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【DESIGN】 將用完即棄變成永久珍藏 Precious Price Tag Pins價錢牌胸針在日常購物經驗裡，價格標籤往往是最容易被忽略的東西，它貼在商品一角，完成任務後便被丟棄。藝術家Lucie Davis卻反其道而行，將這種短暫...
11/09/2026

【DESIGN】 將用完即棄變成永久珍藏 Precious Price Tag Pins價錢牌胸針

在日常購物經驗裡，價格標籤往往是最容易被忽略的東西，它貼在商品一角，完成任務後便被丟棄。藝術家Lucie Davis卻反其道而行，將這種短暫、廉價而大量生產的零售標籤，重新製作成銅與琺瑯製造的精緻胸針，讓原本代表「價格」的符號，轉化為值得收藏與佩戴的物件。

這件名為「Precious Price Tag Pins」的作品，延續Lucie Davis對日常物件重新賦予價值的創作脈絡，她過去曾以倫敦Oyster卡為靈感製作阿加力膠指甲，而這次則將焦點放在更耳熟能詳的價格貼紙。

設計的起點，來自她大學期間在商店工作的經驗，長時間與這些標籤相處後，她開始注意到那些通常被視為瑕疵的細節：印刷留下的痕跡、紙張的摺痕、被碰觸後產生的彎曲面，以及貼紙邊角逐漸翹起的狀態，這些微小而短暫的痕跡，最後成為作品最特別的部分。

Lucie Davis以銅片重新建立它們的輪廓，再透過雷射雕刻將原本熟悉的文字與圖像細節轉印到金屬表面，然後每枚胸針都會經過傳統琺瑯工藝，以窯燒方式固定在金屬上，形成具有光澤、更加持久的表面。

真正讓這批胸針顯得獨特的，正是製作過程中的不完美。Lucie Davis刻意嘗試不同的燒製溫度與時間，甚至讓部分作品出現欠燒或過燒的狀況，觀察溫度變化如何改變琺瑯的色澤、肌理與表面質感。

因此，每一枚胸針都帶有不同程度的變化，有些差異來自刻意實驗，有些則是窯爐本身無法完全預測的結果。Lucie Davis所做的並不只是形式上的轉換，更像重新觀看消費文化，那些平時被我們用完即棄的細節，在她手中被放慢並保存下來。
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【ARCHITECTURE】 不是滑板公園，是古典園林與當代建築結合的公共藝術裝置初看海月劇場，不少人會以為它是一個滑板公園。實際上，這組由巨浪、月洞、松池與階梯構成的空間，是一件以中式園林回應潮汐、詩歌與現代城巿生活的公共藝術作品。位於中...
10/09/2026

【ARCHITECTURE】 不是滑板公園，是古典園林與當代建築結合的公共藝術裝置

初看海月劇場，不少人會以為它是一個滑板公園。實際上，這組由巨浪、月洞、松池與階梯構成的空間，是一件以中式園林回應潮汐、詩歌與現代城巿生活的公共藝術作品。

位於中國寧波杭州灣新區市民中心公園的海月劇場，由中國美術院建築藝術學院教授及造園建築工作室建築師王欣設計，為第三屆寧波杭州灣新區國際公共藝術邀請展的作品。它雖名為劇場，卻不是傳統意義上的劇院。它沒有固定座位、舞台幕布或明確入口，只因建築本身就是舞台、看台、園林裝置與遊戲地景的混合體。

作品的起點，是公園湖邊一座只完成了地基的廢棄碼頭。造園建築工作室沒有把它拆除或以新建築覆蓋，而是把原有結構視作「未完成的殘局」，重新轉化成一件可被使用的公共藝術。在20位受邀創作者中，王欣是唯一以建築師身份參與者，因此他嘗試回答一個問題：建築師如何以公共藝術回應一座從潮灘上迅速發展的新城？

海月劇場最鮮明的形態，是一組由一片大浪及三片小浪交疊而成的混凝土曲面。整體由東向西推進，呼應杭州灣潮水方向。面向道路的小浪形成階梯式看台，大浪則構成舞台與視線屏障。當人坐滿階梯，觀眾本身亦成為「人浪」。兩艘由平台延伸出的船形座位，則像劇場中的貴賓席。表演者可穿過大浪中的圓形月洞出場，觀眾則沿浪脊坐下觀看，令整個空間成為一個沒有明確界線的演出場地。

