1 IMAGE ART 一影像

09/07/2025

十度自費進入烏克蘭拍攝俄烏戰爭的攝影家張乾琦新作--零線攻擊，今日刊出。

他到俄烏交戰的最前沿的零線，記錄這場持續三年的侵略戰爭，在以色列與巴勒斯坦及伊朗爆發衝擊後，國際社會的烏克蘭疲乏愈益明顯，張乾琦語重心長表示：我在烏克蘭所見證的，很可能預示我們眼前的未來。無人機、靜默和等待--這些並非遙遠的回聲。它們是實在的警告。

零線（zero line)，是前線的最前沿，對峙的武裝力量在此交鋒並展開直接戰鬥，這一詞尤其常用於烏克蘭與俄羅斯軍隊之間的邊界。「零線」在烏克蘭戰爭的語境中，代表著暴露、突襲與瞬間變化的高風險狀態。 / The "zero line" refe...

02/07/2025

#展覽推薦 #臺東美術館

📸 埃里克．普瓦特凡（Éric Poitevin）：在沉默中凝視時間的攝影詩人**

Éric Poitevin（1961–）是法國當代攝影的重要創作者，自 1980 年代以來，他以極簡、冷靜、極具存在感的影像風格，持續在藝術攝影的世界中留下深刻痕跡。他的作品主題廣泛，從戰爭老兵的肖像、裸體、動物屍體、蝴蝶標本，到森林與沼澤的靜謐風景，每一張照片都像是在與時間、空間與死亡對話。

Poitevin 出生於法國東北部的 Longuyon，1985 年畢業於梅斯藝術學院，後於 1989–1990 年在羅馬美術學院（Villa Médicis）駐村。他的創作從一開始就展現出極高的敏銳度與獨立性，不追逐時尚，不依賴敘事，而是透過大畫幅相機與自然光，拍攝出充滿細節與沉靜氛圍的影像。他曾說：「每一張照片都是一場時間與選擇的蒙太奇。」

他的攝影主題經常令人感到驚異：在畫面中，沒有戲劇性的構圖，也沒有強烈的情感訴求，有的只是被他靜靜凝視的物體本身。他拍攝死亡（動物屍骸）、老去（退伍軍人）、自然（森林與真菌），並非為了批判或讚美，而是以一種哲學式的目光，捕捉它們的存在與消逝。這種對「靜止」的關注，讓人聯想到 19 世紀攝影師如 Nadar 或 Atget，也與當代繪畫、雕塑的某些極簡脈絡產生對話。

Poitevin 是一位用影像與世界保持距離的觀察者。他不喜歡過度處理或說教式的攝影，而是相信觀看與拍攝應當是「開放性的存在」。他曾說過，他經常走入森林，拍照、採集蘑菇、感受地面與濕氣的變化。這種與自然直接互動的方式，也深深影響了他的創作節奏與質感。

他的作品被龐畢度中心、巴黎市立現代美術館、MAMCO（日內瓦現代藝術館）等重要機構收藏，也曾入選馬塞爾·杜尚獎（2003 年）。近年，他的影像在 Kyotographie（日本京都）與 Domaine de Chaumont-sur-Loire（法國）等藝術節中展出，持續以其獨到而靜謐的視覺語言，吸引世界各地觀眾的目光。

Poitevin 目前任教於巴黎美術學院，他不僅是攝影師，更是一位影像思想的實踐者。他讓我們重新思考：在圖像快速流動、過度訊息的時代裡，攝影是否仍能是一種抵抗，一種關於時間與凝視的練習？

如果你喜歡極簡、詩意、哲學感的攝影作品，Poitevin 將會是你不可錯過的創作者。讓我們在他低語般的影像裡，重新認識什麼是「觀看」的力量。

■本次在台東美術館共展出三個系列「森林」、「野花」、「動物之殤」

「森林」系列，每幅作品約200-300cm長不等，以大尺幅的相片在展場中呈現不同面貌的「自然之景」。當觀眾在展場中行走時，觀看每一幅作品都彷彿是望向一座幽深的樹林，在失去時間失去空間的畫面中映照出自己，存在於那片自然之中，卻不知那片自然存在於何處，是熟悉也是陌生。

