Kultuor, Paris (2025)

18/09/2025

🖼️ Nature morte à la nappe
👨‍🎨 Auguste Herbin (1882-1960)
🎨 Huile sur Toile
📅 (1937)
📏 80 x 100 cm

✒️Auguste Herbin (1882-1960) est un peintre français, pionnier de l’art abstrait et du cubisme. Né à Quiévy, Nord, il étudie à l’École des Beaux-Arts de Lille (1898-1901) avant de s’installer à Paris. Influencé initialement par l’impressionnisme et le postimpressionnisme, il expose au Salon des Indépendants dès 1906. En 1909, il rejoint le Bateau-Lavoir, côtoyant Picasso, Braque et Gris, ce qui l’amène au cubisme. Dès 1917, il produit ses premières œuvres abstraites, explorant des formes géométriques colorées. Cofondateur du groupe Abstraction-Création (1931), il développe dans les années 1940 son « alphabet plastique », une méthode synesthésique associant couleurs, formes et sons. Malgré une hémiplégie en 1953, il continue de peindre avec sa main gauche jusqu’à sa mort à Paris en 1960.

Nature morte à la nappe (1937, huile sur toile, 80 x 100 cm, signée et datée « Herbin 37 ») est une œuvre cubiste d’Auguste Herbin, exposée à la galerie HELENE BAILLY. Cette peinture s’inscrit dans la période où Herbin oscille entre cubisme et abstraction, avant son passage définitif à l’art non figuratif.

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16/09/2025

La baie de Marseille vue depuis L'Estaque
Paul Cézanne
1885
Huile sur toile
Art Institute of Chicago, Chicago, IL, .et Mme
M. Martin A. Ryerson Colection (1933.1116).

« Une œuvre d'art qui n'est pas née d'une émotion
n'est pas de l'art. »
Paul Cézanne (1939-1906)

Dans une lettre adressée à son ami et professeur Camille Pissarro, Paul Cézanne comparait la vue sur la mer depuis L'Estaque à une carte à jouer, avec ses formes et ses couleurs simples. La configuration et les couleurs du paysage le fascinaient. Ce tableau fait partie d'une douzaine de vues similaires créées par l'artiste dans les années 1880. Cézanne a divisé la toile en quatre zones : l'architecture, l'eau, la montagne et le ciel. Bien que ces quatre éléments soient récurrents dans les peintures impressionnistes, l'œuvre de Cézanne est très différente de celle de ses collègues artistes. Alors que leur objectif premier était de rendre compte des effets éphémères de la lumière, Cézanne s'intéressait à la structure et à la composition sous-jacentes des vues qu'il peignait. Remplissant la toile de formes définies par des couleurs vives et contrastées et un réseau complexe de lignes horizontales, verticales et diagonales, il a créé un motif très compact et dynamique représentant l'eau, le ciel, la terre et le village, qui renvoie à la fois aux peintures de paysages traditionnelles et annonce les innovations du cubisme. À l'aide de coups de pinceau en forme de blocs pour construire l'espace, Cézanne a créé une composition qui semble à la fois bidimensionnelle et tridimensionnelle. Ses formes, qui ne sont pas figées, semblent se toucher et se déplacer continuellement, créant une impression de volume et d'espace qui renforce la composition et lui donne vie.

(Extrait attribué à l'Art Institute of Chicago.)

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16/09/2025

Le visage vieux de 3350 ans d'une tête inachevée
d'une statue composite de la reine Néfertiti,
mise au jour par John Devitt Stringfellow
Pendlebury et James Hilary Sheffield
Waddington dans les années 1930.
Des répliques ont largement circulé, mais l'original, conservé au Caire, est véritablement saisissant.

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14/09/2025

🖼️ Arbre (A Tree)
👨‍🎨 Albert Saverys (Belgian, 1886-1964)
🎨 Huile sur Toile
📅 (1915)
📏 55 x 45 cm

✒️Albert Saverys était l'un des plus jeunes membres de la deuxième génération de peintres de Latem. À l'Académie de Gand, il résista aux efforts de ses maîtres qui voulaient le classer dans l'une des écoles dominantes. Saverys développa d'abord son style mature avec, comme le dit Haesaerts, « un certain divisionnisme même à grands coups de pinceau ». Cette œuvre est un exemple typique de cette période divisionniste, avec des couleurs subtiles et une division claire des plans. Vers 1925, Saverys préférait peindre des paysages, principalement des paysages hivernaux enneigés, qui présentent une ressemblance avec Valerius De Saedeleer et nous rappellent parfois les paysages vallonnés de Breughel.