這種形式並非只為製造視覺效果。設計團隊從中國山水畫及古典園林的「假山」觀念出發。王欣提到，假山的「假」不只是代表假的山，而是人們藉由想像建立另一個世界的方式。因此，海月劇場的巨浪不是海浪的寫實複製，而是一種可穿越、坐臥、改變觀看角度的空間幾何。

「海月」之名來自杭州灣的潮汐與月色，也呼應唐代詩人張若虛《春江花月夜》中「海上明月共潮生」的意象。海月劇場的啟發在於它沒有把公共藝術理解為一件只可遠觀的雕塑，遊人只須移步換景，草坪與巨浪之間已形成另一種觀看世界的方式。
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【EXHIBITION】神話與怪獸 亞洲幻想藝術在亞洲藝術的歷史裡，鬼怪、神祇、異獸、夢境，以至動漫與虛擬世界，從來不只是天馬行空的想像，它們往往承載着人們對戰爭、社會變遷、身份、科技與未來的種種思考。今年秋季，M+將以大型特別展覽 《神話...
09/09/2026

【EXHIBITION】神話與怪獸 亞洲幻想藝術

在亞洲藝術的歷史裡，鬼怪、神祇、異獸、夢境，以至動漫與虛擬世界，從來不只是天馬行空的想像，它們往往承載着人們對戰爭、社會變遷、身份、科技與未來的種種思考。

今年秋季，M+將以大型特別展覽 《神話與怪獸：亞洲的奇幻異境》（Myths and Monsters: The Art of Fantasy in Asia），帶觀眾穿越19至21世紀的亞洲幻想世界，展覽匯聚逾400件作品，跨越當代藝術、建築、時裝、電影、動畫、電子遊戲及數碼文化。從古老神祇到哥斯拉，再到今天的虛擬角色，幻想一直隨時代變形，《神話與怪獸》提醒我們：幻想並非逃避現實，而是重新觀看現實、理解世界，甚至想像另一種未來的方法。

展覽由四個單元組成：第一部分「Spirits Among Us」回到19世紀，從浮世繪、皮影戲及藏傳佛教唐卡等作品，看鬼魂、怪物與神祇如何寄託人們對安全、保護與繁榮的願望；香港藝術家Oscar Chan Yik Long更特別創作場域特定壁畫 Fear Catcher，以鍾馗為靈感，將「驅鬼」轉化為面對自身恐懼的寓言。第二部分「Strange Realities」聚焦超現實主義。從Dalí、Magritte等歐洲大師，到日本、中國、韓國及東南亞藝術家，展覽展示亞洲藝術家如何借用夢境與非理性的視覺語言，回應戰爭與社會動盪。

第三部分則由《哥斯拉》到《攻殼機動隊》，走進戰後日本流行文化，漫畫、動畫與電影中的怪獸、機械人及虛構世界，看似娛樂，背後卻反映着戰後創傷、社會轉變，以及人們對未來的想像。最後的「New Mythologies」把視線帶到當代，當AI生成影像、虛擬化身、電子遊戲與數碼世界逐漸融入日常，亞洲藝術家重新創造神話，探討流動身份、科技焦慮，以及我們與虛擬世界的關係。

《神話與怪獸：亞洲的奇幻異境》
日期：2026年10月17日至2027年4月4日
地點：M+西展廳舉行
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【DESIGN】 英國設計師Daniel Idle：用手機殼磨芝士 現代人總是手機不離身，看電視也忍不住一直滑手機、上廁所也帶手機，即使是烹調的時候也忍不住看手機，如果把手機殼變得更實用的話，相信會讓人更愛手機。來自英國的設計師Daniel...
08/09/2026

【DESIGN】 英國設計師Daniel Idle：用手機殼磨芝士

現代人總是手機不離身，看電視也忍不住一直滑手機、上廁所也帶手機，即使是烹調的時候也忍不住看手機，如果把手機殼變得更實用的話，相信會讓人更愛手機。來自英國的設計師Daniel Idle便想到把用手機殼來磨芝士，實用又有趣。

Daniel Idle是一位來自英國的設計師，時常有創新又大膽的概念，作品主要以幽默的手法去將日常物件跨界融合，他的設計常常建構於「將意想不到的日常物品與手機配件結合」的實驗性概念上，推翻人們對科技配件的固定印象。Daniel Idle 認為現代手機殼多半停留在保護功能或簡單的圖案印刷。他希望跳脫這種框架，重新定義手機背面的空間，將其變成兼具藝術性、話題性與趣味互動的展演平台。

