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Michael Keaton y Morgan Freeman volverán a compartir pantalla en un proyecto muy distinto al que los unió hace 38 años. ...
04/09/2026

Michael Keaton y Morgan Freeman volverán a compartir pantalla en un proyecto muy distinto al que los unió hace 38 años. La nueva cinta se llama Rode to Ruin, un thriller wéstern que además marcará otro regreso importante para Keaton, ahora también como director.

La última vez que trabajaron juntos fue en Alcohol y coca, estrenada en 1988, donde Keaton interpretó a un agente inmobiliario con una fuerte adicción a las dr**as y al alcohol que intenta reconstruir su vida después de tocar fondo. Desde entonces no habían coincidido en otro set.

Ahora, según adelantó Deadline y otros medios, Keaton dirigirá y actuará en la película, en la que tendrá el papel de Henry Tillman, un exalguacil estadounidense. Freeman interpretará a Joseph Mulberry, un forajido perseguido por las autoridades. Keaton, de 74 años, ya había dirigido antes Caballero y asesino en 2008 y El método Knox en 2023.

El personaje de Tillman lleva 40 años buscando al asesino de su esposa, hasta que una pista lo conduce hacia un hombre mayor con amnesia que guarda un secreto.

Cuando lo leí por primera vez, pensé: 'Esto es realmente muy bueno, y aún hay mucho por explorar, mucho que profundizar, para Morgan y para mí, juntos…'

Sobre el proyecto, Keaton comentó: "Así como Cadena perpetua no es simplemente una película carcelaria, Rode to Ruin no es simplemente un western. Es una historia rica y compleja que, casualmente, se desarrolla en el Oeste americano".

Martin McDonagh volvió a llamar la atención en el certamen con su quinto largometraje, Wild Horse Nine, una película que...
04/09/2026

Martin McDonagh volvió a llamar la atención en el certamen con su quinto largometraje, Wild Horse Nine, una película que ya genera conversación entre quienes siguen de cerca el cine de autor. El director, conocido por su mezcla de humor negro y tensión dramática, presentó una historia que deja al público entre la risa y la incomodidad.

Nacido en Londres en 1970, McDonagh llegó al cine después de construir una carrera sólida en el teatro. Su filmografía incluye Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin, títulos que lo consolidaron como uno de los nombres más fuertes de la escena contemporánea. Con Wild Horse Nine, vuelve a un terreno donde combina violencia, ironía y conflicto moral.

La película arranca con imágenes de Salvador Allende y la música de Violeta Parra, y desde ahí se mete en una trama ligada a las operaciones encubiertas de la CIA en Chile y al golpe de estado de Pinochet. En vez de quedarse en el plano político directo, la historia sigue a dos agentes que terminan viajando a la Isla de Pascua, un giro que abre espacio para situaciones absurdas y diálogos cargados de sarcasmo.

John Malkovich interpreta a un exagente enfermo y en sus últimos días, mientras Sam Rockwell da vida a su compañero de viaje. Entre ambos sostienen buena parte del peso de la película, en una dinámica que recuerda otros trabajos de McDonagh, donde dos personajes quedan encerrados en un espacio que los obliga a enfrentarse con sus propias contradicciones.

La respuesta en la sala fue intensa. La mezcla de comedia negra y fondo político provocó risas, pero también momentos de mucha dureza, especialmente en una escena donde el personaje de Malkovich habla con jóvenes activistas sobre lo que vendrá bajo la dictadura. Ahí la película deja claro que no busca suavizar su mensaje ni esconder la violencia de fondo.

Las actuaciones también fueron uno de los puntos más comentados. Malkovich entrega una interpretación contundente, con un personaje marcado por la vejez, la culpa y una extraña humanidad. Rockwell funciona como el contrapeso ideal, Steve Buscemi suma energía desbordada y el cameo de Tom Waits aporta uno de los momentos más recordados.

En resumen, Wild Horse Nine se presenta como una película divertida, amarga y muy afilada, con una mirada política que no pierde fuerza dentro de la historia.

Ridley Scott vuelve a estar en la conversación con la promoción de su nuevo drama postapocalíptico, La constelación del ...
04/09/2026

Ridley Scott vuelve a estar en la conversación con la promoción de su nuevo drama postapocalíptico, La constelación del perro, y otra vez deja claro que le gusta hablar sin filtros sobre su carrera. El director británico no solo defiende su autoría, también reconoce que muchas veces ha buscado guiones ya escritos en lugar de crearlos desde cero.