「野花」系列，則是呈現了原本生長於鄉間野地的雜花野草，在被攝影師從生長之處帶回工作室，並拍攝成影像後，將「無名」與「平凡無奇」的花草從自然中獨立而出，賦予了「定義」與「獨特性」，並與中世紀繪畫產生了聯想，花草不再是花花草草，而是成為了帶有神秘與象徵意義的形象。枯榮之間，短暫與永恆，這些草花從自然原野中被抽離至人類文明的注視中，不生不死。

在不忍心卻又無能為力的情況下，他會將這些動物的屍體帶回工作室，在已經不用擔心「打擾」牠們的狀態中，留下牠們已經走向終點的影像。這些在森林中尋常不過的動物，在純白的背景下，昇華為帶有某種神聖性的意涵，微微滲流的血跡，是為了尊敬及保護這一片自然，而不得不為的「犧牲」，每張影像就彷彿是一座祭壇，在人類的注視中。

展覽資訊
日期114-03-29~114-07-28
地點臺東美術館山歌、海舞廳

#攝影詩人 #法國攝影師 #藝術攝影 #當代影像 #靜物與風景 #凝視與時間

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01/07/2025

#展覽推薦

📷 ** ＃東松照明：用影像凝視日本戰後靈魂的攝影師**

東松照明（Shōmei Tōmatsu, 1930–2012）是日本戰後攝影最具代表性的創作者之一，他一生以鏡頭凝視著日本在戰爭、佔領、現代化浪潮中留下的創傷與矛盾。他的作品不僅是影像的紀錄，更是對歷史與文化的質疑與對話。

出生於名古屋的東松，原本並未立志成為攝影師，但在1950年代初期，他進入了《岩波攝影文庫》，接觸到攝影作為表達工具的力量。在日本戰敗、社會重建的動盪時代，他選擇用相機探索國家的身份與個人的位置。1959年，他與森山大道、川田喜久治等人共同成立攝影團體「VIVO」，以反抗主流媒體與保守審美的方式展開創作，推動了日本攝影現代主義的浪潮。

東松最為人知的作品之一，是他持續多年拍攝的《長崎》系列。在這個系列中，他不只是紀錄1945年原子彈爆炸的殘骸與倖存者，更深入挖掘核災後的日常、記憶與時間的流逝。他曾說：「原子彈不是在1945年爆炸一次，它每天都在我們心中重演。」這樣的觀點讓他的作品具有深刻的歷史與心理層次，也讓觀者不得不正視創傷如何潛伏於每個日常細節之中。

1960年代之後，東松將視角轉向沖繩——這個被美軍佔領、身份曖昧的群島。他拍攝駐日美軍基地、混血兒、當地民俗與青年文化，試圖揭露日本與美國之間不平等的政治現實，以及沖繩人被邊緣化的命運。他在《沖繩、OKINAWA、Okinawa！》系列中不斷實驗構圖與色彩，甚至將鏡頭轉向豐富的海岸、裸露的土地與神祕的信仰儀式，創造出詩性與政治並存的視覺語言。

東松的攝影從未是冷靜的紀錄，而是飽含情緒與立場的參與。他不追求真實的再現，而是用影像進行詰問——日本到底是誰？我們的歷史由誰來書寫？而影像，是否能成為一種反抗與療癒的力量？

晚年的他，依然不斷拍攝。他曾說：「我的攝影，是活著的證明。」即便病痛纏身，他依舊用相機記錄著身邊的世界，直到2012年辭世。

東松照明留下的不只是作品，更是一種攝影的態度：誠實、敏感、批判而詩意。他讓我們明白，攝影不只是按下快門，而是一種對歷史與自我永不妥協的凝視。

目前在1839當代藝廊展出的作品
/《長崎1945–2025》東松照明 攝影展
展出作品｜共51件（36張黑白、15張彩色）
展期｜2025/06/20 – 2025/07/27

