tan amplio como los elencos de sus largometrajes.

En sí, la película es un retrato común: dos personas que se conocen e intentan agradarse. No es nada nuevo, y la forma en que se presenta, mediante estas personalidades internas, aporta poco. Quizá lo único realmente divertido, donde el concepto realmente encuentra una conexión más ingeniosa, es en la escena de s**o. Sin embargo, en general, la propuesta se pierde entre conversaciones típicas y monótonas de dos personajes conociéndose.

25/05/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

La Grazia (2025) De Paolo Sorrentino.

Película que sigue a Mariano De Santis (Toni Servillo), el presidente de la República Italiana, un hombre mayor que afronta los últimos seis meses de su mandato, período en el que transcurre el filme. De Santis se muestra como un hombre sobrio, prudente y, sobre todo reflexivo, no solo en el ámbito laboral, sino también en el personal, marcado por la muerte de su esposa tiempo atrás y, especialmente, por la infidelidad de ella cuarenta años atrás, aunque la ama, esto le atormenta.

Su hija Dorotea (Anna Ferzetti) es una de las consejeras más cercanas de su mandato. Abogada como él, trabaja de cerca en los casos más importantes de su gestión, que en la película se reducen a dos grandes asuntos. Por un lado, está la ley de eutanasia que se desea aprobar, tema que será parte de sus conversaciones con el Papa (Rufin Doh Zeyenouin), un excéntrico pontífice, como suele gustarle representarlos a Sorrentino.

El otro asunto son, en realidad, dos peticiones de indulto: una para Cristiano Arpa (Vasco Mirandola) y otra para Issa Rocca (Linda Messerklinger). En ambos casos, estas personas asesinaron a sus respectivas parejas; sin embargo, a pesar de la gravedad de los crímenes, las condiciones que rodean cada caso y a los propios personajes dejan abierta alguna posibilidad para el perdón presidencial.

Paolo Sorrentino lleva por lo menos quince años situado en la cumbre cinematográfica italiana, europea y mundial, aunque incluso podría decirse que está algo infravalorado. Si bien sus obras suelen ser bien recibidas, no siempre aparece mencionado con la misma fuerza dentro del grupo de cineastas contemporáneos considerados icónicos o abiertamente alabados. Su cine ya está claramente caracterizado: música moderna, cámara lenta, luces neón, una figura fuerte fuerte, muchas veces introspectiva, y una exploración constante de la relación entre el poder, la iglesia y la culpa.

La Grazia cumple con todos esos elementos, y los cumple bien. Servillo, desde hace tiempo actor fetiche del director, realiza un trabajo soberbio. Es un intérprete con una presencia alucinante, y no en vano obtuvo el premio a Mejor actor en el Festival de Venecia, donde se estrenó el filme. Su personaje, aunque es presidente y se muestra firme y elocuente, en el fondo está cansado; los fantasmas personales lo persiguen. Sorrentino mueve los hilos narrativos con una sobriedad magnifica, construyendo una obra de enorme refinamiento visual y argumental.

24/05/2026

Vista en el Festival de Cine Europeo- Costa Rica 2026.

Four Mothers (2024) de Darren Thornton.

Edward (James McArdle) es un escritor irlandés que ha alcanzado el éxito con su novela Aeons, centrada en la relación entre dos jóvenes g**s a lo largo de varios años. Su obra ha ganado notoriedad en Estados Unidos gracias a plataformas como TikTok, motivo por el cual, junto con su publicista, empieza a planificar una gira promocional de un par de semanas, mientras por el momento concede entrevistas por medio de internet.

Sin embargo, el protagonista no puede dejar su hogar fácilmente, ya que cuida a Alma (Fionnula Flanagan), su anciana madre, quien no puede valerse por sí misma y ha perdido el habla tras sufrir un derrame tiempo atrás. Edward se ve dividido a lo largo del metraje entre su trabajo y una oportunidad única, por un lado, y el cuido de su madre, por el otro, con todas las dificultades que esa responsabilidad implica.

Para empeorar una situación ya de por sí complicada, dos amigos cercanos y su terapeuta deciden ir a un festival gay en España y dejan bajo su cuido a sus respectivas madres, sin pedir permiso ni consultar. Edward tendrá, durante un puñado de días, a cuatro ancianas a su cargo, cada una con sus particularidades.

Segundo largometraje de Darren Thornton, quien tuvo su debut con A Date for Mad Mary (2016), obra que también bordea temas vinculados con la homosexualidad. En Four Mothers, este elemento funciona como un eje importante, tanto por el detonante ya mencionado -el cuido de las cuatro madres- como por cierto peso emocional que el protagonista arrastra en relación con su padre, fallecido años atrás, y que en el clímax fílmico emerge con intensidad.

El filme fue escrito por Darren junto con su hermano Colin. Se trata de una obra que busca ser cálida, sencilla y divertida, pero poco más. Solo el personaje de Edward está desarrollado con verdadera atención; los demás funcionan más como excusas para sostener la construcción del relato, incluidas las otras “tres madres”, que carecen de profundidad o interés. Cada una podría intercambiarse con la otra sin problema alguno.

El conflicto laboral vivido por el protagonista funciona, aunque pudo resolverse de manera más sencilla. El drama personal con su ex apenas se insinúa, sin demasiado trasfondo, y lo mismo ocurre con la relación con su padre, que pudo haberse explorado con mayor profundidad, pero queda reducida a una única secuencia. Eso sí, dicha escena es el mejor momento de la película, donde por fin asoma una tensión emocional más compleja, pero que no dura nada.

10 Películas/24 Horas

13/07/2026

28/06/2026

17/06/2026

06/06/2026

03/06/2026

01/06/2026

29/05/2026

26/05/2026

25/05/2026

24/05/2026

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