En una charla con Martina Barone para GQ, Scott contó que en la ciencia ficción ha seguido bastante su instinto y que ahí ha encontrado algunos de sus proyectos más fuertes. Según él, solo tres guiones le impactaron de inmediato en toda su trayectoria: los de Alien, el octavo pasajero, Marte y la película que ahora está presentando, La constelación del perro.

Eso no significó que dejara el texto intacto. Las reescrituras de Alien ya son un tema conocido, y en esta ocasión Scott también pidió cambios en el tercer acto de La constelación del perro. El trabajo se hizo junto al guionista Mark L. Smith.

“Necesitaba una perspectiva realista”, así que Smith y Scott metieron al personaje de Jacob Elordi en una situación que no aparece en el libro. Una decisión curiosa que abre la duda de por qué no ajustaron más partes del guion para terminar con una película más sólida.

Silo” cerró su tercera temporada con un episodio cargado de revelaciones y decisiones duras. La serie de Apple TV+ se de...
04/09/2026

Silo” cerró su tercera temporada con un episodio cargado de revelaciones y decisiones duras. La serie de Apple TV+ se despidió este viernes con “Troy”, capítulo en el que por fin se conecta a ese personaje con la trama que venía desarrollándose, aunque sin entregar todo servido. Como era de esperarse, el episodio dejó varios spoilers importantes.

Tal como pasó la semana anterior, la historia se divide en dos partes. La primera nos lleva por primera vez al interior del Silo 1, donde hay una crisis grave y la única persona capaz de resolverla parece ser Troy. El detalle es que Troy en realidad es Daniel, interpretado por Ashley Zuckerman, un hombre al que le borraron la memoria y que despertó tras siete años de hibernación.

Todo gira alrededor de la rebelión en el Silo 17. Ahí se confirma que la seguridad falló y que el sheriff, junto con el resto de los habitantes, vive su propio “Día de la libertad”. Troy calcula la situación y entiende que una matanza es inevitable. Y así ocurre: termina ordenando un plan para eliminar a casi todos los habitantes del silo.

Troy, máquina

También aparece Charlotte, que se niega a aceptar lo que ocurre y confirma lo que ya se venía sospechando: a ella también le cambiaron la identidad y ahora es Susan. Victor, interpretado por Matt Craven, parece conservar la memoria intacta, como buen “Fundador”, junto con algunos personajes más, lo que abre otra pregunta sobre quiénes son realmente los que deben ser derrotados.

La masacre deja claro cómo muere la gente cuando sale de los silos. El aire no está envenenado; lo que mata son nubes de nanobots. A eso se suman los drones, ya vistos en la expedición de Lukas hacia el 17. Frente a los ojos de Victor, aterrorizado, ocurre la muerte de casi diez mil personas.

Ese momento, según contó el creador Graham Yost a TheWrap, incluso se pensó como final de la temporada 4:

«Sé que me interesaba el ver qué pasó en el Silo 17. Hemos visto todos los cadáveres. Hemos visto a Ross salir fuera al principio de la temporada 2, por lo que estaba interesado en eso y además está en los libros. Se mete en esto como si fuera Donald. Lo convertimos en Daniel pero lo mantuvimos como Troy despertándose, y sabíamos que eso era vital. Entonces pensamos si deberíamos hacer eso. ¿Debería ser ese el inicio de la temporada 4 o deberíamos hacer este gran giro? »

Para Yost, la intención de este cierre era empujar de lleno hacia lo que viene. Y eso se nota cuando la historia avanza tres décadas y nos lleva al presente, donde Camille intenta convencer al algoritmo para ganar más tiempo antes de que activen la salvaguarda. Ahí se confirma su traición, o más bien su redención, porque estaba ayudando a frenar los conductos del gas letal.

«Si hay una idea que resume toda la serie, sería quizá esta: buscar a personas que hagan lo correcto cuando conocen la verdad», dijo Graham Yost en una entrevista con Espinof. Según el guionista, todos pueden redimirse, y en esta parte le tocó a la supuesta villana de la temporada, marcada por esa pregunta de “¿Por qué? ” que atraviesa el misterio de los silos y que le lanza a la voz, interpretada por Victor.

Eso termina por quebrar al Fundador, que necesita quedarse solo. Después va a su despacho, revisa sus archivos y se quita la vida. Sobre ese momento, Yost explicó:

«Si has conocido a alguien que se ha quitado la vida, nunca hay una respuesta concreta. A menudo hay muchas respuestas. La constelación. En cuanto a Victor, cuando dice que se sintió aliviado, creo que esa es la clave. Pero Matt Craven, solo verle mirar a Daniel/Troy en lo que se carga el Silo 17, solo la mirada en su rostro, viendo a este tipo que siempre le ha caído bien hacer esto, creo que se le fue la mitad de la vida. Y entonces llegó Juliette, Camille y todo eso. »

El cierre también muestra que la gente del Silo 18 se prepara para contraatacar, mientras que en el Silo 1 Troy recibe un mensaje de Victor, ya mu**to, sobre la mujer que aparece en sus sueños: Helen. Ese tema, junto con lo que le pasó a ella, será clave en la temporada 4.