Daniel Idle其中最知名的代表作是名為「Grater Case」的磨碎器手機殼，這個手機殼使用不鏽鋼材質打造，直接將在廚房磨芝麻或芝士的刨刀變成手機殼，附帶的手柄還能作為扶手或是攜帶的用途，視覺效果極具衝擊力與幽默感。而手機殼的大小正好能放下iPhone 16 Pro，將一整天也握在手裏的手機，名正言順地帶到廚房，感覺無論何時何地都能隨心所欲地磨着芝士吃。不過，因為是經常接觸的東西，要拿到廚房的時間最好也要特別注意衛生！

然而，Daniel Idle除了「Grater Case」這個知名的代表作外，還有名為「Terrarium」的手機殼，在透明的手機殼背後放置了真正的苔蘚與微型植物，將手機背面打造成一座攜帶式的「掌上微型生態溫室」，非常有趣。

Daniel Idle
IG
網址：https://danielidle.com/

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【DESIGN】 日本生活品牌salut!：讓人想咬一口的餅乾傢私 鬆軟的麵包、烤得金黃酥脆的曲奇和餅乾，鋪上甜甜的朱古力，以及酥脆扭結的椒鹽捲餅，光是看到就讓人垂涎欲滴的甜點，化作了傢俱又會有怎樣的效果？來自日本的居家生活品牌Salut!...
07/09/2026

【DESIGN】 日本生活品牌salut!：讓人想咬一口的餅乾傢私

鬆軟的麵包、烤得金黃酥脆的曲奇和餅乾，鋪上甜甜的朱古力，以及酥脆扭結的椒鹽捲餅，光是看到就讓人垂涎欲滴的甜點，化作了傢俱又會有怎樣的效果？來自日本的居家生活品牌Salut!早前便推出了以甜點為主題傢俱系列，每一款也讓人有著想「咬一口」的魔力。

Salut!（サリュ）的名稱由來取自法文的「你好！」，是法國人在日常生活中打招呼的用語，有著輕鬆又親切的感覺。品牌以此命名，傳達出「希望大家能像每天挑選服飾打扮一樣，輕鬆自在地為房間進行佈置」的核心理念，希望顧客不需要花大錢或進行大幅度的裝修或改造，就能像每天挑衣服穿搭一樣輕鬆改變心情，透過加入幾件小巧又有質感的家飾，讓待在家裡的時光變得更加舒適美好。salut!主打溫暖木質、藤編、復古金屬感與溫馨鄉村風，定位介於「百元商店」與「高價家居專櫃」之間，許多木製小家具、收納架與飾品價格都相當平易近人，深受小資族與租屋族的喜愛。商品涵蓋收納櫃、餐具廚具、季節裝飾、布藝洗滌用品等，此外Salut!也經常推出季節限定主題，如聖誕節、野餐季以及人氣角色聯名企劃。

而今次Salut!推出的「gâteau」系列，以各式各樣的甜點作為主題製作出各種傢俱，傢私與誘人的視覺效果不同，這些傢俱全部由木材製成。將木材打磨得光滑細膩，保留餅乾特有的質感，並通過組合不同色調的木材，呈現出烤得金黃的餅乾以及濃郁巧克力的色彩。在方形餅乾上點綴整齊的孔洞，或像椒鹽捲餅扭曲的形狀一樣，每個甜點的亮點也被細緻地呈現出來。只是簡單地把傢具放在家裡，就彷彿會散發出甜甜又香濃的呼味道，光是看着就想咬一口，讓人食指大動。餅乾桌子售價為9,350日圓(約$464港元)、曲奇為6,600日圓(約$328港元)。

Salut!
IG

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【ARCHITECTURE】台灣百大美建築：台北地下街Y26出入口——都市螢火蟲台北有不少地下商店街，這些富歷史意義及生活體驗的地下建築，隨時間流逝面臨老化。其中台北地下街Y26出入口就經過改造以嶄新姿態重新登場，這個改造項目更獲得2023...
06/09/2026

【ARCHITECTURE】台灣百大美建築：台北地下街Y26出入口——都市螢火蟲

台北有不少地下商店街，這些富歷史意義及生活體驗的地下建築，隨時間流逝面臨老化。其中台北地下街Y26出入口就經過改造以嶄新姿態重新登場，這個改造項目更獲得2023台北老屋新生大獎、2023台北設計獎及2022金點設計獎。