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13/09/2025

🖼️ Attersee
👨‍🎨 Gustav Klimt
🎨 Huile sur Toile
📅 1900
📏

✒️ L'Attersee, l'une des destinations de vacances préférées de Gustav Klimt, est ici représenté d'une manière à la limite de l'abstraction, ce qui était très inhabituel à l'époque. Sa composition radicale est impressionnante ; Klimt utilise presque exclusivement le carré du tableau pour représenter la surface de l'eau à l'aide de taches turquoise. Le seul point d'horizon discernable peut être identifié dans les cimes sombres des arbres qui émanent de l'île de Litzlberg dans le coin supérieur droit. Les critiques contemporains, qui ont vu l'œuvre pour la première fois lors de la cinquième exposition de la Sécession en 1901, ont réagi avec enthousiasme. Ludwig Hevesi a déclaré : « Un cadre rempli d'eau du lac Attersee, rien d'autre que de courtes vagues grises et vertes qui se fondent les unes dans les autres. »

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13/09/2025

🖼️ Orchard
👨‍🎨 Gustav Klimt
🎨 Huile sur Toile
📅 1907
📏 100.17 × 100.33 cm

✒️Gustav Klimt (1862-1918), peintre symboliste autrichien né à Vienne, est un fondateur du mouvement Sécession de Vienne et une figure emblématique de l'Art Nouveau. Formé à l'École des arts décoratifs de Vienne, il débute avec des fresques académiques pour des bâtiments publics, avant d'évoluer vers un style orné, érotique et décoratif, influencé par le symbolisme et le japonisme. Ses œuvres majeures, comme Le Ba**er (1908) et Portrait d'Adele Bloch-Bauer I (1907), explorent la sensualité féminine avec des motifs dorés et des patterns byzantins. Mort d'une pneumonie, son œuvre a révolutionné l'art moderne, atteignant des records aux enchères.

Orchard (1907, huile sur toile, 110 x 110 cm), paysage post-impressionniste du maître autrichien Gustav Klimt, capture un verger printanier au crépuscule avec une structure claire : un horizon élevé et un tronc d'arbre central dominant la composition. Des troncs élancés aux branches fleuries en blanc et rose se détachent sur un ciel vespéral bleu-vert, évoquant une atmosphère sereine et symbolique. Exposé à la 7e Exposition Sécession en 1900, ce tableau, décrit comme un "paysage atmosphérique délicieux" par le critique Ludwig Hevesi, reflète la transition de Klimt vers des thèmes naturels introspectifs, acquis par le mécène Fritz Waerndorfer.

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13/09/2025

🖼️ Jari
👨‍🎨 Baek Duri
🎨 Huile sur Toile
📅 2023

✒️Baek Duri (née en 1984, Corée du Sud) est une peintre et illustratrice contemporaine, diplômée du département de Design Visuel de l'Université Hongik. Spécialisée dans l'exploration des dualités quotidiennes (lumière/ombre, vigilance/attention, chance/intention), elle utilise une palette minimaliste de verts et jaunes en acrylique pour dépeindre des scènes naturelles – arbres, roches, racines – où la lumière filtre à travers le feuillage, symbolisant la volonté de vie et l'interaction symbiotique des opposés. Issue d'une pratique en illustration pour livres, magazines et publicités, elle participe régulièrement à des expositions internationales, notamment à la Woaw Gallery à Hong Kong, et ses œuvres évoquent une sérénité contemplative au milieu du chaos.

Jari of Light (série, 2023, acrylique sur toile, dimensions variables, ex. : 116,8 × 80,3 cm), œuvre emblématique de Baek Duri, capture l'interaction poétique de la lumière et de l'ombre filtrant à travers des éléments naturels comme des feuilles ou des racines, dans une palette limitée de verts et jaunes. Inspirée par les dualités existentielles, cette peinture minimaliste évoque un moment de collision entre opposés – clarté et obscurité – symbolisant la quête de vie et une sérénité introspective, invitant le spectateur à méditer sur la symbiose entre lumière éphémère et profondeur cachée.