Esa nueva temporada ya está grabada y ahora entra en posproducción. Yost adelantó que se viene una guerra total:

«Bien, va a haber guerra. Juliette no era Juliette al comienzo de la temporada 3 y se tenía que encontrar a sí misma en la temporada 4. Juliette, desde el primer fotograma hasta el final, es nuestra Juliette, pero pasa por un calvario. La cuarta temporada no es fácil y, aunque el silo esté unido, eso no significa que no pueda fracturarse. Eso no significa que no haya sacrificios personales. Eso no significa que no haya asuntos que deban abordarse. »

James Gandolfini estuvo muy cerca de convertirse en el nuevo jefe de The Office cuando Steve Carell dejó la serie, pero ...
04/09/2026

James Gandolfini estuvo muy cerca de convertirse en el nuevo jefe de The Office cuando Steve Carell dejó la serie, pero el movimiento nunca se concretó. La razón, según contaron en el podcast Talking Sopranos, fue que HBO no quiso soltar a una de las figuras más fuertes de Los Soprano.

Michael Imperioli y Steve Schirripa lo comentaron mientras Ricky Gervais visitaba el programa. Imperioli le dijo: "¿Sabes? En un momento dado hablaron de que Gandolfini lo reemplazara, ¿lo sabías? ". Después agregó: "Creo que antes de James Spader y después de [Steve] Carell, le ofrecieron a [Gandolfini], si no me equivoco, 4 millones de dólares para que lo interpretara durante la temporada, y HBO le pagó 3 millones de dólares para que no lo hiciera".

La salida de Carell abrió la puerta a varios nombres para ocupar su lugar. James Spader, Will Arnett, Ray Romano, Catherine Tate y Will Ferrell aparecieron como opciones, y hasta Jim Carrey y Ricky Gervais hicieron apariciones. Aun así, Gandolfini era uno de los candidatos más fuertes, pero HBO frenó la negociación.

No está del todo claro si la cadena lo hizo solo para proteger el peso de Los Soprano o también porque el actor tenía otros compromisos con la empresa. En 2012, Gandolfini estaba previsto para protagonizar la miniserie The Night Of, aunque finalmente murió en 2013 y el proyecto terminó con John Turturro al frente.

En la industria televisiva esto tiene nombre: holding deal, o contrato de retención. Es una práctica común en la que las cadenas pagan a sus estrellas para que no se vayan a canales abiertos como NBC y así cuidan su propia imagen de marca.

La cuarta temporada de Ted Lasso está retomando conflictos que ya se habían visto en el AFC Richmond, pero con una difer...
04/09/2026

La cuarta temporada de Ted Lasso está retomando conflictos que ya se habían visto en el AFC Richmond, pero con una diferencia clara: Ted no quiere repetir los mismos errores. El regreso de Jason Sudeikis al frente de la serie también trajo la creación del equipo femenino del Richmond y la llegada de nuevos personajes que empiezan a acomodarse dentro del club.

Entre ellos destaca Alice Chilton, interpretada por Tanya Reynolds, una asistente técnica con mucho carácter. Al comienzo parecía que iba a seguir un camino parecido al de Roy Kent, pero el quinto capítulo dejó ver otra cosa: su historia se parece más a la de Nate Shelley, sobre todo por cómo convierte sus frustraciones personales y laborales en una actitud cada vez más dura. La diferencia es que Ted ya sabe reconocer esas señales.

Alice apareció por primera vez en el segundo episodio de la temporada, cuando decidió irse del equipo después de no conseguir el puesto de entrenadora principal del conjunto femenino. Ted consiguió convencerla para que se quedara, y desde entonces ha construido una buena relación con él y con el entrenador Beard, además de mostrar empatía cuando una jugadora se lesionó. Aun así, su exigencia ha empezado a generar roces, especialmente con Gemma, una excompañera que incluso se alejó del fútbol por las críticas de Chilton.

El problema es que Alice no termina de entender qué implica ser parte del Richmond. Mientras Ted intenta mantener un ambiente sano, cercano y enfocado en el crecimiento de las jugadoras, ella se siente cada vez más molesta porque cree que no recibe la misma atención que otros. En el quinto episodio, su enojo crece cuando nota que las jugadoras están muy interesadas en la vida personal de Ted, algo que la hace sentirse todavía más fuera de lugar. La tensión termina estallando durante un entrenamiento.