台北地下街Y26出入口改造項目由乘四建築師事務所、曲墨建築師事務所操刀負責，這個項目同時作為「市民大道28處出入口再造計畫」的先驅示範。地下建築因為長年水壓逐漸產生漏水、設備老舊及早期樓梯設計不符現代需求等安全性問題，加上長年下來缺乏整體視覺系統與資訊整合，空間顯得老舊凌亂也成了許多人不願走入其中的原因。設計團隊遂以都市醫生的角色，藉由最少限度地介入，以周遭環境與基地故事為主軸，重新喚起每一出入口的自身故事。

地下街連接台北車站、機場捷運、周邊商圈及停車場等，是不少人日常往返的途徑。團隊重新設計出入口的構架、打開封閉的樓梯動線及整合色彩材料，務求以最微小的尺度重新為市民大道添加熠熠星光，宛若都市間的螢火蟲。

首先是一改過往地下建築的幽暗封閉感，建築量體使用通透的板結構，創造最大的視覺穿透感讓自然光得以進入內部；地面層增設了另一組樓梯，令行人動線更順暢、更方便，同時亦延伸出可供市民休息的座椅空間。

照明設計方面，採用間接照明，光線投射到室內的金屬天花。天花造型取材自鐵道部百年建築屋頂的幾何形態，再以現代物料及施工方式重新演繹，呼應鐵道園區新舊建築共存的特色。從地面逐步走到地下空間，設計亦變得更簡潔，配合俐落的線性燈光，以明亮舒適的照明營造安全感，吸引人們重新連結地下與地下商圈。

Photo Courtesy to 乘四建築師事務所網站、金點設計獎網站

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【DESIGN】小孩筆跡無限放大：法國藝術家The Wa把廢屋畫成巨型童畫法國藝術家The Wa最新將德國史特加Stammheim一間空置房屋化成巨型塗鴉畫布。這件名為《A Kid Could Do It》的巨型裝置，不追求精準透視或工整構...
06/09/2026

【DESIGN】小孩筆跡無限放大：法國藝術家The Wa把廢屋畫成巨型童畫

法國藝術家The Wa最新將德國史特加Stammheim一間空置房屋化成巨型塗鴉畫布。這件名為《A Kid Could Do It》的巨型裝置，不追求精準透視或工整構圖，以像孩子隨手繪畫的畫稿，顛覆傳統的建築和設計規則。

這件作品為今年的PFFFestival而作。藝術家以粗闊筆觸、放大的輪廓、草堆、花朵、門窗等圖像，覆蓋房屋外牆與斜頂屋頂。畫中的門窗並不完全依從原有建築結構，有些線條越過牆角，有些圖案延伸至屋頂，讓房子原本清晰的幾何秩序，被一種近似兒童繪畫的直覺重新打散。從街上望去，它像一張被放大至建築尺度的圖畫紙，也像小朋友自由地把想像直接繪在牆上。

《A Kid Could Do It》並不是The Wa首次以兒童創作語言回應建築。他自2021年起在法國大西洋沿岸的二戰碉堡上展開同名系列，並邀請母親一同參與。那些原本帶有軍事歷史、厚重而封閉的混凝土建築，被花朵、人物和色塊覆蓋，成為帶有「合家歡」意味的公共藝術。今次在史特加，他將同一套方法移到空置住宅，令一般巿民習以為常的日常建築，也出現一種被想像力短暫接管的狀態。

The Wa這種看似未經訓練的技法，其實帶有明確的批判：我們在成長過程中，是否逐漸把創作理解成一套必須遵守的秩序？當孩子畫畫時，不會太在意比例、留白或是否越界；但進入學校、社會與職場後，創意往往被效率、技巧與市場要求規範。The Wa刻意讓線條顯得即興，並非因為懶惰，而是要回到創作的初心與目的。

PFFFestival自2022年起把史特加不同社區的城市空間轉化為開放畫廊，至今已在11個地區完成20幅大型壁畫，並配合展覽、出版物和社區活動，讓藝術走出傳統白盒子展場。2026年，藝術節更於史特加西區Johannesstraße 47b舉行名為「VOLLFORMAT」的群展，讓37位藝術家在整座建築的31個房間內創作。觀眾不只是站在作品前觀看，還可以親身走進作品之中。

【展覽詳情】
名稱：VOLLFORMAT
日期：2026年7月18日至10月17日
地點：Johannesstraße 47b, Johannesstraße 47b, 70176 Stuttgart

