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11/08/2026

[ | Competencia Ficción]

Paula y La Maestra tienen 16 años, son mejores amigas y comparten su pasión por la natación. Entrenan juntas, compiten juntas y parecen vivir esa amistad absoluta que, durante la adolescencia, puede sentirse como una forma de familia. Sin embargo, después de una fiesta, un acontecimiento traumático altera profundamente la vida de Paula y, sobre todo, la relación entre ambas.

Lo interesante de , la ópera prima de la mexicana Fernanda Tovar, es que no construye una narrativa centrada en la agresión, sino en sus consecuencias. A Tovar no le interesa convertir el dolor en espectáculo ni ofrecer una historia convencional de víctima, culpable y justicia. Su verdadero interés está en algo mucho más complejo: ¿qué ocurre con una amistad cuando dos personas reaccionan de maneras completamente distintas frente al mismo trauma?

Las actuaciones de Rocío Guzmán y Darana Álvarez son el corazón de la película. Ninguna de las dos representa personajes ejemplares. Ambas son adolescentes llenas de contradicciones, y justamente en sus imperfecciones radica la naturalidad de sus interpretaciones.

Sin caer en el melodrama ni en los discursos fáciles, Fernanda Tovar dirige y escribe un filme sensible e inteligente sobre la amistad, el consentimiento y la difícil tarea de acompañar a alguien cuando no sabemos cuál es la mejor manera de hacerlo. Porque, al final, “Chicas tristes” no trata solo de aprender a sobrevivir, sino de encontrar la fuerza para volver a habitar el mundo sin permitir que el dolor sea la última palabra.

Puntaje: 10/10

10/08/2026

[ | Competencia Documental]

Vanessa Batista se instala en una calle de La Habana Vieja para seguir a cuatro mujeres cuyas historias personales terminan revelando una sociedad atravesada por la escasez, la violencia, la identidad y el deseo de emigrar.

Anabel, Dayana, Mailén y Elvira viven realidades muy distintas, pero comparten algo en común: la espera. Esperan una oportunidad, un viaje, una transformación, una solución o simplemente la posibilidad de sostener la vida cotidiana.

Y es justamente la espera uno de los grandes temas de . Una espera que no significa pasividad. Sus protagonistas trabajan, cuidan, desean, buscan y toman decisiones. Siguen adelante en un contexto donde imaginar el futuro se vuelve cada vez más difícil.

“Calle Cuba” es más que un documental sobre la crisis cubana. Es una película sobre la capacidad de seguir imaginando un porvenir cuando el presente impone límites. Y esa mirada, tan sensible como política, es la que termina resonando mucho después de que la cámara se apaga.

Puntaje: 10/10

09/08/2026

[ ]

Inauguración del 30° Festival Internacional de Cine de Lima PUCP

06/08/2026

[ | Competencia Ficción]

Hay películas que cuentan una historia y otras que se quedan rondando en tu cabeza mucho después de que aparecen los créditos finales. , de la ecuatoriana Ana Cristina Barragán, pertenece a estas últimas.

El filme sigue a Azucena, una mujer de treinta años que comienza a acercarse a un grupo de adolescentes que vive en un hogar de acogida. Entre ellos se encuentra Julio, de 17 años. Lo que inicialmente parece una aproximación inexplicable, poco a poco se transforma en una conexión tan íntima como perturbadora donde se mezclan la soledad, la pérdida, la maternidad, el deseo y la necesidad de recuperar algo que pertenece al pasado.

La cámara de Barragán registra esa conexión desde muy cerca. Junto con la fotografía de Adrian Durazo, los rostros, cuerpos y miradas de los protagonistas adquieren tanta importancia como sus palabras. La cámara parece acercarse tanto a ellos que, por momentos, el mundo exterior pasa a segundo plano.

Simone Bucio ofrece una excelente interpretación como Azucena, construyendo un personaje vulnerable e inquietante al mismo tiempo; mientras el Julio de Francis Eddú Llumiquinga aporta una presencia contenida que funciona como contraste a la complejidad emocional de ella.

Como la hiedra, los vínculos afectivos pueden sostenernos, pero también envolvernos hasta impedirnos respirar. Y en su tercer largometraje, Barragán nos recuerda que el afecto no siempre sana; a veces, también revela nuestras heridas más profundas.

Puntaje: 7.5/10

03/08/2026

[ | Competencia Ficción]

evita el lugar común de enfrentar tradición y modernidad como dos mundos irreconciliables. En su lugar, construye un relato íntimo sobre el peso de la herencia cultural y el derecho a elegir un camino propio.

Álvaro Olmos Torrico dirige su película con una serenidad inusual donde los silencios, los paisajes y los pequeños gestos dicen mucho más que los grandes discursos. A través de Clara, una joven quechuahablante dividida entre continuar el legado de una partera tradicional o perseguir su sueño de ser cantante, el filme plantea una pregunta profundamente humana: ¿cómo elegir tu destino sin romper el vínculo con aquello que te dio identidad?

Con una puesta en escena contemplativa, una poderosa fotografía que convierte el paisaje de los Andes en un personaje más y un uso del quechua que trasciende la autenticidad para convertirse en un acto de resistencia cultural, “La hija cóndor” habla del costo de elegir quiénes queremos ser cuando el futuro parece alejarnos de nuestras raíces. Además, nos recuerda que el verdadero legado cultural no radica precisamente en el éxito, sino en los oficios, las lenguas y los vínculos que sobreviven gracias a quienes deciden seguir transmitiéndolos.