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🔍 #東松照明 #日本攝影 #戰後記憶 #沖繩 #長崎 #紀實攝影 #攝影故事 #經典攝影師 #1839當代藝廊

22/06/2025

#展覽最後一天

《攝影上桌獲獎者聯展「五種重量」》
展覽資訊
展出者 ｜黃弘川、篠塚紘生、黎青青、陳冠霖、蔡定邦
策展人 ｜鄧博仁
展覽日期：6/06(五) - 6/22(日)
開放時間：週五～週日: 10:00pm~19:00pm（其他時間請預約）
展覽地點：（晗光行） 台北市大安區麗水街13巷8號1樓
#藝術展 #攝影 #五種重量 #攝影上桌

15/06/2025

＃展覽 ＃五種重量
重量之一｜ #陳冠霖

《如紙一般的厚度》──影像與記憶的層疊痕跡
本作品源自藝術家在德國交換期間，探訪一座已荒廢20年的紙廠，並以過期底片拍攝現場痕跡。他將影像輸出於報紙，再進行貼覆、撕除、再拍攝等重複程序，使影像不斷被干擾與消磨，如同記憶反覆被書寫、遺忘又重新召喚。紙與影像的結合，在此成為一場物質與精神的雙重實驗——底片的霉點、報紙的破損、影像的模糊，最終組成一種視覺上的記憶疲乏感。作品提問：紙張能承載多少記憶？攝影又能抵抗多少遺忘？這是一種時間對影像的侵蝕痕跡，也是一種無聲的歷史重量。

關於作者
1997 年生，臺北人。就讀國立臺北藝術大學美術學系碩士班，在學期間於德國斯圖加特高等設計學院（Merz Akademie， Stuttgart）進行交換。以平面攝影及影像裝置為主要創作媒材，攝影主題圍繞在廢墟空間，如八仙水上樂園及新竹第六燃料廠；影像裝置著重於探討拍攝者與被攝者的對立關係，如何透過影像與觀者產生實質的互動。
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《五種重量》
「重量」，在字面上指涉物體的質量與重力關係，然而在藝術語境中，它所承載的往往不只是物理的數值，而是一種無法量化的心理張力、記憶壓力、情感濃度，甚至是觀看本身的衝擊與力道。本展《五種重量》邀請五位來自不同背景的藝術家，透過攝影及影像相關媒介，展現出五種無形而深沉的重量。這些重量不在於克數或體積，而是一種緩慢積累、難以釋懷的感受，是在凝視影像時逐漸滲入內心的某種「密度」。
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展覽資訊
展出者 ｜黃弘川、篠塚紘生、黎青青、陳冠霖、蔡定邦
策展人 ｜鄧博仁
展覽日期：6/06(五) - 6/22(日)
開放時間：週五～週日: 10:00pm~19:00pm（其他時間請預約）
展覽地點：（晗光行） 台北市大安區麗水街13巷8號1樓
#藝術展 #攝影 #五種重量 #攝影上桌

14/06/2025

＃展覽 ＃五種重量
重量之一｜ #黃弘川

《無題：川》──記憶與哀愁的重量
作品源於藝術家黃弘川對祖母記憶衰退的深刻經歷，透過攝影紀錄她日漸模糊的日常與神情。這不僅是一項紀實攝影計畫，更是一場對抗遺忘、緊握情感的行動。2020年，他在疫情爆發前最後一次回到香港，發現祖母短期記憶開始快速流失。他以鏡頭與她相伴，企圖留下一絲尚未消散的親情線索。這些影像不只是回憶的容器，而是對時間、疾病與分離的深情回應。當觀者注視照片中祖母那依舊溫柔的眼神時，也能感受到一種屬於生命流轉的沈重——一種知道終將失去，卻仍努力記得的執念。

關於作者
黃弘川，1986年生，香港攝影師，現居台灣新竹縣北埔鄉。 他以攝影作品探討生與死、虛與實之間的關係，並融合宗教意象和日常符號，呈現個人內在世界。 2014年移居台灣後，他以攝影記錄下在北埔的生活，特別關注喪禮文化，並以此為主題創作了「Hakka Sonata」系列作品。