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12/09/2025

Ankhesenamoun sert son mari Toutânkhamon

Sur l'un des panneaux dorés du petit sanctuaire découvert dans la tombe du jeune roi, Toutânkhamon est représenté assis, tendant un plateau de fleurs de lotus tout en tenant ce qui semble être le fruit rond de la mandragore. Devant lui, Ankhesenamon verse un liquide sur les fleurs, tout en tenant un autre bouquet dans sa main libre.
À première vue, il s'agit d'une simple offrande, mais ce geste pourrait faire allusion à une pratique plus profonde et plus sensuelle. Dans les banquets égyptiens et l'imagerie rituelle, les lotus n'étaient pas seulement des symboles de renaissance, ils étaient imprégnés de vin ou d'eau pour libérer leurs propriétés narcotiques, produisant un état d'ivresse onirique associé à la déesse Hathor.

Le fait de verser du liquide dans les fleurs peut donc représenter une indulgence partagée dans cette « ivresse d'Hathor » sacrée, une fusion d'amour, de plaisir et de renouveau divin.

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11/09/2025

🖼️ Le Rapt à l'age de pierre
👨‍🎨 Paul Joseph Jamin
🎨 Huile sur Toile
📅 1888

✒️Le Rapt à l’âge de pierre (1888, huile sur toile, Musée des Beaux-Arts de Reims), peint par l’artiste académique français Paul Jamin, dépeint une scène dramatique de la préhistoire. Dans un corridor rocheux, un homme vêtu d’une peau de bête enlève une femme nue qui se débat, tandis qu’un autre, orné de plumes, étrangle le ravisseur par derrière. Cette composition, empreinte de tension et de violence, reflète l’imaginaire romantisé du XIXe siècle sur la brutalité des temps primitifs, avec un style réaliste et théâtral.

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11/09/2025

Peinture maya antique dans le Temple des Murales, Bonampak, Mexique. Datant d'environ 790 après J.-C.

Cette scène, rendue avec précision et élégance, représente une danse rituelle costumée.
Un groupe masqué de dieux et d'animaux aquatiques rejoue un mythe sur les thèmes de la fertilité et de la transformation. Des nénuphars poussent sur leurs coiffes et leurs membres. Deux divinités échangent un épi de maïs, symbolisant l'acte de création et la graine de la renaissance future. À gauche, des musiciens de la cour jouent de grandes trompettes en bois pour renforcer le caractère dramatique de la scène.
Le moment de la transfiguration de l'humain en crocodile est suggéré par les deux figures masculines assises, dont la première porte une coiffe blanche thériomorphe élaborée. Elle est également ornée d'un collier de jade bulbeux dont la forme fait écho aux écailles du masque de crocodile qu'elle désigne.

À droite, un danseur représentant une écrevisse lève les bras dans un geste dramatique. Le dernier personnage, probablement une divinité, porte un masque en forme de crâne et une coiffe en forme de nénuphar avec un poisson. Il tient un tunkul blanc, un tambour à fente en bois encore utilisé aujourd'hui dans de nombreuses régions d'Amérique centrale.

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11/09/2025

🖼️ Ewaso Niro
👨‍🎨 Michael Armitage (Kenyan, b. 1984)
🎨 Lithograph on paper hand finished with ink, watercolour
📅 2016-17

Ewaso Niro (2016-2017, lithographie avec encre, aquarelle, crayon de couleur et crayon Conté sur papier, 73 x 88,3 cm), œuvre du peintre kényan-britannique Michael Armitage, dépeint un paysage vibrant de la rivière Ewaso Ng’iro au Kenya. Une mangrove centrale, entourée de tourbillons colorés, structure une scène où la faune et des danseuses Baikoko, presque dissimulées, se fondent dans un environnement luxuriant. Réalisée en édition limitée (20 exemplaires uniques), cette lithographie mêle méditation personnelle et commentaires socio-politiques, capturant la richesse et les tensions de l’Afrique de l’Est avec une palette onirique.

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11/09/2025

🖼️ Le printemps
👨‍🎨 Claude Monet
🎨 Oil on Canvas
📅 1886
💿 Fitzwilliam Museum, Cambridge

✒️ Le Printemps de Claude Monet, datant de 1886.
Ce tableau semble abstrait et donne l'impression d'être en mouvement. La façon dont Monet peint les arbres et le paysage donne l'impression que le temps passe. L'équilibre apporté par les deux personnes assises sur l'herbe rend cette œuvre plus réelle et lui donne tout son sens.
Ce qui est frappant, c'est que Monet ne peint pas vraiment chaque détail de ses œuvres. Cependant, les coups de pinceau flous rendent la scène du tableau très réaliste. J'aime l'idée que l'art n'a pas besoin d'être parfait pour susciter des émotions.

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18/09/2025

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