Puntaje: 8/10

01/08/2026

[ | Competencia Documental]

En , el director Cristóbal Valenzuela Berríos parte de un material extraordinario: las grabaciones de voz de Eugenio Berríos, el químico que trabajó para la dictadura chilena y cuya historia permanece ligada a operaciones clandestinas, inteligencia militar y narcotráfico. Sin embargo, la película no se limita a reconstruir un caso criminal. Su ambiciosa propuesta es explorar cómo el poder fabrica el silencio y cómo la verdad intenta abrirse paso entre versiones fragmentadas, documentos incompletos y décadas de impunidad.

Lejos de optar por una narración convencional, Valenzuela convierte la investigación en una experiencia estrictamente cinematográfica. La edición, el uso de archivo inédito y un diseño sonoro envolvente crean un escenario al más puro estilo de un thriller político donde cada revelación permite adentrarnos en su oscura personalidad. La voz de Berríos, que atraviesa buena parte del relato, funciona como un eco del pasado que resulta tan revelador como inquietante.

Más que un documental sobre la figura de Eugenio Berríos o sobre la llamada "co***na negra", esta es una reflexión sobre cómo se construye la memoria cuando los responsables hicieron todo lo posible por eliminar cualquier registro de ella. En tiempos donde la desinformación y las narrativas oficiales siguen moldeando nuestra comprensión de las dictaduras, la película de Valenzuela adquiere una vigencia histórica.

Puntaje: 9/10

31/07/2026

[ | Competencia Documental]

Construida íntegramente con imágenes de archivo, prescinde de entrevistas, narradores y testimonios actuales para sumergirnos en los días más convulsos de la crisis argentina de finales de 2001.

El mayor logro de la película está en su extraordinaria edición. Lo que en principio podría parecer una sucesión de registros televisivos termina transformándose en una narración absorbente donde cada conferencia de prensa, cada protesta y cada transmisión en vivo revelan el progresivo derrumbe de un país. Aquí no hay necesidad de subrayar el drama, son las propias imágenes las que contienen toda la fuerza política y emocional del acontecimiento.

Lucas Gallo confía plenamente en el poder de las imágenes y en la capacidad del espectador para interpretarlas. Esa decisión convierte a “Diciembre” en una obra que renuncia a las explicaciones fáciles y apuesta por una reflexión crítica sobre la memoria, los medios e incluso la fragilidad de la democracia.

Es un documental riguroso, profundamente cinematográfico y políticamente vigente. Además, demuestra que el pasado no permanece encerrado en archivos, sino que sigue dialogando con nuestro presente.

Puntaje: 10/10

30/07/2026

[ | Competencia Documental]

A partir de la historia de Lesli y Lupe, dos jóvenes guatemaltecas marcadas por la tragedia del Hogar Seguro Virgen de la Asunción, muestra cómo el arte puede convertirse en una poderosa herramienta de resistencia. Marionetas gigantes, tambores, danza y teatro callejero dejan de ser simples expresiones culturales para convertirse en actos de protesta, dignidad y esperanza.

Uno de los mayores aciertos del documental es negarse a definir a sus protagonistas únicamente por el trauma que han vivido. Los directores Vickie Curtis y Doug Anderson construyen una mirada cercana y respetuosa donde el protagonismo recae en la capacidad de estas jóvenes para organizarse, crear y mantener viva la memoria frente a la impunidad.

Si bien la película evita profundizar más en el contexto político social sobre la violencia de género, esa decisión narrativa responde a una apuesta clara: el interés no está en explicar el pasado, sino en evidenciar cómo se sigue viviendo después de él.

Se trata de un documental profundamente humano, que entiende que la memoria no solo habita en los archivos o los tribunales, sino también en las calles, en los cuerpos y en las expresiones artísticas. Un filme que nos recuerda que las artes escénicas no reemplazan la justicia, pero sí pueden mantener viva su exigencia.

Puntaje: 8/10

25/07/2026

[Noticias]

En el marco del 30° Festival Internacional de Cine de Lima PUCP, la Filmoteca PUCP presenta "Espacio Filmoteca", una muestra gratuita que se realizará del 6 al 15 de agosto y reunirá películas peruanas y latinoamericanas restauradas para preservar y difundir el patrimonio audiovisual.

La programación incluye clásicos del cine nacional, noticiarios históricos restaurados y ciclos temáticos dedicados a la obra de María Barea, Luis Figueroa y Jorge Suárez, además de una selección de filmes sobre la Amazonía, ofreciendo un recorrido por la memoria, la diversidad y la riqueza del cine peruano.

17/07/2026

[En cartelera]

Steven Spielberg vuelve al terreno que mejor conoce: aquel en el que la ciencia ficción sirve para hablar de la condición humana. El no busca impresionar con explosiones ni con una invasión extraterrestre de proporciones épicas. Su apuesta es construir un thriller conspiranoico donde el verdadero conflicto no es el contacto con otra inteligencia, sino nuestra capacidad para aceptar una verdad que podría redefinir la historia.

Spielberg dirige con la seguridad de quien domina el lenguaje cinematográfico como pocos, alternando momentos de tensión, contemplación y asombro sin necesidad de caer en el espectáculo desmedido. La puesta en escena es elegante, la fotografía de Janusz Kaminski refuerza el misterio y el reparto, encabezado por una excelente Emily Blunt y Josh O'Connor, sostiene un relato que prioriza las emociones por encima de la acción.

Por momentos, su ritmo pausado y algunos pasajes expositivos diluyen parte de la tensión acumulada. Sin embargo, esas irregularidades no eclipsan una obra que se siente profundamente personal dentro de la filmografía del cineasta estadounidense.

Quizás “El día de la revelación” no alcance el estatus de clásicos como “Encuentros cercanos del tercer tipo” o “E.T.”, pero sí confirma que Spielberg sigue haciendo el tipo de cine que pocos directores se atreven a filmar: grandes historias de ciencia ficción que hablan, por encima de todo, de nosotros.

Puntaje: 9.5/10

Cinestaff

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