Ahí es donde la historia empieza a parecerse más a la de Nate Shelley. En las primeras temporadas, Nate pasó de ser el encargado del material a entrenador asistente gracias a la confianza que Ted puso en él. Pero esa confianza se transformó en resentimiento cuando empezó a sentirse ignorado y poco valorado. Su inseguridad creció hasta volverse arrogancia y crueldad contra quienes tenían menos poder, mientras buscaba la aprobación de Ted, Rupert y hasta de su familia.

La tercera temporada intentó acelerar su redención, y aunque volvió como entrenador del equipo rival de Rupert, seguía dependiendo del reconocimiento ajeno y peleando con sus propias inseguridades. Al final, dejó ese camino atrás y recuperó su vínculo con Ted. Alice todavía no llegó a ese punto, pero sí comparte con Nate el mismo origen.

La gran diferencia es que Ted parece haber aprendido de todo lo que pasó con Nate. En vez de esperar a que Alice se salga por completo de control para pensar qué salió mal, decide actuar mientras todavía hay tiempo y la suspende durante un partido. Puede sonar duro si se compara con el Ted de las primeras temporadas, pero ahí está justo su evolución: sigue queriendo ayudar, solo que ahora entiende que ser comprensivo no significa dejar que alguien lastime a los demás.

Disney+ está acelerando fuerte su apuesta por el anime y, tras sumar títulos como Jujutsu Kaisen, Boku no Hero Academia ...
31/08/2026

Disney+ está acelerando fuerte su apuesta por el anime y, tras sumar títulos como Jujutsu Kaisen, Boku no Hero Academia y Dragon Ball Super, ahora va por uno de los nombres más grandes del género: One Piece. La plataforma también tiene a Bleach y prepara la llegada de Naruto y Naruto: Shippuden, con lo que reunirá en un mismo servicio a los tres grandes clásicos del anime popular.

La llegada de One Piece comenzará el 3 de septiembre, según confirmó Disney+, aunque todavía no está claro cuántos episodios incluirán esas primeras “tres temporadas”. El dato deja dudas, porque la serie ha tenido emisión continua y la idea de temporadas no siempre coincide con su estructura original. Por ahora, tampoco se sabe si la plataforma ofrecerá solo la versión en japonés o si añadirá algún doblaje en castellano.

El problema del doblaje sigue sin resolverse. Netflix trabaja en una nueva versión en castellano de One Piece, pero Disney+ no ha dicho si la tendrá disponible. Todo apunta a que, al menos de inicio, lo más probable es que llegue la versión original subtitulada, como ha pasado con buena parte de Bleach.

Más allá de eso, el movimiento es importante: por primera vez en muchos años, Naruto, One Piece y Bleach estarán reunidos en un solo servicio de streaming. A eso se suman otras series recientes y clásicas que Disney+ ha ido incorporando, en un intento claro por ganar terreno entre los fans del anime.

Aun así, le falta mejorar en subtítulos y doblajes en castellano si quiere competir de verdad con opciones como Netflix, AnimeBox o Prime Video, que suelen estrenar esas versiones desde el primer día.

Peter Jackson cuidó cada detalle de El señor de los anillos con una fidelidad extrema a los libros de J. R. R. Tolkien, ...
30/08/2026

Peter Jackson cuidó cada detalle de El señor de los anillos con una fidelidad extrema a los libros de J. R. R. Tolkien, incluso cuando eso podía hacer que algunas escenas se vieran extrañas o desfasadas para el público actual. Un ejemplo claro está en la entrada de Isengard, que muchos han visto como un lugar menos oscuro de lo esperado, casi con aspecto de parque común. Pero esa apariencia no fue un descuido.

En El señor de los anillos: Las dos torres, la entrada llama la atención por unos postes unidos con cadenas, parecidos a los que se ven en cualquier parque para proteger el césped. Durante años, eso provocó bromas y comentarios sobre una supuesta falla de producción. En realidad, la idea venía del propio Tolkien.

"En otros tiempos había sido una tierra verde, llena de avenidas y bosquecillos de árboles frutales, regada por arroyos que bajaban de las montañas hasta un lago. Pero en los últimos días de Saruman ya no crecía allí nada verde. Los caminos estaban pavimentados con losas de piedra, oscuras y duras; y a ambos lados, en lugar de árboles, se alineaban largas hileras de pilares, algunos de mármol, otros de cobre y de hierro, unidos por pesadas cadenas"

Tolkien incluso dibujó esa entrada con ese mismo diseño, así que Jackson no hizo más que trasladar al cine una imagen que ya estaba en la obra original.