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《五種重量》
「重量」，在字面上指涉物體的質量與重力關係，然而在藝術語境中，它所承載的往往不只是物理的數值，而是一種無法量化的心理張力、記憶壓力、情感濃度，甚至是觀看本身的衝擊與力道。本展《五種重量》邀請五位來自不同背景的藝術家，透過攝影及影像相關媒介，展現出五種無形而深沉的重量。這些重量不在於克數或體積，而是一種緩慢積累、難以釋懷的感受，是在凝視影像時逐漸滲入內心的某種「密度」。
展覽資訊
展出者 ｜黃弘川、篠塚紘生、黎青青、陳冠霖、蔡定邦
策展人 ｜鄧博仁
展覽日期：6/06(五) - 6/22(日)
開放時間：週五～週日: 10:00pm~19:00pm（其他時間請預約）
展覽地點：（晗光行） 台北市大安區麗水街13巷8號1樓
#藝術展 #攝影 #五種重量 #攝影上桌

13/06/2025

＃展覽 ＃五種重量

重量之一｜ #黎青青──植物、記憶與時間的靜默厚度
黎青青的創作跨越繪畫、攝影與當代首飾等媒材，探問自然與記憶之間的關係。她長期觀察植物的繁盛與枯萎，將其視為記憶與時間具象化的載體。作品中的植物不再是靜物，而是帶有語言與情感的存在。她關注的，是植物如何在人們日常生活中成為記憶的附著點，亦是時間流動的證據。這些影像不以宏大敘事取勝，而是在微小、緩慢中釋放出深沉的力量——一種由內而外的靜默重量，讓觀者體會生命的循環與消逝，黎青青以 #鉑金放相 的製作方式，更顯的珍貴而獨特。

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《五種重量》
「重量」，在字面上指涉物體的質量與重力關係，然而在藝術語境中，它所承載的往往不只是物理的數值，而是一種無法量化的心理張力、記憶壓力、情感濃度，甚至是觀看本身的衝擊與力道。本展《五種重量》邀請五位來自不同背景的藝術家，透過攝影及影像相關媒介，展現出五種無形而深沉的重量。這些重量不在於克數或體積，而是一種緩慢積累、難以釋懷的感受，是在凝視影像時逐漸滲入內心的某種「密度」。

展覽資訊
展出者 ｜黃弘川、篠塚紘生、黎青青、陳冠霖、蔡定邦
策展人 ｜鄧博仁
展覽日期：6/06(五) - 6/22(日)
開放時間：週五～週日: 10:00pm~19:00pm（其他時間請預約）
展覽地點：（晗光行） 台北市大安區麗水街13巷8號1樓
#藝術展 #攝影 #五種重量 #攝影上桌

13/06/2025

當代攝影家 #山本昌男：在微觀世界中感知詩意

在當代日本攝影領域中，山本昌男（Yamamoto Masao, 1957年生於愛知縣蒲郡市）是一位獨樹一幟的藝術家。他以創作手掌般大小的銀鹽相片聞名，融合攝影、繪畫與裝置藝術，展現出詩意與哲思兼具的視覺語言。他的作品不僅僅是影像的捕捉，更是一種存在的凝視與靜觀，是對自然、時間與記憶的深層探索。

◎從繪畫到攝影：風格的養成

山本昌男最初並非攝影出身。他曾在大阪藝術大學學習繪畫，並師從日本洋畫家斎藤吾朗。這段藝術訓練為他後來的攝影奠定了深厚的視覺基礎。他的影像常帶有繪畫性的筆觸與構圖感，柔焦、茶染、撕裂、甚至手工塗抹的處理手法，使每一張照片都像是一件具有肌理的藝術物件，模糊了攝影與繪畫之間的界線。