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【EXHIBITION】《Look Back驀然回首》真人版電影展覽@海港城 是枝裕和鏡頭下的藤本樹世界 珍貴劇照於香港首度曝光《Look Back驀然回首》真人版電影最新定檔於9月17日香港上映，同名動畫版電影於2024年上映，改編自藤本...
05/09/2026

【EXHIBITION】《Look Back驀然回首》真人版電影展覽@海港城 是枝裕和鏡頭下的藤本樹世界 珍貴劇照於香港首度曝光

《Look Back驀然回首》真人版電影最新定檔於9月17日香港上映，同名動畫版電影於2024年上映，改編自藤本樹的同名人氣漫畫，上映後榮獲報知電影動畫作品賞、日本電影學院獎最佳動畫，真人版電影則由是枝裕和一手包辦導演、編劇與剪接，並找來曾經於Netflix影集《舞伎家的料理人》合作的兩位日本新生代女星出口夏希及蒔田彩珠，分別擔綱飾演雙主角「藤野」與「京本」。

《Look Back驀然回首》真人版電影，即日起至9月27日在海港城美術館舉行全港獨家展覽，展出珍貴電影劇照，讓影迷在電影於香港盛大獻映前，率先投入到電影主角「藤野」及「京本」創作漫畫的世界，重拾追逐夢想的感動。是枝裕和導演亦將於9月中攜同飾演「藤野」與「京本」的兩位女主角出口夏希及蒔田彩珠，專程來港宣傳，並現身這個電影主題展覽。

今個電影展覽除了展示超過十五幅珍貴劇照外，更同時呈獻導演及主要演員的個人肖像，讓觀眾一窺幕前幕後的風采。同場亦展出戲中兩位角色——藤野與京本所繪畫的漫畫作品，並特別重現電影裡的學校書桌場景，讓影迷親身走進經典畫面，拍照留念。

此外，展覽更特意聯乘五位本地著名漫畫家：Pen So、麥東記（Don Mak）、KIU、張小踏（StepC.）及月巴氏，以電影標誌性的四格漫畫形式，各自演繹他們心目中獨一無二的《Look Back 驀然回首》。

現場更備有電影特別版四格漫畫紙，供觀眾即場發揮創意，親手繪畫屬於自己的專屬四格漫畫，盡情體驗漫畫創作的樂趣。

《Look Back驀然回首》劇情簡介

充滿自信的小學四年級學生藤野，在校刊上連載四格漫畫，深受班上同學們的讚賞。然而某一天，她看見刊登在校刊上的同班同學京本的漫畫。因為京本長期拒學，藤野從未見過她，而京本那壓倒性的畫功也讓藤野深受打擊。自此之後，藤野一心只想提升畫技，持續埋首創作漫畫，但始終無法拉近彼此的差距，甚至一度放棄畫漫畫。

直到畢業典禮那天，藤野（出口夏希 飾）前往京本（蒔田彩珠 飾）家中送畢業證書時，才得知京本一直都是自己漫畫的忠實粉絲。因為對漫畫共同且純粹的熱愛，兩人開始一起創作漫畫。藤野與京本一起度過了一段無可取代的珍貴時光。然而，一場突如其來的事件，卻徹底改變了她們的人生──

《Look Back驀然回首》
香港及澳門上映日期：2026年9月17日

《Look Back驀然回首》真人版電影展覽@海港城
日期：2026年9月5日至27日
時間：上午11時至下午9時
地點：海港城美術館（海港城海洋中心二階207號舖）

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【EXHIBITION】東京21_21 DESIGN SIGHT最新展覽 九平方米小屋重新思考生活東京六本木的21_21 DESIGN SIGHT正在舉行展覽《學習方丈記》，由建築師塚本由晴擔任總監，以日本鎌倉時代鴨長明的隨筆《方丈記》為...
05/09/2026

【EXHIBITION】東京21_21 DESIGN SIGHT最新展覽 九平方米小屋重新思考生活

東京六本木的21_21 DESIGN SIGHT正在舉行展覽《學習方丈記》，由建築師塚本由晴擔任總監，以日本鎌倉時代鴨長明的隨筆《方丈記》為出發點，透過建築、設計、藝術與材料，重新思考現代人的生活方式與居住環境。《方丈記》寫於13世紀初，是日本文學中非常重要的一部作品，鴨長明在書中描寫京都發生的地震、火災、饑荒等災害，也觀察城市、自然以及人們生活的變化。面對一個不斷變動、充滿不確定性的世界，他最終離開都市，住進一座非常細小的庵。