Elegir una sola película de Clint Eastwood es casi imposible. Como director, ha firmado grandes títulos en géneros muy d...
30/08/2026

Elegir una sola película de Clint Eastwood es casi imposible. Como director, ha firmado grandes títulos en géneros muy distintos: del wéstern de 'Sin perdón' al drama romántico de 'Los puentes de Madison', pasando por el suspenso político de 'Poder absoluto', el golpe emocional de 'Million Dollar Baby' y el retrato generacional de 'Gran Torino'.

En 2010, el propio Eastwood armó una lista con seis de sus trabajos favoritos, y seguro más de uno dejaría fuera alguna de ellas. En orden de estreno, eligió 'El fuera de la ley' ('The Outlaw Josey Wales', 1976), 'Bird' (1988), 'Sin perdón' ('Unforgiven', 1992), 'Mystic River' (2003), 'Million Dollar Baby' (2004) y 'Cartas desde Iwo jima' ('Letters From Iwo Jima', 2006). Pero aquí vale la pena detenerse en 'Mystic River', porque unos años antes de ese repaso, el propio Eastwood la señaló como su mejor película.

"Cuando haces una película, solo hay una persona a la que realmente tienes que satisfacer, y esa eres tú mismo"

En una entrevista publicada por CBS News en 2004, con motivo del estreno de 'Million Dollar Baby', una periodista le recordó una conversación que había tenido con el cineasta la primavera anterior. "Recuerdo haber tenido una conversación telefónica contigo la primavera pasada. Y te pregunté qué estabas haciendo y me dijiste: 'Acabo de terminar esta película'", le dijo. Luego agregó: "Me dijiste que era esa cosa, Mystic River. Y te pregunté cómo había ido, y dijiste: 'Lo mejor que he hecho en mi vida'". Eastwood respondió sin vueltas: "Soy mi propio crítico. Creo que fue tan buena. . . Creo que encajó todo bien. En otras palabras, cuando haces una película, solo hay una persona a la que realmente tienes que satisfacer, y esa eres tú mismo. ¿Salió como tenías pensado? ¿Lograste tu objetivo? "

'Mystic River' ganó dos Oscar para su elenco

Si el resultado no convence al propio director, difícilmente conecte con el público. En este caso pasó todo lo contrario. 'Mystic River' fue muy bien recibida y terminó siendo considerada por muchos como una de las mejores películas de Eastwood. No le dio un Oscar al director, pero sí dos estatuillas a Sean Penn y Tim Robbins, como mejor actor y mejor actor de reparto.

La historia sigue a tres amigos de la infancia, interpretados por Sean Penn, Tim Robbins y Kevin Bacon, que quedaron marcados por un hecho trágico ocurrido cuando eran niños. Años después, sus vidas vuelven a cruzarse cuando asesinan a la hija de uno de ellos, y los tres quedan obligados a enfrentar un pasado que nunca cerró del todo. Es una película que vale la pena revisar, y también está disponible en Netflix.

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Seguro recuerdas ese lío clásico del doblaje de Dragon Ball Z: durante un tiempo, el hijo de Goku apareció como “Son Goh...
29/08/2026

Seguro recuerdas ese lío clásico del doblaje de Dragon Ball Z: durante un tiempo, el hijo de Goku apareció como “Son Gohanda” en lugar de “Son Gohan”. No fue un simple error de pronunciación ni una rareza menor, sino una confusión que terminó colándose en la versión en español de la serie.

La explicación está en el doblaje gallego, que buscaba acercarse lo más posible a los nombres originales. En una escena, Goku dice que su abuelo es “Son Gohan da”, pero no entendieron que ese “da” significa “es”. El sentido real era “Mi abuelo es Son Gohan”, no un nombre distinto.

Por eso, en lugar de corregirlo, asumieron que el personaje se llamaba Son Gohanda. Después, otros doblajes mantuvieron el nombre correcto, pero al preparar la versión en Sevilla tomaron como base los términos gallegos y arrastraron ese fallo. Así se quedó hasta Dragon Ball GT, cuando por fin lo corrigieron. También aparece arreglado en Dragon Ball Kai.

El detalle fue recordado por el tiktoker ShenronZ, quien además señaló que no fue ni de lejos el único tropiezo de la saga. En otras versiones, Goku llegó a llamarse Zero en la primera película doblada en Latinoamérica y en España se usó “Kaio del Norte” para Kaito durante varios episodios.

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