◎攝影作為物件：獨特的創作觀

山本將攝影視為物件（object），而非單純的畫面。他的作品多為小尺寸銀鹽照片，並經過一系列手工處理：茶染、摺痕、刮磨、或拼貼等，讓照片彷彿經歷歲月的沉澱。他說：「我希望每張照片都是一個故事。」這種創作觀念，使他的影像成為充滿觸感與時間感的藝術品，而非只是現實的紀錄。

◎主題探索：自然與禪意的詩學

山本昌男的創作深受禪宗思想影響。他偏好拍攝自然中的微小事物，如落葉、石頭、果實、裸女、枯木與盆栽等，藉由微觀視角捕捉生命的靜謐與變化。他的代表作品如《小さきもの、沈黙の中で》（微小之物，在沈默之中）和《BONSAI 微觀宇宙》，皆呈現出一種「在細微處見天地」的東方哲學思維。他的作品有如詩一般，低聲訴說著時間的流轉與萬物的無常。

◎國際舞台的腳步

自1990年代起，山本開始活躍於國際藝壇。他於1994年在美國舊金山舉辦首次個展，之後在紐約、巴黎、莫斯科、里約熱內盧等地持續展出。他的作品被廣泛收藏於全球重要美術館與機構之中，如普林斯頓大學藝術博物館等。他亦與多家國際出版社合作，出版攝影集，包括《空の箱》、《中空》、《e/ゑ》、《大水青蛾》、《川》等，確立了其在攝影界的地位。

◎持續創作

即使在數位攝影盛行的今日，山本昌男仍堅持以傳統手工方式進行創作。2024年，他於東京水戶美術館舉辦個展《Living Things ≅ Still Life》，展出以19世紀濕版玻璃攝影技法（ambrotype）製作的新作系列，再次展現他對歷史技術與物件美學的關注。他目前定居於山梨縣八ヶ岳南麓，持續以靜觀自然的方式進行創作，將日常中微小的事物轉化為永恆的詩意。

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山本昌男的攝影，是一種溫柔的凝視，是對「萬物有靈」的信仰。他讓我們明白，即使在喧囂的世界中，仍能從微小與寧靜中，找到屬於生命的光與影。如果說當代攝影正快速向數位與高解析邁進，那麼山本的創作無疑是一種逆流而上的提問——什麼是真正的觀看？什麼是攝影的本質？這些問題，在他手工製作的小照片中，悄然迴盪。

#攝影 ＃日本攝影 ＃攝影藝術

12/06/2025

#展覽
（～6/22 周五～週日 開放參觀）

重量之一｜《水噹噹ㄟ金雲阿姨》──身體與目光之間的對抗張力

藝術家蔡定邦紀錄72歲的金雲阿姨——一位曾經經營餃子店、如今在咖啡廳打工的女性。她驕傲地分享自己年輕時的性感寫真，認為「腋毛才是性感的象徵」，並反問當代審美為何將自然身體視為羞恥。藝術家在一連串日常互動中拍下她再度入鏡的瞬間，照片中的她不再追求主流時尚的姿態，而是大方展示一種不受時間與規範侷限的身體姿態。這些影像記錄了她對自我美感的堅定與自在，也讓我們重新思考身體、老去、女性凝視與影像之間的關係。這份來自庶民生活的真實與反叛，本身就蘊含強烈的視覺與思想張力。

「攝影上桌」獲獎者的聯展《五種重量》邀請觀者思考攝影在時間、記憶、情感與身體間的無形張力。
在凝視之後，我們或許能感受到：攝影的重量，或許不在於它所呈現的景象，而在於它如何在我們心中留下深刻的痕跡，像一種難以言喻的重力，隨著時間的流逝，不斷回蕩。

展覽資訊
展出者 ｜黃弘川、篠塚紘生、黎青青、陳冠霖、蔡定邦
策展人 ｜鄧博仁
展覽日期：6/06(五) - 6/22(日)
開幕導覽：6/07 | 2:00pm
開放時間：週五～週日: 10:00pm~19:00pm（其他時間請預約）
展覽地點：（晗光行） 台北市大安區麗水街13巷8號1樓

#藝術展 #攝影 #五種重量 #攝影上桌