這座庵就是所謂「方丈之庵」，「方丈」原本是長寬各一丈的空間，大約只有九平方米，對鴨長明來說，這是一個足以重新組織生活的地方：可以睡覺、寫作、煮食，也可以觀察自然、思考人生。因此，《方丈記》所提出的問題，不只是「一個人需要多大的房子？」而是如果生活的環境隨時可能改變，我們需要怎樣的建築？如果我們不再完全依賴大型都市、基礎設施及各種服務，又可以怎樣生活？一個人究竟需要多少東西，才能過自己想要的生活？

近年日本不斷面對地震、颱風、大雨、火災等自然災害，另一方面，現代都市生活亦高度依賴能源、食物供應、交通、物流及各種社會系統。塚本由晴因此提出一個有趣的反問：當我們不斷追求「更安全、更堅固、更有效率」的環境時，是否也有一些原本可以做、可以享受的事情，反而因此消失了？展覽便從這個角度重新閱讀《方丈記》。參與者包括建築師、設計師、美術家以及企業等，他們並沒有提供一個統一的答案，而是從各自的角度思考「一個人如何生活」這件事。這些作品之間並不存在一個單一的正確答案，相反，它們讓觀眾在不同的空間、材料、尺度與生活方式之間移動，自己思考甚麼才是足夠的生活。

「方丈記に学ぶ —— 生きるを編み直す小さな建築 ——」
日期：2026年8月28日至2027年1月11日
地點：東京六本木21_21 DESIGN SIGHT Gallery 1 & 2

Photo Credit: 木奧惠三（Courtesy of 21_21 DESIGN SIGHT)

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【DESIGN】將巴別肯風格帶回家MADE聯乘重新演繹現代主義家具倫敦巴別肯中心的混凝土外牆、網格細節與拱形線條，是全球建築愛好者一直推崇的經典設計。最近，MADE與巴別肯合作推出了一系列共23件家品，成功將粗獷主義的設計語言轉化成實體家具...
04/09/2026

【DESIGN】將巴別肯風格帶回家MADE聯乘重新演繹現代主義家具

倫敦巴別肯中心的混凝土外牆、網格細節與拱形線條，是全球建築愛好者一直推崇的經典設計。最近，MADE與巴別肯合作推出了一系列共23件家品，成功將粗獷主義的設計語言轉化成實體家具。

此聯乘系列已於8月17日起在MADE.COM及巴別肯商店網上發售，部分作品亦可於巴別肯商店購買，售價由32英鎊起。系列以巴別肯莊園的建築結構及原有室內設計為靈感，涵蓋座椅、茶几、梳化、餐桌、燈具、地氈及牆飾，讓不同大小的住宅也能以個別單品營造出現代感。

巴別肯莊園由Chamberlin、Powell and Bon於1950年代設計，至1982年落成，是英國戰後粗獷主義建築的重要代表。它同時結合住宅、文化場館、公共花園及休憩空間，可說是一個完整的城市生活社區。這個家具系列沒有直接複製混凝土外觀，而是從窗框、欄杆、天花網格、湖畔座位及音樂廳內部等細節取材，將建築轉化成適合一般家居使用的比例與材質。

系列其中一個重點是可調校的管狀燈罩的Curve枱燈及座地燈，呼應巴別肯音樂廳的管狀聲學面板。具有圓角方形燈罩的Coffer牆燈，則取材自巴別肯中心內常見的格狀天花。Dual扶手椅的木製側板參考了巴別肯的混凝土柱體，Plinth茶几則取材自置於湖中央的下沉式座位。

整個系列採用了苔綠、赭色、深酒紅及暖橙，再配合染色梣木、鍍鉻細節、編織布料及毛絨質感，形成溫暖的中世紀現代主義氣氛。這種風格亦為了向室內設計師Miriam Howitt致敬，她在1960年代曾以北歐旅行及荷蘭室內風格作參考，為巴別肯設計了五間示範單位。

為配合倫敦設計節，MADE將於9月12日至20日在巴別肯中心Level G Hub Space舉行免費沉浸式裝置，展示此系列家具，並介紹巴別肯室內設計檔案及作品來源。

就算未能親自將這些充滿溫暖感的家具帶回家，也不妨藉著參觀這個展覽，來一次關於現代主義建築與設計的朝聖。

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